El Museo Guggenheim Bilbao presenta una interesante programación para 2024, en la que encontramos artistas como Yoshitomo Nara, Hilma Af Klint, Martha Jungwirth, Paul Pfeiffer o June Crespo.
Obras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao
Permanente – Tercera planta – Comisariado por Lekha Hileman Waitoller
Esta presentación de la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao muestra una selección de obras que singularizan momentos clave de la historia del arte posterior a la Segunda Guerra Mundial. En un gesto ambicioso por amplificar la resonancia entre arte y arquitectura, esta instalación de algunas de las piezas más sobresalientes de estos fondos también resalta la arquitectura original del edificio. La exposición celebra igualmente los espacios diáfanos y llenos de luz del tercer piso del Museo.
La exposición se inspira tanto en el acervo de obras singulares de artistas como en movimientos de la historia del arte bien ilustrados en la Colección. Así, la muestra pone de relieve a autores que trabajaron a la vanguardia de su tiempo y cuyas contribuciones en su ámbito fueron realmente determinantes. Cada sala ofrece la oportunidad de contemplar la producción de un único artista o de varios que exploran preocupaciones compartidas desde diferentes perspectivas.
Algunas galerías de esta planta presentan instalaciones de ubicación específica o piezas únicas de carácter experiencial, como los espacios dedicados a Sol LeWitt, El Anatsui, y Yayoi Kusama. La obra de esta última, Sala de espejos del infinito – Deseo de felicidad para los seres humanos desde más allá del universo es una escultura contemporánea de gran relevancia en la carrera de la artista japonesa y constituye una de las últimas adquisiciones de la Colección. Otras salas acogen montajes temáticos sobre el desarrollo del arte abstracto que surgió tras la Segunda Guerra Mundial, así como aproximaciones entre el arte abstracto y lo espiritual, o abordan posteriores lenguajes artísticos que se desarrollaron entre 1960 y 1980, como el Pop Art y la presencia de lo popular en la creación contemporánea. Además, se incluye documentación histórica sobre estas corrientes artísticas y los autores que contribuyeron a ellas.
Giovanni Anselmo. Más allá del horizonte
Del 9 de febrero al 19 de mayo, 2024 – Comisariado por Gloria Moure
Giovanni Anselmo (Ivrea, Italia, 1934), integrante del Arte Povera, pertenece por edad y convicción a la generación de los años sesenta. Esa década forma un corpus sólido y homogéneo en lo conceptual, que cuestionó la idea racionalista de progreso y que trató de reconstruir y de revisar las aproximaciones creativas en su totalidad. Conceptos como inestabilidad, aleatoriedad, indeterminación, interdependencia y complejidad pasaron a afectar definitivamente los cimientos de todas las disciplinas. El ser humano deja de ser un observador separado que configura un paisaje y, por el contrario, incide en este al tratar de apreciarlo, medirlo y conocerlo. Esto es particularmente evidente en la aproximación creativa de Anselmo, cuyo trabajo, como el de buena parte de los artistas povera, se acerca a la naturaleza para redescubrir sus potencialidades físicas y energéticas.
Comisariada por Gloria Moure en estrecha colaboración con el propio artista, Giovanni Anselmo. Más allá del horizonte pretende revelar el enfoque creativo de este autor a través de aproximadamente 50 obras, entre las que se cuentan fotografías, proyecciones, dibujos, esculturas, así como obras realizadas in situ. Esta muestra permitirá al público familiarizarse con las categorías y los motivos recurrentes que integran el corpus artístico de Giovanni Anselmo evidenciando al mismo tiempo la extraordinaria importancia de su trabajo tanto para sus coetáneos como en la actualidad. Tomando en cuenta la poderosa relación que existe entre las obras de Anselmo y el espacio en el que se exhiben, la singularidad de la arquitectura del Museo propiciará un fascinante escenario de enriquecedores diálogos.
Signos y objetos: Arte Pop de la Colección Guggenheim
Del 16 de febrero al 15 de septiembre de 2024. Comisariado por Joan Young y Lauren Hinkson
A partir de la Segunda Guerra Mundial y hasta bien entrada la década de los sesenta, EE. UU. vivió un periodo de rápido auge económico, que dio lugar a una creciente cultura del consumismo. Algunos artistas respondieron al mercantilismo que les rodeaba incorporando en su obra imágenes procedentes de la cultura de masas y adoptando en sus creaciones nuevas técnicas que imitaban (o parodiaban) los métodos industriales. Estas obras, pertenecientes al denominado Arte Pop, tienen como fuente las revistas baratas, las vallas publicitarias, los anuncios, las películas, la televisión y las tiras cómicas. Artistas como Roy Lichtenstein y Andy Warhol rechazaron la espontaneidad del gesto característica de la estética de la Escuela de Nueva York y crearon trabajos que reflejaban la impersonal lógica de la impresión comercial y la producción en masa.
