Hablamos con REMED sobre ‘Ser. Entre semilla y ceniza’

Guillaume Alby (1978), más conocido como REMED, parisino de nacimiento, vive y trabaja actualmente en Madrid. Su obra, que une de forma sinuosa y armónica la figuración y las formas geométricas, no se limita a un formato concreto, ya que desarrolla su actividad artística en intervenciones murales, lienzos, papel o escultura. Su última muestra, ‘Ser. Entre semilla y ceniza’, se inauguró el pasado 18 de enero en Delimbo Gallery Sevilla, ocasión que hemos aprovechado para reunirnos con él y llevar a cabo esta entrevista.

Guillermo Amaya Brenes: Tu nombre real es Guillaume, ¿por qué elegiste REMED como nombre artístico?

REMED: Simplemente viene del arte como remedio, de l’art comme remède. Para mí el arte es un remedio, una ayuda para estar bien y conocerme. También conocer el universo. Del mismo modo, espero que sea un remedio para el que lo ve eventualmente, pero la primera razón es que para mí es una cura. Creo que la principal función del arte ha sido esa, un proceso de sanación y el acceso a otra red de información.

GAB: El mundo totémico y simbólico me recuerda al elemento que aparece en tu firma.

REMED: Esto es muy interesante. La sencillez de ciertos elementos hace que estos se acerquen a la verdad, a las leyes universales y son capaces de sintetizar y cargar más de lo que podamos percibir.  Mi símbolo es simplemente la primera letra de mi primer nombre artístico “Guilo” (como Guillaume), una G gestual, un poco caligráfica, de la cual la horizontal la hago cruzar la primera curva y subir hacia arriba. Luego se convirtió en mucho más, ya que al llevarla a cabo de manera muy intuitiva tomaba forma de infinito (que es un símbolo que me gusta mucho y que en ocasiones también lo utilizo como firma). Me fui dando cuenta de que ese símbolo encajaba a la perfección en un triángulo y que también podía parecerse al símbolo de om (ॐ), que es el símbolo del primer sonido que creó la materia. Un amigo me dijo que le recordaba a la lámpara de Aladín (lo que me encantó). Y me percaté también, por casualidad, de que este símbolo en simetría vertical y una ligera inclinación del acento, era la letra de un alfabeto asiático (creo que era el chino, no estoy seguro) y quería decir imagen. En ninguno de los casos había buscado yo esos significados, pero por seguir la intuición e ir a la esencia, acontecieron estas interpretaciones.

GAB: ¿Crees que la diferenciación entre el arte urbano y el arte academicista sigue teniendo sentido hoy en día? ¿A qué estilo crees que se acerca tu obra?

REMED: Sí y no. El problema es que ahora hay mucha confusión. Para mí el arte urbano (ya sea street art, grafiti, etc.) pertenece a la calle, por lo que el arte urbano que está en la calle está sometido al contexto de la calle. Inevitablemente es diferente al arte académico, que está sometido al contexto académico. Son dos cosas diferentes, porque tienen referencias diferentes. Yo he hecho grafiti y he pintado en la calle porque el academismo no me reconocía y yo simplemente quería enseñar mi trabajo. A diferencia de los grafiteros, yo no hablaba sólo para los grafiteros, quería hablar para todas las personas que pasaran por la calle. Luego surgió algo totalmente diferente, como es el muralismo (por razones muy positivas al principio, pero que se ha convertido en algo muy diferente). He hecho arte urbano y actualmente hago muralismo, pero simplemente soy un artista que canta, baila, pinta, esculpe, actúa, habla… Amo todos los campos, empecé con la pintura y el grafiti por la libertad que me aportaba (sólo necesitaba un lápiz o un spray). Actualmente amo cantar igual (si no más) que pintar, pero necesito a alguien que toque para mí, es más complicado. Yo me considero simplemente un artista, un artista sincero, un explorador del alma, de la vida, un explorador de la creación.

GAB: Centrándonos en ‘Ser. Entre semilla y ceniza’, tu exposición en Delimbo. ¿Tienen las obras ese carácter trascendental que transmite el nombre de la muestra?

REMED: Cuando he escuchado esta pregunta, he pensado directamente: Dímelo tú.

GAB: En mi opinión, habiendo visto las obras de cerca y asistido a la visita guiada, diría que sí.

REMED: Si lo sentiste así, se corrobora la intención con la que pinto. Lo hago para conocerme y así nacer de nuevo con un entendimiento más completo del universo. Cuantas más perspectivas encuentres, más completa será tu visión. Otra cosa de la que hablaba (en la visita guiada) era de la disponibilidad a la hora de crear. Para mí no hay que buscar ideas, hay que estar disponible. Hay que mirar el vacío e inevitablemente, algo vendrá. Busco ese acontecer y volver visible lo invisible.

GAB: Si es que lo hubiera, ¿qué eje discursivo consideras que predomina en esta exposición?

