¿Quieres pasar 8 horas viendo y sintiendo diferentes performances imprescindibles de la Vanguardia española? No te pierdas la cita mañana 16 de septiembre, de 12:00hs a 20:00hs, en el Circulo de Bellas Artes. El artista Abel Azcona hará un homenaje y reactivará 24 acciones de la historia de la performance de nuestro país.
El proyecto, comisariado por Óscar García García, se convierte en una performance duracional de resistencia de 8 horas consecutivas, en la que Azcona, como referente de la performance actual, revisa y reactiva la obra de Esther Ferrer, Fina Miralles, Jordi Benito, Pepe Espaliú, Joan Casellas, Walter Marchetti, Marceli Antunez, Juan Hidalgo, Bartolomé Ferrando, Itziar Okaritz, Isidoro Valcarcel Medina, Santiago Sierra, Paz Muro, Tere Recarens, Concha Jerez, Angels Ribé, Nieves Correa, Carles Santos, Pere Noguera, Cabello Carceller y Pedro Gahrel.
¿Cuáles son las acciones y en qué orden estarán representadas?
1
MANIFIESTO POR UN ARTE AMBULANTE (1976)
Reactivación y homenaje de la obra original de Isidoro Valcarcel Medina.
La primera acción se desarrolla a la entrada del museo mientras las puertas al espacio del evento permanecen cerradas. De la misma manera que Valcárcel Medina reclamaba un arte ambulante, Azcona porta un cartel en el que reza: Por un arte discursivo y ambulante.
Isidoro Valcárcel Medina (Murcia, España, 1937) es un artista clave del arte conceptual en España. Su obra se ha caracterizado por romper con los esquemas más convencionales del arte. Ajeno a las tendencias, Valcárcel Medina se centra en la creación de situaciones, intervenciones, acciones o proyectos, más allá del objeto artístico, que dan cuenta de su actitud comprometida y alejada de los aspectos comerciales del arte
2
ENTRADA A UNA EXPOSICIÓN (1990)
Reactivación y homenaje de la obra original de Esther Ferrer.
La segunda acción se desarrolla en el interior del museo a modo de entrada o bienvenida del público, así como la instalación de Ferrer interaccionaba directamente con el visitante mediante plumas en la entrada, Azcona recibirá y accionará con cada visitante desde su historia y experiencia personal utilizando también plumas como medio de interacción..
Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) fue, desde 1967, una de las principales integrantes del grupo Zaj. Artista polifacética, su obra ha recorrido el territorio de las performances y los happenings, aunque también es autora de instalaciones, series fotográficas y obras radiofónicas. En 1999 representó a España en la Bienal de Venecia y recientemente (en 2008) ha recibido el Premio Nacional de Artes Plásticas concedido por el Ministerio de Cultura.
3
PROYECTOS ESPACIALES (1960-1997)
Reactivación y homenaje de la obra original de Esther Ferrer.
La tercera acción se desarrolla en el interior del museo donde al igual que Ferrer Azcona camina con una cinta y marcando el recorrido al caminar. Durante varios minutos el artista recorre el espacio dejando la huella de la cinta tras de si. Esta vez el artista además del calculo matemático al caminar incluye el peso visual de los visitantes, ocupando cada uno un lugar en su recuerdo vital.
Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) fue, desde 1967, una de las principales integrantes del grupo Zaj. Artista polifacética, su obra ha recorrido el territorio de las performances y los happenings, aunque también es autora de instalaciones, series fotográficas y obras radiofónicas. En 1999 representó a España en la Bienal de Venecia y recientemente (en 2008) ha recibido el Premio Nacional de Artes Plásticas concedido por el Ministerio de Cultura.
4
CARGA (1992)
Reactivación y homenaje de la obra original de Pepe Espaliú.
La cuarta acción y acercamiento a la obra de Espaliú, es una reactivación mediante la conexión de la obra original y la pieza de Azcona “La mercancía” donde el espectador carga al artista mientras este se encuentra inconsciente. Al igual que Espaliú, Azcona dialogará en la acción con los visitantes del museo.
Pepe Espaliú (Córdoba, 1955 – Madrid, 1993) es uno de los artistas más destacados de la generación española de los ochenta. Pintor, escultor, dibujante y escritor, desarrolló una obra coherente y significativa relacionada muy estrechamente con la reflexión sobre la propia identidad. A su trabajo se le debe una de las más profundas conceptualizaciones de la vivencia del SIDA, enfermedad motivo de su fallecimiento y con la que dialogó valientemente en el plano artístico y sobre la que produjo algunas de sus obras más importantes.
