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INTENTO DE BRILLAR de Eva Casanueva

Written by: Redacción • 25 abril, 2025

«Intento de brillar» es el nuevo proyecto de Eva Casanueva que puede verse estos días en Le Mur Gallery (Madrid). Una exposición y un fotolibro que la artista desarrolló durante más de diez años como fruto de un proceso de duelo tras el diagnóstico de una enfermedad. La construcción de este cúmulo de imágenes operó no sólo como compañera de la incertidumbre y el sufrimiento, sino también como afirmación de una identidad concreta, compleja y vulnerable que reclama su derecho al dolor, al placer, al miedo y al descaro.

A Eva Casanueva le interesan las potencias performativas de la imagen, la fotografía como herramienta de mediación de conflictos emocionales, así como los procesos creativos que se convierten en el lugar de pertenencia del artista. Su lenguaje fotográfico fantasea con una posible dimensión mística de la imagen donde esta pueda funcionar como talismán, oráculo o maleficio.

El libro, diseñado junto a Javi al Cuadrado, es el nº98 de la colección Cuadernos de la Kursala. Es un dispositivo con las imágenes insertas. Una colección de iconos y palabras, un juego de interpretación. Evoca en sus materiales a los cuadernos de viaje o los diarios.

Eva Casanueva (Madrid, 1983)

Durante más de 15 años trabajó en EFTI, especializándose los últimos años en la Comunicación y la Gestión Cultural. También ha sido Coordinadora de Creadores de Imágenes en Madrid. Actualmente imparte sus propios talleres bajo el nombre de La Guarda y ha entrado a formar parte de la plataforma Cómo Ser Fotógrafa. Este año Eva Casanueva ha sido seleccionada en los Visionados de ArtPhotoBcn y Revela’t. También estará presente en el Festival Libros Mutantes de La Casa Encendida.

Ha expuesto en La Kursala, en galería Cero y festivales como PhotoAlicante, además de participar en diferentes muestras en Instituciones como el Círculo de Bellas Artes, el Museo Nacional de Antropología, el Centro Cultural de España en Buenos Aires o La Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid.

Fechas: Hasta el 17 de mayo de 2025
Lugar: Le Mur Gallery, Madrid

Entrevista a Olga Parra

Written by: José Luis Martínez Meseguer • 25 abril, 2025

Olga Parra [Torrevieja (Alicante), 1983]. Licenciada en Bellas Artes (2006) y Máster Universitario en Formación del Profesorado de Educación Secundaria Obligatoria y Bachillerato por la Universidad Politécnica de Valencia (2007). Polifacética. Pintura. Dibujo. Fotografía. Ilustración. Docente. Divulgadora. Dinamizadora. Cine. Escritora. Poliédrica creatividad.

PAC – Te proyectas desde Torrevieja ¿Te hubiera gustado cambiar de lugar y hacerlo desde allí?

Olga Parra – Agradezco todo lo que me viene a la vida, estoy muy bien donde vivo actualmente ya que este pueblo mediterráneo me da todo lo que necesito. Pero, también disfruto mucho saliendo de mi zona de confort ¿por qué no vivir en una gran ciudad artística como la bohemia París o el moderno Pekín? O mejor aún, me encantaría vivir un tiempo en el futuro y alucinar con conceptos que todavía no existen y no podemos ni imaginar hoy en día.

La verdad es que a veces sueño con eso, con dar de comer a mi curiosidad por descubrir nuevas maneras de hacer y expandir mis dedos para tocar todas esas texturas visuales, viajando a la deriva del incierto futuro.

PAC – ¿Crees que tu trayectoria habría sido la misma?

Olga Parra – Cualquier cosa que te pasa, que te construye, que te toca, influye en tu esencia, a tu mirada y por tanto a tu obra. Somos porosos y eso nos comunica con el exterior para enriquecernos y hacernos más fuertes. Todo lo que hacemos tiene una influencia directa con la realidad que nos rodea.

PAC – ¿Qué te impulsa a dedicarte a la práctica artística?

Olga Parra – Soy ella, soy creativa empedernida, vivo a través de ella, mi diosa es la Creatividad. Respiro para practicarla, no sabría hacerlo de otra manera. Es mi manera de estar en este planeta.

PAC – ¿Qué ansiabas?

Olga Parra – Disfrutar de la vida, a poder compartir la magia del arte con personas sensibles a los minúsculos detalles. Ansiaba poder seguir aprendiendo cada día más y más, a la vez que poder transmitir mis conocimientos a otras personas interesadas.

PAC – ¿Lo encontraste?

Olga Parra – Sí, me siento afortunada y agradecida. Las cosas suelen encontrarme a mí, yo me hago ver para ser cazada por la suerte. He encontrado estar a gusto conmigo misma, con los demás, a reconocerme en cada cosa que hago, y a encontrar una armonía tanto en mi vida como en mi trabajo artístico.