REMED: Contemplar para crear, tan sencillo como esto. Yo no tengo un discurso especial, pinto como si fuera en un diario, como tú escribes tal vez. Pinto para descubrirme y es lo que intento transmitir mediante mi obra, que la persona que la vea pueda descubrirse mediante ella. Todo lo que creo (o lo que es creado por los artistas) permanece vivo a través de la mirada y la experiencia de los otros. Espero que no suene ni arrogante ni feo decir esto: cualquier obra de arte, cualquier palabra que sale de la boca de alguien, cualquier pensamiento, es  mucho más potente de lo que aceptemos pensar. Por lo que cuando tienes un conjunto de obras sinceras, crean una vibración, casi un sonido. Por eso busco, a través de la sencillez, dar conciencia de que existe un idioma universal cuando se deja a la intuición buscarlo y escucharlo.

GAB: ¿Están presentes varias líneas de trabajo dentro de esta exposición o todas las obras forman parte del mismo proyecto?

REMED: El proyecto es la vida, todas forman parte del mismo proyecto. Es verdad que trabajé 10 o 15 años sin contorno y me cansé un poco por varias razones (aunque sigo amando esta forma de trabajar). En esta exposición hay una parte que sigue este estilo (obras donde no aparece el contorno) y otra que es un culto a la línea, una vuelta al contorno, donde intento que el propio contorno sea la esencia de la estructura y que no se tomen como elementos innecesarios. Por otra parte he trabajado la escultura, dando volumen a obras de dos dimensiones. La primera de ellas, una estructura muy sencilla de metal, donde simplemente he dado profundidad pero sin distorsionar las formas. En la segunda, ‘Femme assise à la sphère bleue’, el volumen está tratado de forma más compleja, y aparte de dar profundidad, doy movimiento y evolución. De esta última escultura estoy muy orgulloso. Es un paso donde se me abre una puerta inmensa al trabajo con el volumen.

GAB: ¿Consideras la escultura una modalidad principal en tu trabajo o una forma de complementarlo?

REMED: Totalmente esenciales. Creo que cada pieza lo es en su medida. Estas esculturas llevaban muchos años en mi cabeza y por fin han sido materializadas y expuestas. Las considero el logro mayor de esta exposición. A pesar de haber trabajado anteriormente con el volumen, creo que en esta ocasión hay un salto cualitativo en cuanto al estudio del cuerpo humano.

GAB: En esta exposición vemos como la poesía está presente en algunas de las obras y sus títulos ¿qué relevancia tiene la poesía para ti? ¿Influye en tu trabajo alguna otra disciplina artística?

REMED: Para mí la poesía es exactamente igual que la pintura, en realidad todo es igual, todo es poesía, todo es ritmo, todo es búsqueda de armonía en movimiento. En la pintura fijo ese movimiento mediante ritmo y rima en las líneas, con medidas que no están tan establecidas como en la música o la poesía, pero donde la intuición cobra una importancia vital. En la poesía hay palabras que pueden funcionar de forma más descriptiva o más conceptual, al igual que funcionan las líneas y las formas en la pintura. En ocasiones utilizo la esfera para representar el planeta Tierra y en otras ocasiones utilizo la esfera para representar todo el significado inherente en esta figura (tanto conceptual como físico).

En cuanto a las referencias en el arte y el resto de disciplinas: en ningún momento miro nada a la hora de crear, absolutamente nada. No hay referencias,  tal vez recuerdos de referencias, pero en ningún momento hay un referente específico. Mi referente específico podría ser el vacío… o una línea vertical u horizontal.

GAB: ¿Qué importancia tiene el azar (la casualidad) dentro de tu proceso de creación?

REMED: No creo en el azar. Creo que si estás disponible y enfocado, no cabe la posibilidad de error y en el caso de que se dé, es para hacerte entender algo. Para mí esa casualidad está siempre presente y nunca,  ya que tiene un carácter relativo. En el momento en que pinto la primera línea de entre la infinidad de posibles líneas que podría haber escogido, las posibilidades armónicas de las siguientes líneas que vaya a representar se van reduciendo exponencialmente. Decisiones tomadas desde una perspectiva personal pero que están intuitivamente ligadas a la armonía del universo, en un sentido perceptivo y sensitivo a los ritmos naturales, a una belleza universal que creo que todo el mundo siente y conoce, sin exactamente saberlo, pero que puede reconocer y crear si está disponible.

GAB: Finalmente, ¿hacia dónde se dirige el trabajo de REMED en un futuro no muy lejano?

REMED: Hacia el polvo. Es una semilla que ahora podría ser una bella planta floreciendo. Será un árbol, tal vez un baobab, tal vez un arbusto y luego, dentro de muchos años, nadie se acordará, será sólo polvo, será sólo nada. Todo se queda en el mundo de lo abstracto, de lo potencial. Mi arte juega con esto, quizás en terminar siendo invisible, pero por voluntad propia. Mi idea es simplificar mi trabajo, ir simplificando cada vez más. Con el volumen (la escultura) puedo darle una complejidad de nuevo, pero seguro que termino simplificando y posiblemente mi última escultura sea una esfera, no lo sé.

Artista: REMED
Fechas: Del 18 de enero al 2 de abril de 2018
Lugar: Delimbo Gallery Sevilla
Fotografías: Laura Calvarro (co-directora de Delimbo Gallery)

Etiquetas: Delimbo, Delimbo gallery, REMED Last modified: 7 septiembre, 2023