La relación del Guggenheim con el Arte Pop comienza en los inicios de este. Concretamente, la exposición de 1963 Six Painters and the Object —comisariada por Lawrence Alloway, quien había contribuido a acuñar el término “pop” a finales de los años cincuenta— supuso a validación institucional en un momento crítico. A partir de las décadas siguientes, el Museo Guggenheim organizó una serie de importantes monográficas dedicadas a sus autores pioneros, como Jim Dine, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, Robert Rauschenberg o James Rosenquist, al tiempo que fue construyendo una colección de ejemplos icónicos de este movimiento.
Además de piezas históricas, la exposición incluirá una selección de obra nueva a cargo de artistas contemporáneos que exploran el legado del pop y emplean sus formas y vocabularios para criticar y politizar cuestiones, como el lenguaje del consumismo. Esta exposición se enmarca entre las muestras con fondos significativos del Solomon R. Guggenheim Museum previstas en la renovación del Acuerdo de Gestión, y que han incluido hasta ahora importantes presentaciones, como las dedicadas a la Escuela de París, la Colección Thannhauser, Vasily Kandinsky o Jean Dubuffet.
June Crespo. Vascular
Del 1 de marzo al 9 de junio de 2024. Comisariado por Manuel Cirauqui
La práctica escultórica de June Crespo (Pamplona, 1982) se sitúa voluntariamente en la encrucijada de múltiples caminos y líneas de investigación contemporáneas. Por un lado, establece un diálogo transformador con los conceptos que han marcado el arte vasco de las últimas décadas, “pares móviles” como la abstracción y el gesto, lo trágico y lo opaco, la ligereza y la extrañeza. Igualmente se hace cargo de cuestiones cuya urgencia estaba ausente de los grandes debates hasta hace poco, particularmente en lo que respecta a la sensibilidad feminista y la conciencia de la devastación que el modo de vida moderno ha llevado a la realidad natural. Acaparando y amalgamando materiales de muy diverso orden, Crespo subraya el fuerte contraste del material vivido con los elementos estructurales que cercan y canalizan nuestra existencia: conductos, chapas, moldes y encofrados a los que se acoplan piezas textiles o incluso papeles, unidos por tensores o simplemente apoyados unos sobre otros, interrogándose mutuamente.
Pese a la complejidad del mundo actual y la multitud de referencias a la que nos exponen las tecnologías de la información, o quizás por ello mismo, la obra de Crespo tiene como punto de anclaje casi permanente el cuerpo: la sensualidad del tacto, el peso y la textura, los procesos metabólicos y los accidentes. Estos elementos encontrarán, en la sala 105 del Museo Guggenheim Bilbao, un contexto de características y dimensiones excepcionales en el que la artista intervendrá por medio de una instalación creada específicamente para tal espacio.
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Martha Jungwirth
Del 7 de junio al 22 de septiembre de 2024. Comisariado por Lekha Hileman Waitoller
A lo largo de seis décadas, la artista austriaca Martha Jungwirth (Viena, 1940) ha creado un lenguaje abstracto propio vinculado al mundo físico. Su aguda observación de la forma humana, de los animales, del paisaje, así como las referencias a la historia del arte y sus numerosos viajes por todo el mundo han informado sus pinturas y acuarelas. Las poderosas obras de Jungwirth poseen un estilo decididamente inconformista y están realizadas sobre soportes inesperados, como cartón, viejos planos de ciudades, libros de contabilidad o papel de envolver. Las formas erráticas y los colores intensos dotan a sus pinturas de cierta sensación de espontaneidad. Su enfoque intuitivo de la creación artística ha sido descrito con frecuencia como un puente entre el Expresionismo Abstracto y el Informalismo.
Esta exposición analiza el trabajo de Jungwirth desde los años setenta hasta el momento presente, e incluye una considerable selección de acuarelas y pinturas al óleo sobre papel, lienzo y cartulina; la muestra presentará, además, cuatro libros de artista. Jungwirth pinta los libros una vez termina una pintura y aún tiene una idea que desea plasmar. La muestra concluirá con piezas nuevas que esta autora está creando en la actualidad, abarcando así cincuenta años de extraordinaria producción. Por primera vez desde 1966, cuando recibió el Premio Joan Miró, la obra de Jungwirth podrá verse en España.