PAC – ¿Qué crees que puede mejorarse en el Sistema del arte?

Olga Parra – Creo que puede mejorar cualquier cosa, sobre todo los sistemas. En concreto el sistema del arte podría hacerlo si no estuviera tan contaminado por el negocio de las ventas/subastas y por los ‘señoros’ que deciden lo que es Arte y lo que no.

PAC – ¿Qué deberíamos aportar y eliminar al Sistema?

Olga Parra – Deberíamos aportar la magia de la creatividad humana que la IA necesita para existir, y que solo la humanidad puede dar. Nuestros sueños son la conexión con el universo, somos esa energía común de ideas que nos hacen evolucionar como especie. Jugar con los anhelos nos da la vitalidad de la felicidad.

Deberíamos eliminar la idea de que el arte vale según su precio en el mercado. El Arte es la expresión del alma, no tiene precio ni debería juzgarse. Solo así podría ser un arte limpio y verdadero.

PAC – Asociacionismo profesional ¿qué opinas?

Olga Parra – Somos un todo, y muchos unidos tienen más fuerza. Asociaciones culturales son una buena manera de conocer otros artistas y compartir con ellos y ellas. De hecho, soy cofundadora de la Asociación cultural: ’Vega Cultura’, en la Vega Baja.

PAC – Háblanos un poco de tu trayectoria.

Olga Parra – Desde que tengo uso de razón, con cinco añitos, ya quería ser artista y profesora de pintura. Todo lo que he hecho en mi vida ha sido para conseguirlo, entonces me dejé ver y la suerte me capturó.

He conseguido lo que quería. Hice mi carrera soñada, Bellas Artes en Valencia. Me fui de Erasmus a Inglaterra. He viajado por todo el mundo con proyectos artísticos. Soy profesora de pintura para adultos en el pueblo marinero donde nací. Tengo dos casas-estudio (Torrevieja-Orihuela) donde pinto, escribo y comparto mi vida con mi pareja y también artista Carlos Escolano. Constantemente dejamos volar nuestros sueños para hacerlos realidad con ayuda del cine y las artes.

He impartido clases de pintura desde 2008, en Institutos de España, en el Lejano Oriente (India) y en Centro América (El Salvador).

Soy divulgadora de cultura en el entorno que me rodea con actividades abiertas y gratuitas como:

He creado DibuNómadas, el primer grupo de dibujo urbano de la Vega Baja, desde 2017.

He construido el primer Cine-Fórum: del Lienzo a la Pantalla, con proyecciones de películas sobre arte y creatividad, único en Torrevieja, para inspirar a pintores en sus procesos creativos.

Este año he diseñado Club de lectura: La Palabra Pintada el primer club de lectura sobre arte y creatividad. En La Vega Baja.

He expuesto mi obra en galerías de: Cuba, India, El Salvador, Inglaterra y España.

Realizo cuadernos artísticos de viaje a los países que vivo: Japón, México, Perú, India, Colombia, Kazajistán, Tailandia y España. Además realizo videos de: Brasil, Kenia, Honduras y Cuba.

Apunto con mi réflex hacia elementos irreconocibles para deformar la realidad y contarla desde mis ojos.

Me puse contentísima cuando me dieron la noticia de ser seleccionada para la beca “Resistències Artístiques” del Consorcio Museos de la Comunidad Valenciana [CMCV]. Seleccionada con el “Proyecto Identidades”, con el Colectivo artístico OZ – OlgaZarva-, que lo formamos mi compañero artístico Zarva Barroso y yo. Y a su vez, fuimos seleccionados para la I Bienal de Artes Visuales “Pluri-Identitats”. Para exponer el “Proyecto Identidades”, en la sala exposiciones del Museo de la Universidad de Alicante [MUA].

He sacado punta a mis pinceles pintado por pueblos de toda España en concursos de pintura rápida con mi amiga-pintora María Durá, viajando con la autocaravana cazando premios.

[Puede visitar mi obra en la web: olga-parra.blogspot.com. Mi Instagram: @olgaparra]

PAC – Defínete mediante hashtags o etiquetas.

Olga Parra – #OlgaParra #OlgaParraArte #Arte #Pintura #Foto #Ilustracion #ProfeArte #ArtWork #DibuNómadas #Mochilera #Óleo #ConceptualArt #Carboncillo #Exposición #EscuelaMunicipalPinturaTorrevieja #MáquinaDeEscribir #BellasArtes #Cine #CuadernoArtista #Creatividad

PAC – ¿Cuáles son los temas de tu trabajo artístico?

Olga Parra – Paisaje, retrato, libro de artista, ilustración, foto, viajes, el mar, la mujer, el Mediterráneo, impresionismo, arte conceptual. Utilizo técnicas mixtas, pero lo que más disfruto es el óleo sobre lienzo y el carboncillo.

PAC – ¿Algún proyecto, pendiente, que te gustaría realizar?