5
TRANSFORMACIÓN DEL HIELO EN AGUA MEDIANTE EL CALOR DEL CUERPO
Reactivación y homenaje de la obra original de Jordi Benito.
La quinta acción, desde la mirada original, consistía en un diálogo entre el calor de las manos y hielos que terminaba en agua en un vaso de cristal. De manera similar a Benito, Azcona utilizando la piel de su cuerpo, todo el cuerpo, no únicamente las manos, dialogará con diferentes hielos hasta convertirse en agua. Las partes del cuerpo por donde se deslizará el hielo serán una narración de los lugares donde el artista fue abusado sexualmente en su infancia.
Jordi Benito (Granollers, 1951-Barcelona, 2008) fue uno de los artistas conceptuales catalanes más radicales. Si bien sus primeras obras, hacia el 1970, fueron instalaciones, elaboradas con materiales pobres como sábanas o piedras, que mostraban un interés por el espacio, pronto inició sus primeras acciones con el cuerpo.
6
MUJER ÁRBOL (1973)
Reactivación y homenaje de la obra original de Fina Miralles.
La sexta acción consiste en plantar el cuerpo en el espacio galerístico, al activar la pieza en un museo, al contrario de la pieza original de Miralles en el campo. Mediante tierra y un cubo blanco Azcona entierra su cuerpo y dialoga corporalmente con algunas visitantes.
Fina Miralles. (Sabadell, España, 1950). Formada en Bellas Artes en Barcelona, Fina Miralles pasó temporadas en América del Sur, Francia e Italia, antes de instalarse definitivamente en Cadaqués en 1999. Fue una de las primeras artistas conceptuales catalanas que, a principio de los setenta, realizó acciones en la naturaleza, en las que implicaba elementos como los árboles, la tierra, el agua y su propio cuerpo. Con gran simplicidad y contundencia, estas acciones ponen énfasis en el diálogo entre naturaleza y artificio, y también en la crítica social y política en un contexto de finales del franquismo.
7
ESCUCHA
Reactivación y homenaje de la obra original de Joan Casellas.
La séptima acción es un ejercicio de escucha mediante el uso de un elemento simbólico y metafórico. Casellas escuchaba los objetos de su alrededor y Azcona durante casi media hora utiliza el ejercicio de escucha por todo el espacio, incluyendo elementos, visitantes y paredes en una autocrítica a su propia obra donde él mismo es el protagonista y en ocasiones no escucha al espectador.
Joan Casellas (Teià, España, 1960) Artista plástico, fotógrafo documentalista especializado en el arte de acción. Actualmente organiza La Muga Caula, encuentro anual de poesía de acción y performance.
8
UNA ACCIÓN (CONCIERTO ZAJ) (1973)
Reactivación y homenaje de la obra original de Juan Hidalgo.
La octava pieza renueva el concierto silencioso, únicamente acompasado con el movimiento de los brazos. La activación plásticamente respeta cien por cien la obra original, no obstante Azcona incluye procesos de pensamiento y sentimientos, abandono y trauma que incluye según la efusividad de las notas musicales activadas con los brazos.
Juan Hidalgo. Miembro fundador del grupo Zaj, Juan Hidalgo (Las Palmas de Gran Canaria, 1927) es uno de los artistas más transgresores y creativos del panorama artístico español. Aunque inicialmente centró sus intereses en el plano musical, Hidalgo ha participado también en otras manifestaciones artísticas como la poesía, la fotografía, la pintura, el arte postal o las performances. En su concepción del arte prima lo conceptual, la actitud ante el hecho creativo.
9
SISTEMATURGIA. ACCIONES, DISPOSITIVOS Y DIBUJOS
Reactivación y homenaje de la obra original de Marcelí Antunez.
En la novena acción los más de cien círculos pintados por Antunez, se convertirán en un proceso calcado en ejecución, en doscientas cuarenta y dos círculos emulando las doscientos cuarenta y dos obleas de la obra Amén o La Pederastia de Azcona, o los casos concretos (242) anunciados por abuso infantil en la Iglesia en el norte de España.
Marcel·lí Antúnez Roca. Moiá, España, 1959. Nacido en Moià (Barcelona) en 1959, se formó en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona. Creador multidisciplinar, es una de las figuras más destacadas en el ámbito internacional del arte electrónico y la experimentación escénica. En los años ochenta, fue fundador y líder de la compañía La Fura dels Baus, que popularizó el teatro de acción. Desde los años noventa, se centró en una investigación más próxima a las artes visuales, el vídeo y la interacción con la tecnología.