Martha Jungwirth está considerada como la representante austriaca más importante de una generación situada entre el Accionismo vienés y Franz West. Su constante dedicación a la exploración de la materialidad de la pintura, la libertad en la expresión, la percepción y el gesto ha dado lugar a aportaciones fundamentales para la historia de la abstracción y de la pintura contemporánea en general.
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Yoshitomo Nara
Del 28 de junio al 3 de noviembre, 2024. Comisariado por Lucia Agirre
Sedes: Guggenheim Bilbao Museoa; Museum Frieder Burda, Baden-Baden; Hayward Gallery-Southbank Centre, Londres
Yoshitomo Nara (Hirosaki, Prefectura de Aomori, 1959) es uno de los artistas japoneses más conocidos de su generación; sus característicos retratos de figuras infantiles, adorables, enigmáticas y/o amenazadoras se han convertido en iconos venerados, llegando incluso a ser distintivos de algunas manifestaciones sociales, prueba del activismo y de las preocupaciones que caracterizan la práctica de este autor desde sus inicios.
Yoshitomo Nara crea un arte de factura tradicional, arraigado tanto en su infancia e historia personal, como en la música punk, el folk y el rock underground, así como la literatura, la naturaleza y la historia del arte de Europa y Japón. Esta exposición recorre su trayectoria completa, comenzando con sus primeras obras creadas en Japón en la década de 1980, en las que aparecen elementos recurrentes de su historia privada, como la casa y sus primeras figuras infantiles, bajo la influencia de otros artistas, como Takeshi Motai.
La muestra prosigue con su fecunda estancia en Alemania, donde Nara reaccionó al aislamiento impuesto por la barrera del idioma, mientras estudiaba y descubría el Expresionismo alemán con A. R. Penck en la Kunstakademie Düsseldorf, e introdujo en su producción los personajes centrales que pronto serían reconocidos como parte de su lenguaje característico. El trabajo que produjo a su regreso a Japón en 2000, y una importante selección de pinturas, dibujos, instalaciones y esculturas creadas desde entonces, se exhibirán en el contexto de toda su carrera.
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Hilma af Klint
Del 18 de octubre de 2024 al 2 de febrero de 2025. Comisariado por Tracey R. Bashkoff y Lucia Agirre
Cuando la artista sueca Hilma af Klint (1862–1944) comenzó a crear pinturas radicalmente abstractas en 1906, no se parecían a nada que se hubiera visto antes: audaces, coloridas y sin ataduras de referencias reconocibles al mundo físico. Pasaron varios años antes de que otros dieran pasos similares a ella para liberar su propia obra de arte de contenido representativo. Af Klint rara vez exhibió sus pinturas en público y, convencida de que el mundo no estaba listo, llegó a establecer que no se mostraran hasta veinte años después de su muerte.
Sin embargo, su trabajo fue casi invisible hasta 1986, y ha sido en las últimas décadas cuando sus pinturas y obras en papel han recibido la merecida atención. Hilma af Klint ofrecerá en el Museo Guggenheim Bilbao la oportunidad de experimentar en profundidad los logros artísticos de esta gran creadora, centrándose en los años de mayor avance de la artista (1906–20), en los que empezó a producir pinturas no objetivas e increíblemente imaginativas, creando un corpus singular que invita a una reevaluación de la modernidad y su desarrollo.
Paul Pfeiffer. Prólogo de la historia del nacimiento de la libertad
Del 29 de noviembre de 2024 al 16 de marzo de 2025. Comisariado por Clara Kim
Sedes: MOCA, Los Angeles; Guggenheim Bilbao Museoa
Mediante un recorrido a través de veinticinco años de su polifacética trayectoria, Paul Pfeiffer. Prólogo a la historia del nacimiento de la libertad rendirá homenaje al innovador artista Paul Pfeiffer (1966, Honolulu, Hawái; vive en Nueva York), reconocido por su mordacidad y su cuestionamiento de nociones relacionadas con el espectáculo, la pertenencia y la diferencia. Basándose en los grandes eventos deportivos televisados y en el entretenimiento de masas, la obra de Pfeiffer deconstruye nuestra fascinación y obsesión por la cultura de la fama y desvela, a través de una impecable edición de metraje encontrado, cómo se moldea y manipula la conciencia colectiva. Al seguir el itinerario global de la circulación de imágenes, Pfeiffer muestra cómo el deseo, el heroísmo y la devoción forman parte de los mecanismos del arte, la religión, la política y la identidad nacional.
