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PAC lanza su tienda de objetos de arte: pac-shop.com

Written by: Redacción • 24 noviembre, 2022

Cada vez que lanzamos un nuevo proyecto específico, el más reciente Wanderlust para Estampa 2022, se repite en nuestro correo la petición de que las piezas que presentamos se puedan conseguir de alguna manera alternativa ante la imposibilidad de asistir al espacio donde exponemos el proyecto. Hemos tomado nota, hemos rescatado piezas de nuestros primeros proyectos y guardado algunas de los más recientes y las tenéis todas disponibles en nuestra nueva tienda de objetos de arte pac-shop.com – Tienda de objetos de arte by PAC.

¿Qué es lo que vais a encontrar en pac-shop.com?

Diferentes piezas arty fruto de los proyectos realizados por PAC Plataforma de Arte Contemporáneo a lo largo de los años. Piezas como el Adoquín que Kaufman realizó para nuestro stand de ARCO en 2016, la baraja de cartas ‘Pokerface‘ que presentamos en diferentes ferias en 2019, las últimas unidades de la camiseta ‘No Por Amor Al Arte’ y por supuesto algunas láminas de nuestros proyectos más recientes Take a Page y Wanderlust.

Muchas de las piezas nombradas forman parte del proyecto No por amor al arte que, bajo la línea artística de PAC, ofrece la posibilidad de apoyar a los artistas, comisarios y gestores culturales; ya que la aportación de cada compra de estos objetos de arte es canalizada para realizar nuevos proyectos artísticos y expositivos.

Datos a tener en cuenta…

En esta primera fase de la tienda solo se realizarán envíos nacionales (España), todos los artículos de la web tienen los gastos de envío incluidos y, además, durante los días 24, 25, 26 y 27 de noviembre podrás disfrutar de un descuento de apertura del espacio de 20% en todos los artículos.

No dejes de entrar a pac-shop.com – Tienda de objetos de arte by PAC.

Fotografía documental de la segunda mitad del siglo XIX

Written by: Redacción • 24 noviembre, 2022

El Museo Reina Sofía acoge la exposición Genealogías documentales. Fotografía 1848-1917 que explora los antecedentes históricos de la fotografía documental entre las revoluciones comprendidas entre 1848 y 1917. Aunque el nacimiento del documental como género artístico propiamente dicho sea un producto de la década de 1920, el comisario de la muestra, Jorge Ribalta, indica que “retrospectivamente, se puede afirmar que la función documental es tan antigua como la fotografía misma”.

De hecho, a lo largo del siglo XIX la fotografía, fue utilizada extensamente por la burguesía -y de ello se ha ocupado acusadamente la historia de la fotografía- pero también es cierto que propició un vasto campo de imágenes fotográficas con una vocación temprana de reportaje o documentación.

La investigación desarrollada en esta exposición cierra un ciclo iniciado en el Museo Reina Sofía en 2010, con la muestra sobre el movimiento de la fotografía obrera del periodo de entreguerras Una luz dura, sin compasión. El movimiento de la fotografía obrera, 1926-1939 y continuado en 2015 con Aún no. Sobre la reinvención del documental y la crítica de la modernidad, que abordó la reinvención del documental en los años setenta. Posteriormente, en 2018, la retrospectiva Marc Pataut. Primeras tentativas, sobre su trabajo realizado en la región parisina en la década de 1990 durante el surgimiento del movimiento altermundialista, fue un breve epílogo a este ciclo que, en su conjunto, ha buscado ofrecer un relato alternativo de la configuración y evolución del discurso documental en la historia de la fotografía, a partir del estudio de casos en momentos decisivos del siglo XX.

La muestra reúne más de 500 obras -entre fotos de todo tipo, álbumes, publicaciones y daguerrotipos- con temáticas relacionadas, entre otros aspectos, con las clases proletarias, las reformas urbanísticas de la época, las revueltas populares o los proyectos de denuncia social surgidos en el periodo que abarca la exposición. Muchas de ellas proceden de importantes museos e instituciones internacionales.

En las diferentes secciones del recorrido se exhiben imágenes de individuos en actitudes corrientes, sin la aspiración conmemorativa de la alta retratística burguesa. Son representaciones de tipos populares, de clases proletarias urbanas o de trabajadores en sus puestos: los personajes andaluces de Robert P. Napper, los callejeros del París de Charles Nègre, la serie de pescadores de Newhaven de Adamson y Hill, o las fotografías de mineros de George Bretz y de la multitud de obreros del Canal de Isabel II, en vistas tomadas por Charles Clifford.