10
AUTO-LAVATORIO DE PIES (1976)
Reactivación y homenaje de la obra original de Walter Marchetti.
La décima acción es una reproducción exacta estética y conceptualmente de la obra original de Marchetti. En el caso de Azcona ralentiza el proceso para convertir la pieza en duracional u obra de larga duración, en conexión con las duchas de agua fría, castigo habitual en su familia adoptiva.
Walter Marchetti. Fue a finales de los años cincuenta cuando el italiano Walter Marchetti –uno de los artistas conceptuales más destacados de las últimas décadas- conoció, en los cursos del compositor Bruno Maderna en Milán, a artistas tan transgresores como John Cage o Juan Hidalgo, compositor español junto con el que fundó el grupo de vanguardia artística Zaj en 1964.
11
MENÚ (1998)
Reactivación y homenaje de la obra original de Bartolomé Ferrando.
La undécima acción se desarrolla en el centro del espacio, al igual que en la performance original de Ferrando, Azcona abre un pliego donde hay una palabra escrita y lentamente ingiere las cuatro letras de su interior. En el caso de Ferrando la palabra original era MENÚ y en el acercamiento a la pieza por Azcona la palabra es ARTE, activando la pieza desde la misma imagen plástica pero en diálogo con otras piezas de Azcona (arte) donde la ingesta ha sido protagonista y más teniendo en cuenta que el artista habla del arte como herramienta de salvación vital o supervivencia y en este caso de alimento.
Bartolomé Ferrando. España, 1951. Vive y trabaja en Valencia, España. Performer y poeta visual. Estudió música y filología hispánica. Es profesor titular de performance y arte intermedia en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia. Ha sido el fundador de la revista Texto Poético. Como performer ha participado en festivales y encuentros celebrados en Europa, Canadá, Estados Unidos, México, Ecuador, Venezuela, República Dominicana, Argentina, Chile, Japón, Corea, Singapur, China, Vietnam e Israel. Ha coordinado festivales internacionales de arte de acción en el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) y en el Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC).
12
LIBRO BLANCO, GEOMETRÍA DE LA PAZ (1972)
Reactivación y homenaje de la obra original de Paz Muro.
Paz Muro es una de las pioneras del arte conceptual y efímero en España durante los años setenta y una de las representantes del giro teatral de la década siguiente. Sus intervenciones, happenings y performances, demuestran la singularidad e independencia de un trabajo que refleja una noción de la práctica artística vinculada a lo lúdico y a la literatura. Poco tiempo después de su participación en los Encuentros de Pamplona, realizó Propuesta de transformación de la realidad a partir de un fenómeno natural (1972), una obra que avanza presupuestos del Land Art en España. Influencia cultural, y nada más que cultural, de la mujer en las artes arquitectónicas, visuales y otras, analiza, por el contrario, el rol atribuido a la mujer en la memoria pública.
13
INTERVALO ÚNICO DE TIEMPO AUTOCENSURADO (1974)
Reactivación y homenaje de la obra original de Concha Jerez.
Frases grandes posible el artista estará siempre muy solo
Concha Jerez. Nació en Las Palmas de Gran Canaria, en 1941. Cursó la carrera de piano en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y la Licenciatura en Ciencias Políticas en la Universidad de Madrid. Desde 1976 ha desarrollado el concepto de instalación, como obra in situ, en espacios de gran envergadura. Ha desarrollado obras individuales diversas en España, Alemania, Austria, Francia, Italia, Dinamarca, Suecia, Finlandia. Premio Nacional de Artes Plásticas (2015).
14
CONTANDO MIS DEDOS (1977)
Reactivación y homenaje de la obra original de Angels Ribé.
Contabilizar escenas de violencia en la infancia
Àngels Ribé nace en Barcelona en 1943. A finales de los años sesenta se traslada a París, donde participa en los movimientos estudiantiles de mayo del 68 mientras empieza a trabajar en el estudio del escultor Piotr Kowalski. En 1969 presenta su primera instalación. Ya en los setenta vive en Chicago y Nueva York, donde conecta con todo el entorno de la por entonces escena artística emergente y utiliza su cuerpo como principal vía de expresión en sus instalaciones y actuaciones. De vuelta a España, en los ochenta, comienza a trabajar con hierro y, a partir de los 2000, con el neón, las luces y las sombras, rasgo característico de su obra más actual. Toda esta trayectoria constituye un referente para posteriores generaciones de artistas y le vale en 2019 el Premio Nacional de Artes Plásticas.