Olga Parra – Sí, siempre tengo proyectos en mente, cuando acabo uno, empiezo otro, esta cabecita no puede estar quieta y suele llevar varias cosas al mismo tiempo.

Ahora mismo acabo de dar a luz el que he tenido pendiente durante cuatro años. La publicación de mi novela “Yātra. Vuelta a India”. Mi tercer libro publicado. “Yātra” es una novela autobiográfica e ilustrada también por mí, que cuenta el año que estuve viviendo y trabajando como profesora de pintura en los Himalaya. Una novela sensorial que te hace viajar a través de los ojos de una artista. Estoy con las presentaciones, la exposición de las ilustraciones y el cuaderno de artista de la india.

Por un lado, estoy terminando mi cuaderno de artista de mi viaje a Tailandia. Y ya pensando dónde será el próximo país oceánico a visitar para plasmarlo en otro cuaderno de viaje.

Por otro lado, ya tengo en marcha mi próximo proyecto artístico, la exposición individual de mi obra. Será este otoño en la Sala de exposiciones Mengolero de las Cuevas del Rodeo (Rojales, Alicante).

Además, los fines de semana soy cámara y ayudante de dirección de un largometraje que se está rodando en estos momentos, bajo la dirección del cineasta Carlos Escolano.

Todo esto al mismo tiempo que, organizo la exposición colectiva anual de mi alumnado de la Escuela Municipal de Pintura de Torrevieja, para la sala de exposiciones del Centro Cultural Virgen del Carmen, que se celebra cada primavera.

Aunque si dejo a mi imaginación volar más alto que las nubes, lo que me encantaría hacer antes de morir sería colgar mis cuadros en el Museo Guggenheim.

PAC – Un deseo.

Deseo que todas las personas se enamoren profundamente por lo menos una vez en cada vida. De lo que sea, de quien sea, pero que el corazón les explote de felicidad cuando le piensen y se funda cuando le toquen.

«Días alegres, exergos, rellenos, acolchados» de Duniesky Martín

Written by: Pedro E. Rizo Peña • 25 abril, 2025

Hay exposiciones que eluden lo evidente para explorar las zonas grises del relato. Días alegres. Exergos, rellenos y acolchados, la más reciente muestra personal de Duniesky Martín en la Galería Acacia, no se contenta con representar; más bien interroga los mecanismos que hacen posible —y peligrosa— toda representación. Esta propuesta, bajo la curaduría de Claudia Laguna y con un texto crítico de Gustavo Arcos Fernández-Britto, configura un complejo dispositivo estético y conceptual donde se despliega una relectura crítica de los sistemas de mediación cultural que han moldeado la memoria colectiva cubana y, por extensión, la de toda una región marcada por los vaivenes ideológicos del siglo XX.

El gran mérito de la exposición radica en su densidad semántica. Lejos de ofrecer una secuencia lineal o meramente estética, la muestra se organiza como una constelación de sentidos, en la que dibujos, acuarelas, instalaciones, video y una colección de objetos personales funcionan como nodos de una cartografía afectiva e intelectual. Duniesky no narra su infancia desde la nostalgia complaciente; tampoco idealiza el pasado socialista o se entrega a una crítica frontal. Lo suyo es una operación más sutil: poner en crisis las imágenes que han codificado lo real.

Desde su título, Días alegres, se insinúa el juego de ironía y evocación que caracteriza toda la muestra. Referencia directa a una publicación de la extinta RDA que formó parte de su biblioteca infantil, el título opera como un gesto inaugural: activar los restos de un archivo íntimo para tensionar su lectura bajo la luz de la contemporaneidad. En este sentido, la propuesta conecta con una de las líneas más fértiles del arte actual: la revisión crítica de los archivos domésticos y los mecanismos de construcción de identidad desde el fragmento, el testimonio y la ficción documentada.

Uno de los puntos más sólidos de la exposición es la serie El difícil acto de confundir el horizonte, en la que este también profesor del ISA realiza una apropiación crítica de stills provenientes de películas extranjeras que pretendieron representar a Cuba desde una visión exotizante o directamente distorsionada. En la pasada exposición Lección de anatomía, ya nos presentó algunas de estas piezas. La estrategia de trasladar estas imágenes al lenguaje de la acuarela o el dibujo genera un desfase perceptivo que subvierte su origen cinematográfico, devolviéndolas al espectador no como documentos sino como ficciones en perpetua negociación. Aquí, el artista demuestra una aguda conciencia de los modos en que el cine —en especial el de Hollywood— ha moldeado imaginarios colectivos sobre Cuba, convirtiendo sus paisajes y personajes en clichés listos para el consumo global.

