Nos acercamos al trabajo de Isa Fontbona Mola, artista que investiga y nos invita a reflexionar sobre la corporalidad resultante del culturismo en el terreno artístico para generar una crítica a la sociedad. Hablamos sobre su percepción del arte, sus inicios, los conceptos que marcan su trabajo performativo y sus próximos proyectos. No dejen de leer.
«El arte puede ser muchas cosas, pero me gusta tomarlo como diálogo para conocerse y ponerse en un espacio incomodo de reflexión tanto para mi misma, como para quién recibe la pieza.
Isa Fontbona Mola
La manera de entender el arte es diferente según la mirada de cada uno. Isa Fontbona nos explica «Veo en el arte la posibilidad de poder situarse fuera de la rueda absorbente de nuestro día a día para tomar aire, para ponerse cara a cara, cuestionarse, pensarse… pero no como gesto individual, sino como experiencia colectiva. El arte puede ser muchas cosas, pero me gusta tomarlo como diálogo para conocerse y ponerse en un espacio incomodo de reflexión tanto para mi misma, como para quién recibe la pieza. Considero que es esencial para poder hacer trastornar y conmover el ritmo, muchas veces frenético y robotizado, de nuestro día a día. Para mi el arte es esencial para dejarnos “tocar” por la crítica, pero también para pararnos, recuperar el aliento, pensar, ponernos en duda a nosotros/as mismos/as y a nuestros gestos interiorizados/robotizados que reproducimos a modo de Sísifo contemporáneo.
A muchos de nuestros lectores puede haberle resultado llamativa la frase del comienzo del texto en el que se habla de «invitarnos a reflexionar sobre la corporalidad resultante del culturismo en el terreno artístico». ¿Cómo has llegado hasta ahí? ¿Cómo ha sido tu trayectoria?
«Desde siempre he estado vinculada con el arte de un modo u otro. Aunque a nivel universitario opté para tomar una perspectiva más teórica (estudié filosofía e historia del arte) que adentrarme a Bellas Artes, con los años retomé mi implicación más “práctica” tomando mi cuerpo como lienzo gracias a mi investigación doctoral. He estado llevando a cabo mi tesis doctoral a lo largo de 7 años (justo la terminé el pasado mes de julio) donde he fusionado lo que considero tres vertientes de mi identidad: el trabajo corporal mediante el deporte (soy competidora de culturismo (bodybuilding)), la investigación académica fusionando perspectivas (arte contemporáneo, estudios de género, ciencias del deporte, sociología, antropología, filosofía… desde una aproximación feminista) y la práctica artística, en mi caso mayormente a través de la performance.
El hecho de investigar las posibilidades de la corporalidad resultante del culturismo (un marco que permite vivir en propia carne una modificación corporal constante) en el terreno artístico para generar una crítica a nuestra sociedad, y sin ser muy consciente de ello me lanzó poco a poco a poner mi cuerpo en la academia en cierto modo como artilugio para promover a la reflexión.
Teniendo muy presente a Donna Haraway respecto a la perspectiva situada desde donde construir el conocimiento y dar voz a miradas que muchas veces en el transcurso histórico han sido relegadas en los márgenes y en el silencio, consideré que desde mi propio cuerpo había ya un pósito de conocimiento y de información que merecía la pena de explorar y a la cual dar voz. De esta forma, lo que en los inicios partió como mero soporte de la palabra (mi trayectoria nace fruto de las conferencias-performativas llevadas a cabo en congresos académicos a nivel internacional), poco a poco se transformó logrando una entidad propia separándose de ésta y logrando devenir el mismo mensaje, sin necesidad de palabra textual, pero con fuerza independiente para interpelar a la mirada del otro.
Es en este exponer el propio cuerpo, a menudo mediante gestualidades incómodas, que pretendo promover a la autorreflexión. Cada cuerpo y cada individuo parte de experiencias distintas, pero que sin lugar a duda hay en ellas cierta sintonía y familiaridad.
Para profundizar un poco más sobre su trabajo le preguntamos a Isa Fontbona sobre las temáticas o los conceptos presentes en su obra.
BODYBUILDING – CORPORALIDAD – ESFUERZO FÍSICO – AGOTAMIENTO
El hecho de partir de la vertiente corporal y física proveniente de mi implicación con el deporte, y especialmente del modus vivendi proveniente de la práctica profesional del bodybuilding me ha hecho interiorizar unas dinámicas que son muy presentes también en mi trabajo. El culturismo, a grandes rasgos, se sirve de la práctica deportiva (el entrenamiento con pesas a menudo complementada con el trabajo cardiovascular) junto con la nutrición deportiva muy pautada, y en algunos casos (dependiendo de la tipología de productos y de la vía por la que opté el/la atleta) por el uso de suplementación (natural o no) para poder promover la transformación del cuerpo. No es una disciplina para lograr mejorar una marca física, sino de lograr presentar una “escultura corporal” en el escenario más acorde con los parámetros que cada categoría, federación… determina como “ideal”. Teniendo en mente esta idea, y centrando el foco de atención en una de las estrategias para lograr esta transformación, el entrenamiento, a menudo debes de llevar el cuerpo en el lindar del dolor, de lo que tu cuerpo puede soportar para poco a poco superarlo o ensancharlo. Esta dinámica en cierto modo lesiva, es presente porque es lo que se requiere para promover a la transformación muscular. Empujar los límites de lo que uno/a mismo/a puede tolerar para promover la transformación. Este es uno de los puntos importantes a mencionar ya que la capacidad que un/a atleta asume en este constante diálogo con su capacidad para soportar una forma de “dolor” en mi caso, me ha permitido poder explorar y llevar este diálogo como parte esencial de mi obra.