15
7776 TIRADAS DE UN MISMO DADO (1990)
Reactivación y homenaje de la obra original de Nieves Correa.
Encontrar cifra y derivar.
Nieves Correa comienza su carrera en el Arte de Acción y la Performance a finales de los años ochenta y desde entonces a participado en festivales y encuentros en Europa fundamentalmente pero también en Canadá, Ecuador, Argentina, Uruguay y Japón. Su obra plástica se nutre siempre de sus propias Acciones o tiene como punto de arranque un “proceso performativo” en el que el cuerpo, el espacio y el tiempo están presentes.
16
APRETAR CON LOS DIENTES (1976)
Reactivación y homenaje de la obra original de Pere Noguera.
La decimosexta acción se desarrolla con el artista sentado en un mesa de madera al igual que Noguera en la pieza original. Durante unos minutos ambos artistas construyen platos con arcilla y muerden las piezas creadas. Noguera desde una conexión con el plato y el alimento, Azcona con la misma mirada pero incluyendo el concepto del hambre.
Pere Noguera. La Bisbal d’Empordà, Girona, 1941. Influido por un entorno de ceramistas, moldea la arcilla, que en sus manos se convierte en escultura, en objeto artístico. Sin embargo, al poco tiempo creará obras que plantean interrogantes, más allá de la pura materialidad. Puente de diálogo entre el artista y el artesano, confiere al barro una prehistoria contemporánea. Noguera nos invita a emprender un viaje hacia la esencia de las cosas a través de un proceso experimental, para que tomemos conciencia de la dimensión universal del uso de los objetos en contacto con el hombre. Reinventa las posibilidades expresivas del barro otorgándole nuevas propiedades de carácter metafórico.
17
EMPUJAR UN PIANO POR LA RAMBLA (1982)
Reactivación y homenaje de la obra original de Carles Santos.
Carles Santos. Nació en Vinaroz (Castellón). A los cinco años ya tocaba el piano. Estudió en el Conservatorio Superior de Música Liceo de Barcelona, en París y en Suiza. Compone e interpreta el “Concert irregular de Joan Brossa” (1967), por encargo de la Fundación Maeght, para conmemorar el 75 aniversario del nacimiento de Joan Miró. En 1968 obtiene una beca de la Fundación March con la que viaja a Estados Unidos donde conoce a John Cage y publica su primer disco a piano. En los años 70 comienza a realizar obras para el cine de manos de Pere Portobella, Jordi Cadena, Gonzalo Herralde o Carles Durán.
18
YO COMIENDO UNA MANZANA (1980)
Reactivación y homenaje de la obra original de Angels Ribé.
Àngels Ribé nace en Barcelona en 1943. A finales de los años sesenta se traslada a París, donde participa en los movimientos estudiantiles de mayo del 68 mientras empieza a trabajar en el estudio del escultor Piotr Kowalski. En 1969 presenta su primera instalación. Ya en los setenta vive en Chicago y Nueva York, donde conecta con todo el entorno de la por entonces escena artística emergente y utiliza su cuerpo como principal vía de expresión en sus instalaciones y actuaciones. De vuelta a España, en los ochenta, comienza a trabajar con hierro y, a partir de los 2000, con el neón, las luces y las sombras, rasgo característico de su obra más actual. Toda esta trayectoria constituye un referente para posteriores generaciones de artistas y le vale en 2019 el Premio Nacional de Artes Plásticas.
19
COSAS QUE DEBERÍAN SER ESCRITAS DEBAJO (1998)
Reactivación y homenaje de la obra original de Tere Recarens.
Recarens creo esta pieza como si de un diario personal se tratará, Una pieza muy similar a la hoja de vida de Azcona. El artista fusiona su obra con la de Recarens y realiza una versión de su diario de sucesos traumáticos utilizando calendarios clavados en la pared del museo.
Tere Recarens. Barcelona, España, 1967. Tere Recarens nació en Arbúcies (Girona) en 1967. Formada en la Escola Massana de Barcelona, en la École supérieure d’art de Grenoble y en la École supérieure d’art et de design de Marsella, vive y trabaja en Berlín. Sus propuestas interdisciplinarias incorporan el dibujo, la palabra, la fotografía, el vídeo y la instalación con un lenguaje inmediato que se sirve del humor y la diversión. La idea de viaje es importante, entendido no solo como desplazamiento físico y geográfico, sino también como trayecto emocional y relacional.