En sintonía con este cuestionamiento de la representación, la instalación Casting opera como un archivo especulativo sobre la fragilidad de la identidad histórica. A través de 140 retratos dibujados de figuras célebres reinterpretadas por el cine y la televisión —de Gandhi a Marilyn Monroe—, Martín desactiva la supuesta objetividad de la imagen. Lo que vemos no son los rostros “verdaderos”, sino sus encarnaciones ficcionales: simulacros de simulacros. La pieza, poderosa en su factura y precisa en su montaje, propone una reflexión urgente sobre la estetización del poder y la estetización de la historia.

Destacan también los carteles pertenecientes a la serie Reza como nosotros, teme como nosotros, crece como nosotros (2006), presentados como parte del archivo visual expandido del artista. Estos afiches —diseñados con un estilo que oscila entre la propaganda institucional y el arte pop centroeuropeo— proponen un diálogo ácido con los lenguajes de la publicidad ideológica. En ellos, la infancia aparece como territorio de disputa simbólica, espacio donde se inoculan imaginarios que parecen inofensivos pero que cumplen una función disciplinaria. A pesar de su factura temprana, estas piezas revelan una madurez crítica y una intuición visual que prefigura las preocupaciones centrales del artista: la relación entre imagen, verdad y poder.

A nivel curatorial, Claudia Laguna ha logrado articular un recorrido coherente, que permite transitar entre las distintas series sin perder la cohesión narrativa. Especialmente interesante es la inclusión de los exergos, pequeñas frases extraídas del cine internacional que funcionan como bisagras textuales entre las piezas, abriendo sugerentes resonancias entre la imagen y la palabra. Sin embargo, puede señalarse que esta estrategia —si bien eficaz en términos conceptuales— podría haber ganado en contundencia visual si se hubiera arriesgado más en su diseño museográfico o si se hubiera integrado con mayor osadía a la espacialidad expositiva. Por momentos, su presencia pasa desapercibida.

Uno de los gestos curatoriales más potentes —aunque discretos— es la inclusión de la colección personal del artista. Lejos de ser una sección meramente anecdótica o decorativa, funciona como una especie de subtexto que impregna toda la muestra. Libros infantiles de la RDA, fotonovelas, cómics, juguetes y carteles de cine construyen un paisaje emocional e ideológico que sirve de contracampo al resto de las obras. Estos objetos, aparentemente menores o desechables, se revelan como dispositivos de formación ideológica y afectiva. La exposición no presenta tanto una biografía visual de Duniesky Martín como un mapa de los dispositivos que moldearon su mirada, y por extensión, la de toda una generación atrapada entre consignas y ficciones.

La muestra dialoga con los actuales giros del arte contemporáneo: el retorno a lo narrativo desde la sospecha del lenguaje, la relectura del archivo como performance política, la nostalgia crítica como forma de revisión histórica. A diferencia de otros ejercicios donde el archivo deviene mera excusa estética, Duniesky Martín construye una propuesta que no sólo revisita su propio imaginario cultural, sino que lo interpela, lo ficcionaliza y lo pone en tensión con una memoria compartida. En tiempos de exceso de presente, Días alegres propone una pausa, un ejercicio de relectura donde las imágenes no nos devuelven certezas, sino preguntas.

Porque hay historias que, como bien señala uno de los títulos de las piezas, necesitan distancia para convertirse en Historia. Duniesky Martín, con esta exposición, nos invita a habitar precisamente esa distancia.

Fechas: Hasta Mayo de 2025
Lugar: Galería Acacia, La Habana – Cuba

Giulio Paolini y Luca Bertolo - detras de la obra

Giulio Paolini y Luca Bertolo. Detrás de la obra

Written by: Redacción • 24 abril, 2025

El Instituto Italiano de Cultura de Madrid acoge una exposición dedicada a Giulio Paolini (Génova, 1940) y Luca Bertolo (Milán, 1968), uno de los principales artistas de las nuevas vanguardias de la segunda mitad del siglo XX y uno delos más importantes pintores italianos de hoy.

La comisaria, Elena Volpato, ha puesto en diálogo diecisiete obras, elegidas entre las más relevantes de su recorrido artístico. Son instalaciones, pinturas y obras conceptuales que abarcan un arco temporal de sesenta años, desde 1963 hasta 2024, y narran un continuo interrogarse sobre la naturaleza reflexiva del arte y sobre aquel espacio poético, conceptual y expresivo que se oculta “detrás de la obra” desvelando su dimensión más fugaz.

La exposición está configurada en tres momentos que profundizan algunos de los aspectos de contacto entre los dos artistas: la relación entre el anverso y el reverso del lienzo, el ambiguo estatuto de imagen de la bandera y la representación de la ausencia. Tres temas, tantos como son las principales salas expositivas del Instituto Italiano de Cultura de Madrid, un lugar marcado por la simbólica cercanía de un cuadro como Las meninas de Velázquez que constituye el origen de las reflexiones en juego.