Podríamos decir que sin lugar a dudas el trabajo corporal y en especial a la exploración del agotamiento físico, el esfuerzo… es un constante en mi exploración artística. Lo que en un inicio es (aunque suene extraño) una “zona de confort” de este modus vivendi mencionado, es explorado y prolongado en muchos casos, para poder llegar al punto de no control, de agotamiento para explorar lo que mi propio cuerpo dice cuando pierde el control de lo que soporta, ¿qué expresa cuando ya no soporta lo que está llevando a cabo?
De este modo, descontextualizo elementos propios de la práctica deportiva-corporal del bodybuilding y los llevo al terreno del arte para poder tejer mis piezas, para poder entablar un diálogo con la mirada del “otro”. Intento que, a través del sudor, de mi cuerpo emitiendo sonidos irreprimibles de cansancio la audiencia se identifique con éste y le permita reflexionar sobre si mismo/a. Con la intención de promover esta reflexión y a lo largo de mi trayectoria he ido considerando la necesidad de prolongar la duración de las piezas. Considero que el tiempo es importante para que quién está mirando la pieza entre en lo que está sucediendo, esto hace que cada vez me resulte más interesante que las piezas tomen una duración más larga.
INCOMODIDAD – DOLOR
Otro elemento presente en mi trabajo suele ser la incomodidad, a menudo desde el dolor/sufrimiento. En algunos casos he utilizado objetos encima de mi cuerpo que han generado heridas o marcas algunas de ellas imborrables: piercings, alambre de espino y ganchos que han perforado mi carne mientras al mismo tiempo me servían de mensaje visual y visceral para ejercer resistencia contra la acción que quería llevar a cabo. El cuerpo herido, con sangre y dolor no permite a la mirada del “otro” desvincularse de la acción. Muy a menudo la carne encima de la cual se inflige dolor mueve al espectador a empatizar y a sentir en cierto modo el dolor con la propia carne, a trasmitir una sensación que no siente de forma directa con la propia carne, pero si una forma de “reproducción sensorial” debido a la percepción. La incomodidad mediante el dolor no siempre es promovida con objetos que generan heridas en mi cuerpo, en algunos casos el hecho de explorar algunas piezas reiterando un movimiento físico hasta la extenuación genera también una imprenta dolorosa en mi propio cuerpo perceptible a los ojos de la audiencia, o con el mismo sonido de éste.
VULNERABILIDAD
Otro elemento que está presente en mi obra es la exploración de la vulnerabilidad desde diversas aproximaciones.
Por un lado, a menudo busco que el “otro” se sienta partícipe de la acción a través de la reflexión en torno al trauma, la herida, como forma de la vulnerabilidad. Mostrarse vulnerable, es una forma de despertar en el otro también reflexión y acción. La vulnerabilidad y tomando a la filósofa Judith Butler como referente, tiene un componente político, y mueve a tejer alianzas. En esta línea pues, empleo el concepto de vulnerabilidad con la intención de conseguir un acercamiento e incitar a ser partícipe de la acción en la audiencia. Hablo de vulnerabilidad porque a menudo es a través de ella, o a través de la herida que busco remover y hacer que el otro responda, dejando que la audiencia intervenga en mi cuerpo, algo que nunca sabes hacia dónde puede llevar.
Otra aproximación a la vulnerabilidad presente en mi práctica lo ubico en mover a la reflexión empleando una fusión entre la vulnerabilidad y la incomodidad, donde pretendo mover a la reflexión utilizando algo que a mí personalmente me incomoda de mi propio cuerpo y lo expongo de forma “transparente” ante la mirada del “otro” para incitar una forma de reflejo y autorreflexión. Un diálogo que he investigado especialmente en la pieza Transmogrification. Between Carving and Bulking. Destroying en Evanescente Body searching for Self-Identity (Transformación. Entre la talla y el volumen. Destruyendo un cuerpo evanescente en búsqueda de la propia identidad) que consta de una serie de fotografías que documentan los cambios corporales vividos en propia carne a lo largo de dos años (2019-2021) junto con textos autorreflexivos en relación a estos cambios. Una exploración desde la propia carne, una forma de visibilizar algo muy íntimo, de exponer la propia vulnerabilidad, de arrojar luz a los diálogos que una misma establece con su corporalidad y la construcción de su identidad6. Pero también, una exploración que partiendo de una experiencia personal se transforma en una forma de reflejar al otro/a, a la mirada, a la relevancia del cuerpo ya la relación que tenemos con él, y evidentemente, en el propio juicio al respecto. La importancia del cuerpo y de la imagen en nuestra sociedad es más que evidente, poder romper con esta concepción de cuerpo idílico y perfecto y exponer la cara oscura, los diálogos que en algunos casos se reproducen de “no ser suficiente”, de no ceñirse al peso de lo normativo o estereotípico… no son diálogos agradables y muy a menudo suceden en intimidad y de forma aislada, darles voz es un acto para desestabilizar y re-pensarse.