20
ESCULTURA VIVA (1977)
Reactivación y homenaje de la obra original de Pedro Garhel.
Tela negra en rosto.
El prolífico trabajo de Pedro Garhel (Puerto de la Cruz, 1952˗2005), artista y docente por la Universidad de Salamanca, se ha caracterizado desde la década de los setenta por su carácter experimental en el campo de los nuevos medios y la performance. Entendió, en aquel contexto, la potencialidad de la generación de un entorno en que el arte encontrase sus cauces donde cruzarse con la vida cotidiana, donde haya espacio para el vínculo con el espectador, realizando así numerosas performance en el espacio público desde el año 1974.
21
UN BESO (1996)
Reactivación y homenaje de la obra original de Cabello Carceller.
En la pieza original de video y performance de Cabello Carceller se veía a dos mujeres besándose, en este caso Azcona mediante dos sillas enfrentadas besa a un hombre del público voluntario de manera continuada en una pieza de larga duración.
Cabello/Carceller es un equipo de artistas formado en 1992 por Helena Cabello y Ana Carceller (París, 1963 / Madrid, 1964). Viven y trabajan en Madrid y actualmente imparten clases en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca, UCLM. Iniciando su colaboración a principios de los noventa, Cabello/Carceller han desarrollado un trabajo interdisciplinar que examina los medios hegemónicos de representación en las prácticas visuales, sugiriendo alternativas críticas. Desde un enfoque conceptual, políticamente comprometido, utilizan estrategias como apropiación o performance y ficción para cuestionar las narrativas modernistas que evitan las políticas minoritarias mientras las citan de manera recurrente.
22
OCHO PERSONAS REMUNERADAS PARA PERMANECER EN EL INTERIOR DE UNA CAJA DE CARTÓN (1999)
Reactivación y homenaje de la obra original De Santiago Sierra..
La obra de Santiago Sierra (1966) se encuentra atravesada por reivindicaciones sociales y políticas, sus instalaciones, fotografías, performances y videos buscan reflexionar en torno de las relaciones de poder y cómo ellas pueden llevar a la construcción de fronteras entre sectores económicamente acomodados y sectores donde la desigualdad, la violencia y la explotación crecen más y más. Entre las más sencillas acciones del madrileño se encuentran algunas que se mueven dentro del espectro del espacio público: dichas obras son ejecutadas de forma independiente, a veces sin permiso ni control. En ocasiones el resultado es dejado a la deriva, posibilitando la participación fortuita y no intencional de los espectadores.
23
MEAR EN ESPACIOS PÚBLICOS O PRIVADOS (2000)
Reactivación y homenaje de la obra original De Itziar Okaritz.
Itziar Okariz. Sant Sebastián, España, 1965. Formada en escultura y pintura en la Universidad del País Vasco, Itziar Okariz (Donostia, 1965) ha vivido en Nueva York y en Bilbao. Tanto en sus videoinstalaciones como en sus acciones, parte del posicionamiento crítico y la lógica anticapitalista desarrollada en los años sesenta por la Internacional Situacionista. Con una gran simplicidad y a menudo con una gran contundencia, las acciones de Okariz ponen en duda y revocan las normas sociales y los convencionalismos en torno a la moral, el género, el lenguaje y la propia configuración del sujeto en el mundo contemporáneo.
24
6,3 KM (1964)
Reactivación y homenaje de la obra original de Colectivo ZAJ..
ZAJ. Grupo de artistas contemporáneos compuesto por Juan Hidalgo, Walter Marchetti, Esther Ferrer y otros miembros eventuales (Tomás Marco, Ramón Barce, José Luis Castillejo, Manuel Millares, Alejandro Reino, Nacho Criado, José Manuel y Ramiro Cortés, Luis Mataix, Eugenio de Vicente, Luis Cuadrado, Alain Arias-Misson e Ignacio Yraola). Fueron autores de acciones relacionadas con el arte conceptual, la música de vanguardia, el mail art y la poesía experimental, acciones a las que denominan zaj en 1964. Fueron pioneros en nuestro país en el ámbito del happening y la performance. En principio Zaj se relacionó con Fluxus y acompañó sus acciones de descripciones precisas de las mismas, sin dejar lugar a la improvisación.
Etiquetas: Abel Azcona, círculo de bellas artes, Óscar García García Last modified: 14 septiembre, 2023