Paolini ha sido una figura primaria de las nuevas vanguardias de la segunda mitad del siglo XX por su análisis de los elementos esenciales y constitutivos de la obra visual. En su enigmática presencia ha ido buscando el sentido tanto de cualquier alejamiento del pasado, como de cualquier posible reconocimiento de las constantes del arte. Ha dado testimonio de la urgencia de un análisis que permitió volver a empezar desde un nuevo punto de partida, pero también de declarar que ese inicio estaba ya dentro de la tradición clásica.

Su examen ha sabido verificar la posibilidad de continuo resurgir de la representación, como un aura ineludible, inscrita en la desnuda sencillez objetual del cuadro, en su ser umbral hacia el espacio del arte.

Treinta años después de los comienzos de Paolini, Luca Bertolo empezó a pintar a partir de una reflexión similar sobre los elementos primarios de la pintura y sobre la superficie plana del lienzo como espacio de acercamiento, por negación, a la imagen. Trabajando en el seno de la pintura, ha ido encontrando paradójicas representaciones dela imposibilidad de decir plenamente a sí mismos y el mundo. Respondiendo a las deconstrucciones y reconstrucciones de las vanguardias, Bertolo está trazando un recorrido en el que pertenencia y lejanía de la historia, contemplación y mofa, pintura mimética y pintura mental, se superponen en su paradójica investigación pictórica de la aparente imposibilidad de pintar.

La exposición se acompaña por un catálogo publicado por Allemandi, con textos delos artistas y de la comisaria.

“Nuestro Instituto siempre ha promovido y puesto en valor el arte contemporáneo italiano, – afirma Susi Baldasseroni, Directora ad interim del Instituto Italiano de Cultura de Madrid – y es un gran privilegio para nosotros poder exponer las obras de dos artistas tan significativos, a los que agradecemos por la generosidad y disponibilidad con la que han aceptado nuestra invitación”.

Fechas: Hasta el 10 de mayo de 2025
Lugar: Istituto Italiano di Cultura di Madrid, Madrid

Carlos Pérez Siquier. Almería. 99,5x99,5cm. Colección CAAC2

El C3A expone una continuación de la exposición comisariada por Alberto García-Alix en el CAAC

Written by: Redacción • 24 abril, 2025

El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A) presenta la muestra ‘Tramas y ficciones’ que reúne una selección de obras pertenecientes a los fondos fotográficos del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC). La exposición, que podrá visitarse en el Atrio, se encuadra dentro de la programación de la XIX Bienal de Fotografía de Córdoba.

Carlos Pérez Siquier. Almería. 99,5×99,5cm. Colección CAAC

‘Tramas y ficciones’ propone una lectura narrativa de la fotografía a partir las obras que forman parte de los fondos del museo andaluz. La muestra, comisariada conjuntamente entre Alberto García-Alix y el equipo del CAAC, surge a raíz de las conversaciones con el reconocido fotógrafo, a partir de su exposición en la sede del museo en Sevilla ‘Diversidad en la colección del CAAC, que puede visitarse hasta el 25 de mayo de 2025.

Ambas propuestas, ofrecen lecturas complementarias sobre los fondos fotográficos del CAAC, abordando la pluralidad de temas, lenguajes y enfoques que caracterizan esta colección. “Con estas dos muestras fotográficas simultáneas en Córdoba y en Sevilla queremos poner de actualidad la colección de fondos fotográficos propios, adquirida por el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. Además, lo hacemos de la mano de uno de los mayores expertos en la fotografía como medio de expresión artística contemporánea, Alberto García Alix”, valora la consejera de Cultura Patricia del Pozo.

La exposición en el C3A revela cómo el objetivo fotográfico y el individuo interactúan, tejiendo una red de historias: algunas concluidas, otras suspendidas en el tiempo.

Obras que ponen el foco de interés en la capacidad de la fotografía como disciplina comprometida con el registro del cuerpo y su huella en el espacio y el territorio. La muestra, incluye obras de los artistas Tete Álvarez, Jacobo Castellano, Nacho Criado, Patricia Dauder, Cristina García Rodero, Nan Goldin, Dan Graham, José M. Guerrero, Gonzalo Juanes, Leandro Katz, Rogelio López Cuenca, Cristina Lucas, José María Mellado, Matt Mullican, Carlos Pérez Siquier, Lotty Rosenfeld, Carlos Saura, Rudolf Schwarzkogler, Miguel Trillo, Julio Ubiña, Carrie Mae Weems y Yeni y Nan.

La exposición se articula en torno a diferentes narrativas, que van desde imágenes de las periferias captadas por José Guerrero a las crónicas de viaje de Leandro Katz.

Además, a lo largo del recorrido, el espectador podrá explorar dos líneas muy diferenciadas sobre el uso de la cámara fotográfica, desde su enfoque más artístico a un punto de vista documental, poniendo de relieve la capacidad de este medio de situarse en puntos opuestos.