La exposición —que abarca desde sus primeros vídeos fundamentales hasta sus rompedoras obras más recientes, que eliminan las barreras entre los géneros de la fotografía, la instalación y la escultura— sitúa a Pfeiffer como uno de los artistas más influyentes de la actualidad. A sus emblemáticas obras en monitores LCD y proyectores en miniatura, como Fragmentos de la Crucifixión (según Francis Bacon) [Fragments of the Crucifixion (After Francis Bacon),1999], Juan 3,16 (John 3:16, 2000) o la trilogía La larga cuenta (The Long Count, 2000-01), se unen proyecciones de gran escala e instalaciones audiovisuales inmersivas como Los santos (The Saints, 2007), recreación audiovisual de la final de la Copa del Mundo de 1966 entre Inglaterra y Alemania, y Rojo verde azul (Red Green Blue, 2022), su última obra en vídeo. Esta muestra presenta asimismo por primera vez varias nuevas esculturas encargadas para la serie en curso Encarnador (Incarnator), realizada con la colaboración de “encarnadores”, escultores que trabajan en Filipinas, España y México. En este contexto, Pfeiffer retrata al cantante Justin Bieber con la apariencia de Jesucristo, transformándolo en un icono religioso. La producción de estas esculturas vincula las redes mundiales actuales con las rutas comerciales coloniales del siglo XVI.
Esta es la primera retrospectiva de Pfeiffer en EE.UU. y su presentación en el Museo Guggenheim Bilbao constituirá la mayor exposición del artista en Europa.
Metahaven: Teoría del caos
Del 22 de febrero al 9 de junio de 2024. Comisariado por Manuel Cirauqui
Bajo el nombre Metahaven opera el afamado dúo de artistas neerlandeses Vinca Kruk y Daniel van der Velden, fundadores en 2007 de este colectivo cuyos trabajos traspasan fluidamente las fronteras del arte y el diseño. Abarcando medios como el filme, la escenografía y los objetos gráficos, las herramientas digitales y el discurso teórico, Metahaven es considerado hoy un generador influyente de formas, en las que cristaliza la condición del llamado post-humanismo. Su práctica transdiciplinar ha recibido reconocimientos internacionales y ha sido expuesta individualmente en instituciones como MoMA PS1, Stedelijk Museum, ICA London, o Walker Art Center en Mineápolis. Entre sus más recientes producciones cinematográficas, Teoría del caos (Chaos Theory, 2021) es un conmovedor poema audiovisual centrado en el diálogo y evoluciones de dos jóvenes hermanas: X (Valentina Di Mondo) e Y/Z (Georgina David/Lucie de Bréchard). A medida que sus edades las llevan a confrontarse al mundo contemporáneo y sus fenómenos incomprensibles, las protagonistas exponen los afectos que definen nuestras maneras de vivir y convivir.
Evitando el lenguaje narrativo convencional, orientado a reforzar nuestras certezas, Teoría del caos usa la ternura y la calidez para llevarnos a cuestionar el suelo que pisamos.
El resultado de este cuestionamiento no es la confusión ni el conflicto, sino más bien una acrecentada empatía: ”¿Qué es presente / qué es físico / como la alegría misma?”. Una de las protagonistas del filme, parafraseando a la escritora Clarice Lispector, evoca un viaje a través de las cosas que puede servir para definir esta obra. Mediante su estructura, composición cromática y montaje sonoro, la pieza de Metahaven nos involucra en una ecología de las imágenes y de la percepción, ayudada por la magistral partitura del compositor lituano Gediminas Zygus.
Anthony McCall: Split Second
Del 20 de junio al 10 de noviembre de 2024. Comisariado por Manuel Cirauqui
Coincidiendo con el décimo aniversario de la programación expositiva dedicada a las prácticas artísticas de la imagen en movimiento, la galería Film & Video albergará la obra, a la vez fílmica y radicalmente abstracta, de Anthony McCall (Orpington, Reino Unido, 1946). De manera característica y siempre enigmática, la práctica de este artista británico afincado en Nueva York aúna la proyección cinematográfica con el fenómeno escultórico; pero igualmente puede ser observada desde el punto de vista del dibujo en el espacio o del arte lumínico. Desde la década de los setenta hasta hoy, McCall ha construido su trabajo en torno al concepto de “luz sólida”, una noción con la que se refiere al efecto de volumen que la proyección controlada de planos luminosos genera en un espacio expositivo.
Así, el artista produce formas que se mueven hipnótica e intangiblemente en la penumbra de la sala. En claro diálogo con las obras de Richard Serra y Lucio Fontana en la Colección, esta exposición reúne un conjunto de piezas en una configuración absolutamente inédita y pensada específicamente para el espacio del Museo. Junto a ellas se incluirán elementos inéditos de su archivo, que ayudarán a contextualizar la investigación de McCall en las últimas décadas.
Etiquetas: Guggenheim Bilbao Last modified: 9 julio, 2024