Hablando de tus piezas artísticas ¿Cuál destacarías?
Una de las piezas que más me ha marcado y con la que tengo especial relación es la pieza Exploration Corporelle #4. Fardeau de déchets. Fragments d’épuisement à sept temps (Fardo de restos. Fragmentos del agotamiento a siete tiempos), una de las piezas que forma parte del proyecto La flexion du corps. Le son de la chair. Dialogues entre les frontières physiques (Retorciendo el cuerpo. El sonido de la carne. Diálogos entre los límites físicos), un proyecto que pude llevar a cabo en residencia entre los meses de agosto y octubre del pasado 2023 gracias al soporte de las becas de Bòlit. Centre d’Art Contemporani de Girona, e Institut Ramon Llull, en el centro La Chambre Blanche del Quebec.
El proyecto en si se centraba en explorar el sonido del cuerpo llevado al agotamiento físico para entablar una reflexión respecto a nuestra naturaleza finita, utilizando material de desecho, restos u objetos que se encuentran fuera del uso por el que han estado creados para desarrollar las piezas. Todas las piezas performáticas eran de larga duración reproduciendo acciones que requerían de esfuerzo físico llevado a cabo de forma repetitiva hasta el absurdo –en cierto modo con resonancias con la mitología griega y algunos de los castigos que algunos dioses imponen, como en el caso de Sísifo empujando una piedra eternamente–. Situándonos en este absurdo de la reiteración física, a modo de mantra, buscaba que la audiencia conectase con la danza del esfuerzo para reflexionar sobre la propia existencia, los propios absurdos interiorizados y llevados a cabo a menudos, sobre la propia caducidad, sobre el propio dolor…
Esta pieza en cuestión tubo una duración de 49 horas distribuidas a lo largo de 7 días: 10 horas el lunes, 9 horas el martes, 8 horas el miércoles, 7 horas el jueves, 6 horas el viernes, 5 horas el sábado y 4 horas el domingo. El elemento utilizado para desarrollar la acción fueron los restos de un edificio demolido (principalmente baldosas) envueltas por una malla de alambre. La acción llevada a cabo consistió en estirar el fardo de restos por una de las salas del centro de arte de La Chambre Blanche llevando a cabo un movimiento circular por largas jornadas diarias. Con el paso de las horas y de los días, las mismas baldosas se iban desintegrando dejando así el rastro de polvo en el suelo de la sala.
El hecho de llevar a cabo un planteamiento de acción dividido en 7 días me permitió explorar a nivel interno este agotamiento y frustración, una sensación que se modificaba mucho al iniciar la pieza y no saber qué sucedería, a diferencia de cuando ya sabes lo que supone reproducir esta acción a lo largo de una jornada, y habiéndolo de repetir día tras día. A parte del pósito mental, también nos referimos, sin duda, a las huellas del desgaste físico, que sin quererlo van tomando fuerza y voz, y que llegan cada día antes, y condicionan cómo la acción ocurre y cómo el cuerpo se mueve, cómo se respira, y qué sonidos se emite.
Para terminar, ¿Puedes adelantarnos algo de tus próximos proyectos?
Actualmente estoy trabajando para encontrar la mejor forma de seguir investigando de forma más inmersiva con el sonido del cuerpo llevado al agotamiento físico. Es un elemento que a pesar de ser presente en mis piezas desde el inicio no empecé a trabajar de forma consciente hasta llegar al proyecto La flexion du corps. Le son de la chair. Dialogues entre les frontières physiques y que me gustaría seguir desarrollando en profundidad y para ver qué posibilidades me permite corporizar. Mi intención es seguir con una segunda parte del proyecto contando con la curadoría de otro centro dedicado al sonido para poder llevar mi trayectoria a otro nivel. Con muchas ganas de situarme en este espacio de nuevo, de investigar, de prolongar, de sudar, de explorar, de vivir, de sentir… ¡Espero poder compartir nuevas piezas a lo largo de este 2024! ¡Muchas gracias!
Muchas gracias, Isa.
Etiquetas: Detector de Artistas, Isa Fontbona Mola Last modified: 11 enero, 2024