A través de esta selección, se invita al espectador a reflexionar sobre la situación que se produce antes y después del momento del disparo de la cámara fotográfica, insistiendo en la idea de la imagen como fragmento narrativo. ‘Sabemos que pocas cosas son tan ciertas y engañosas a la vez como una fotografía, por eso nos acercamos a ella con la cautela que merece. El simple gesto de situar una imagen junto a otra ya provoca, por contagio, una historia nueva’, señala Alberto García-Alix.

Con esta exposición, que cuenta con la colaboración del Ayuntamiento de Córdoba, el C3A se suma a la programación de la XIX Bienal de Fotografía de Córdoba, un proyecto impulsado por el Ayuntamiento de la ciudad y AFOCO desde la década de 1980. Su edición de 2025 incluye 21 exposiciones y una amplia agenda de actividades complementarias centradas en la diversidad técnica, histórica y contemporánea del medio fotográfico.

Fechas: Hasta el 25 de mayo de 2025
Lugar: C3A, Córdoba – España

Paula Anta en la Sección Oficial de PHotoESPAÑA 2025 de Zaragoza con: “Paula Anta. Paisajes de resistencia”

Written by: Victoria Arribas Roldán • 24 abril, 2025

Paula Anta. Paisajes de resistencia, es la propuesta expositiva de la artista Paula Anta para la Sala de Exposiciones del Torreón Fortea en Zaragoza. La muestra, forma parte de la Sección Oficial de PHotoESPAÑA 2025 en Zaragoza.

Los espacios naturales en los que el único rastro humano son sus objetos o construcciones y los lugares realizados por la mano del hombre en los que se cuela la naturaleza son los preferidos de la fotógrafa madrileña Paula Anta. A ellos les dedica buena parte de su obra, de la que se podrán ver una selección de algunos de sus mejores trabajos en esta exposición.

Con su depurada técnica y un sutil instinto plástico, Anta parte de un paisaje o de un espacio aparentemente espontáneo en el que crea situaciones posibles sin imponer una narrativa forzada. La artista madrileña presenta la relación entre lo natural y lo artificial como coexistencia, a través de sus instalaciones con diferentes materiales, que transforman el entorno natural en algo imaginativo, pero que a la vez nos hace reflexionar sobre nuestra huella.

En cada serie parte de una serie de argumentos que desarrolla a modo de instalaciones, que forman la imagen final que la artista inmortalizará a través de su cámara. Además de esta relación entre lo natural, la historia y el camino son otras de las claves de sus obras, que se centran en mostrar el significado de cada paisaje como un hecho cultural en sí mismo.

La muestra está compuesta por obras pertenecientes a seis series recientes: ‘Laal’, ‘Khamekaye’, ‘Hendu’, ‘Aurum’, ‘Hoist’ y ‘Thermal Nature’. La muestra comienza con tres de las imágenes que conforman la serie ‘Laal’, tomadas en La India. En ellas, la naturaleza se tiñe de rojo (esa es la traducción del título en hindi), un color relacionado con la vitalidad, la energía, la riqueza, la pasión…

En ‘Khamekaye’, las protagonistas son las estructuras que los lugareños construyen en la playa de la Grande-Côte (Senegal), para ubicarse dentro de sus 150 km. Están fabricados con las ramas y los plásticos que el mar lleva a la orilla, algunos de ellos ya presentes y otros creados por la propia artista, marcando sus propios hitos. El camino protagoniza ‘Hendu’, pero es un camino borrado, cubierto por una nube artificial que no nos permite ver el horizonte. Tomadas en Mauritania, las imágenes nos obligan a intentar ir más allá, a descubrir qué es lo que nos impiden descubrir.

‘Aurum’, ‘Hoist’ y ‘Thermal Nature’ comparten sala y elementos: los árboles y las mantas térmicas. En ‘Aurum’, estas últimas se extienden por las grietas de sus encinas de la dehesa extremeña, a modo de ‘kintsugi’, la técnica de reparación japonesa en la que los objetos rotos se reparan con oro. Las mantas arropan a los árboles caídos en ‘Hoist’, en la que Anta los recupera colocándolos en equilibrio en las orillas del río Potomac. El viento moldea sin control las mantas, creando formas aleatorias, un proceso que puede verse en el audiovisual que acompaña a las imágenes. Por último llega ‘Thermal Nature’, su serie más reciente, en la que las mantas sirven de soporte de la imagen final, provocando un efecto de espejo. Este efecto es doble, ya que las obras se presentan como dípticos con rizomas de patrones casi simétricos, pero no exactos. Realizadas en humedales y manglares, en ellos podemos descubrir elementos como plásticos, envases o redes que nos recuerda la acción del hombre en el paisaje.

Artista: Paula Anta
Fechas: hasta el 8 de junio de 2025
Lugar: Sala de Exposiciones del Torreón Fortea, Zaragoza

“Isabelle Dinoire” de Andrés Rodís, en Espacio Peculiar

Written by: Redacción • 23 abril, 2025

El pasado sábado 5 de abril se presentó en Espacio Peculiar (Oleiros) la exposición “Isabelle Dinoire”, que reúne una serie de obras inéditas del artista Andrés Rodís bajo el comisariado de Pilar Romero.

Rodís, graduado en Bellas Artes por la Universidad de Valencia y con Máster en Investigación y Creación de Arte por la Universidad del País Vasco, trabaja la pintura mediante técnicas de collage y ensamblaje. En sus obras conviven los elementos pictóricos con otros elementos externos, como papeles usados o imágenes, cuya presencia deja siempre visible. Este gesto encuentra su reflejo en los recuerdos de infancia del artista, concretamente en sus vivencias cotidianas junto a su abuela, que recolectaba cinco tipos diferentes de peras de un mismo árbol (injertado por su bisabuelo) y las colocaba cuidadosamente en cestos hechos a mano a partir de pequeñas piezas reutilizadas de plástico, cuyo uso original había sido diferente.

En “Isabelle Dinoire”, el artista profundiza en esta lógica del injerto: explora cómo, del mismo modo que sucede en un trasplante, la incorporación de elementos ajenos a la pintura transforma el cuerpo original, generando una nueva unidad e identidad en la que los cortes y uniones se convierten en huellas esenciales. Este paralelismo entre la pintura y esos procesos quirúrgicos está presente ya en el título de la exposición, el cual alude a Isabelle Dinoire, la primera persona en recibir con éxito un trasplante facial en 2005. Rodís se sirve de su potente historia como metáfora de su propio proceso artístico, donde cada intervención revela una propia cicatriz.

Recién llegado de una residencia artística en Piramidón Centre d’Art Contemporani de Barcelona,“Isabelle Dinoire” es la segunda exposición individual de Rodís. La primera tuvo lugar en 2024 en la Galería Néboa de Lugo, año en el que también mostró su trabajo en las Juntas Generales de Vizcaya, en Bilbao.

Fechas: Hasta el 10 de mayo de 2025
Lugar: Espacio Peculiar, Oleiros, A Coruña

INDOMABLES – Miss Van

Written by: Redacción • 23 abril, 2025

Miss Van, una de las artistas urbanas internacionales más reconocidas, presenta en Twin Gallery la exposición individual “Indomables”. Una nueva serie de pinturas intimistas enfocadas en las sensaciones y las emociones.

Pionera en introducir el movimiento femenino en el arte callejero, la artista francesa muestra por primera vez en una galería de Madrid sus musas desnudas, delicadas y potentes, conectadas con animales salvajes que representan lo masculino. El caballo, como animal noble, potente, alma libre y salvaje; serpientes entrelazadas, deslizándose sinuosamente; alas de mariposas como máscaras… texturas yuxtapuestas magnificando la feminidad en toda su sensualidad.

Siempre ha tenido una fascinación por las máscaras, tanto animales como tribales o folclóricas, jugando con la dinámica de esconder y revelar, buscando continuamente el misterio y la ambigüedad. Se mantiene también su obsesión por el pelo, que usa para sugerir las curvas del cuerpo femenino, para enredar, atar, enlazar, vestir, tapar, lucir… lo usa como ornamento y como armadura, formando parte de la identidad femenina y de su propia identidad artística.

A través de una gama de colores naturales y sutiles, con sencillos fondos monocromos, Miss Van realza la figura femenina presentándola en todo su esplendor.

Artista: Miss Van
Fechas: Del 24 abril al 24 mayo 2025
Lugar: Twin Gallery, Madrid

Barak Rotem

Written by: Wiktor V/R Fundador y director de CreAtIva Magazine • 23 abril, 2025

Barak Rotem pertenece a esa generación de creadores que han entendido, con naturalidad pasmosa, que la inteligencia artificial no es un atajo, sino un nuevo terreno de exploración estética. Su obra no se limita a generar imágenes potentes, sino que formula un discurso visual que podría leerse como alta costura digital: precisión, elegancia, control y, sobre todo, intención.

Lo que más me impresiona de su trabajo es la capacidad para conectar lo aparentemente inconciliable: la tradición artesanal con los códigos tecnológicos del presente. Barak no hace “contenido”, hace mundos. Y los hace con una calidad plástica que delata su procedencia: el mundo de la moda, del detalle minucioso, del ojo entrenado para capturar lo esencial en una sola imagen. En su universo no hay ruido, no hay exceso. Hay sobriedad, hay lenguaje visual pulido, hay rigor. Se nota que no se conforma con lo que la IA propone de forma automática. Él la somete, la afina, y la reinterpreta hasta que la imagen final responde con exactitud a lo que su mente quiere ver.

En un momento donde abunda lo inmediato, lo efectista, lo generado sin filtro, el trabajo de Barak destaca por su purismo. Cada pieza suya parece pensada desde una estructura interna muy compleja, donde los elementos no están ahí por azar, sino por construcción simbólica. Su uso del monocromo, por ejemplo, no es una decisión estética gratuita, sino una forma de destilar el mensaje, de enfocar la atención en lo que realmente importa: el gesto, la textura, el ritual.

Y aquí entra algo que me resulta especialmente potente: el modo en que su obra aborda, aunque sea de manera poética, la condición emocional del ser humano contemporáneo. En su serie más reciente, Barak imagina un mundo donde las personas están conectadas físicamente por cables, pero emocionalmente distantes. Las pantallas han sustituido el contacto. La piel ha dejado de ser un canal. Todo lo que sentimos, lo sentimos a través de un circuito. Viendo esas imágenes, no puedo evitar pensar en que ya somos eso, en gran parte: una humanidad conectada pero sola, rodeada de ventanas digitales donde proyectamos lo que somos (o lo que creemos ser).

Ese mundo ficticio que él construye no es tan lejano. Y por eso, desde mi lectura como comisario, utilizo el concepto de homo-screen (propuesto por un comisario asturiano) para definir a este nuevo ser humano que su obra insinúa: una criatura que evoluciona en lo virtual, que siente a través de interfaces, que reemplaza la mirada por el píxel. En sus imágenes, este homo-screen aparece atrapado en una coreografía de belleza fría, donde la estética es perfecta pero el calor se ha diluido. Es, quizás, la forma más elegante de representar la desconexión emocional que nos atraviesa.

El arte de Barak Rotem no es complaciente, ni necesita gritar. Su fuerza está en el silencio, en la sutileza, en la precisión de quien conoce profundamente su lenguaje. Y quizás por eso mismo, su obra nos interpela con tanta intensidad: porque nos obliga a mirar(nos) desde el otro lado de la pantalla.

Esta propuesta ha sido las más valorada de las más de 70 inscripciones recibidas en la convocatoria internacional que creAtva Magazine ha realizado en el mes de marzo. El jurado ha sido compuesto por:

• Sara Torres. Director PAC Plataforma de Arte Contemporáneo www.plataformadeartecontemporaneo.com @plataforma_pac

• Marta Velázquez. Producer and communications manager Art Futura www.artfutura.org @artfuturafestival

• Diana Mota. Fashion photographer and creative director. Representative of Eterna Agency www.eternaaiagency.com @eterna_ai_agency

• Abhinav Gopal. CTO and co-founder Rubbrband www.rubbrband.com @rubbrbandhq

• Betty Bigas Art Curator and Consultant in creatiBEty and Fusion Gallery www.creatibety.com / www.fousiongallery.com @betty_bigas

• Víctor Velasco. Director creAtIva Magazine www.creativamagazine.com @creativamagazine.ai @wiktor.vr

Este texto has sido redactado tomando como inspiración los argumentos del propio creador, donde he aportado mis propios conceptos y un análisis de su obra muy minucioso. Además ha sido revisado por GPT para perfeccionar la distribución. Descubre más sobre la opinión del creador y más imágenes en la versión impresa de creAtIva Magazine / Vol/6 – Mundos Futuros.

Aproximación a un idilio natural de Lau Rodríguez

“Aproximación a un idilio natural” de Lau Rodríguez

Written by: Redacción • 22 abril, 2025

La artista Lau Rodríguez presenta su exposición individual “Aproximación a un idilio natural” en la Sala Rivadavia de la Diputación Provincial de Cádiz. Una muestra, donde la flora y la fauna se funden en el mundo onírico de la autora, que podrá visitarse hasta el 26 de abril.

En los obras de la artista madrileña subyace la idea de la conexión con la naturaleza. Una naturaleza salvaje y colorida, tan sencilla como barroca, pintada y esculpida. Una explosión de color, fruto de la influencia de su periodo viviendo en México, que fusiona con entorno natural mágico, huella de su etapa actual como residente en un pueblo de Cantabria. Su obra ha sido expuesta en España, Reino Unido, Bélgica, México, Italia, Francia, EEUU y Emiratos Árabes Unidos.

“La obra de Lau Rodríguez es una puerta de la percepción más abierta que nos invita a la observación lenta, y nos recuerda a través de su imaginario, nuestro origen común con todos los seres. El despliegue de detalles y la explosión de color propios de la obra de Lau, nos invitan también a decelerar, a pausarnos en el camino, a ejercitar más la futilidad como un acto revolucionario y más que nunca, necesario. Analizar. Detenerse. Avanzar y volver otra vez. Perder el tiempo y ganarlo con la
mirada, jugando a imaginar otros pequeños hábitats posibles y encontrar nuevas narrativas, pues la belleza de lo extraordinario es para quien la merece, para quien se mueve con la curiosidad sin atender a las manillas del tiempo. La mirada atenta, la quietud de una escucha generosa y descubrimos al carnero camuflado en la maleza, o a la oveja de lanas de olivo. La fusión de los reinos interpela al observador, le pregunta ¿en qué momento se separaron nuestros caminos?” Río Martínez.