Las ciudades y las grandes reformas urbanísticas del momento fueron captadas también por la fotografía naciente. La exposición incluye, por ejemplo, las tomas que, de Viena, hizo Ferdinand Ritter von Staudenheim; el París de Charles Marville; las obras de la Via Laietana de Barcelona, etc.

Otra de las grandes cuestiones que la cámara fotográfica se ocupó de registrar fueron los eventos de reforma y revuelta. Fue así en 1848, momento revolucionario del que subsisten algunos daguerrotipos; y más adelante durante la Comuna de París de 1871, en la Semana Trágica de 1909 en Barcelona o en las revoluciones rusas de 1905 y 1917.

Genealogías documentales atiende igualmente a los usos más directamente instrumentales de la fotografía: por una parte, el proyecto de denuncia social de Lewis Hine en contra del trabajo infantil, en la década de 1910; por otro, las fotografías empleadas con pretensión de descripción supuestamente objetiva en las disciplinas de la antropología y la criminología, así como en el diagnóstico médico. Se presentan, entre otros, los trabajos criminológicos de Alphonse Bertillon, la fotografía asociada a las teorías clínicas del doctor J.M. Charcot, y obras etnográficas como las de Bronisław Malinowski.

Fechas: Hasta el 27 de febrero de 2023
Lugar: Museo Reina Sofía, Madrid

Materia que vibra en la galería Lucía Mendoza

Written by: Victoria Arribas Roldán • 24 noviembre, 2022

Materia vibrante es la nueva propuesta expositiva de la galería Lucía Mendoza y cuenta con los artistas Álvaro Oyarzún y Christian Vinck. Comisariada por Gabriel Pérez-Barreiro, la muestra reúne una serie de óleos y un dibujo site specific realizado por Oyarzún y Marlene Azócar para la ocasión.

La exposición toma su título del libro Materia Vibrante (2010) en el que Jane Bennett propone una nueva ecología política de la materia y su relación con lo humano que cuestiona la doctrina antropocentrista de la Ilustración, cuando la filosofía creó una jerarquía entre mente y materia, y entre la materia viva y la inerte. En este sentido, las obras de Oyarzún y Vinck tienen el propósito de repensar el paisaje desde la contemporaneidad, planteando nuevas relaciones que sitúen a la naturaleza en el centro del universo.

Ambos artistas registran visualmente las cosas que nos rodean y nos afectan, presentando un mundo de materias vibrantes, de una relación de encanto y desenfado con el mundo que nos rodea. Para ellos, piedras, ríos, montañas, esculturas, bicicletas, basura: todos merecen el mismo tratamiento y suscitan la misma fascinación visual.

En cuanto a la obra de Álvaro Oyarzún explora los alcances de la pintura y del dibujo como oficios en la cultura contemporánea, dando un giro crítico en cuanto al ejercicio del artista y el rol del arte dentro de sus posibilidades como medio expresivo y de la producción contemporánea. Una de sus principales obras forma parte de la colección MUSAC en León. Ha participado en importantes exposiciones colectivas y bienales.

Por su parte, Christian Vinck se caracteriza por ser un coleccionista de imágenes y creador de obras que representan y reinterpretan documentos y temas inspirados en una infinita variedad de estímulos visuales.

Artistas: Álvaro Oyarzún y Christian Vinck

Fechas: del 26 de noviembre al 21 de enero de 2023

Lugar: galería Lucía Mendoza, Madrid

Lugares habitados: el poso del tiempo

Written by: Redacción • 24 noviembre, 2022

Espacio Lobo presenta la exposición fotográfica del artista Lorenzo López Lumeras. “Lugares habitados: el poso del tiempo” reúne un grupo de obras que, con la poética particular de este artista, se convierten en un discurso romántico sobre el tiempo, la relación entre pasado y presente y la evocación de una belleza decadente.

Una muestra que ahonda sobre el concepto del abandono, el olvido y el rescate de los rincones de la memoria. A través de una selección de piezas Lorenzo Lumeras nos transportan hacia una noción atemporal o extensible del tiempo, ya que más allá de capturar un instante y describirlo a través de su peculiar mirada, lo posterga, lo asume de manera cíclica, repetitiva y constantemente eterno. A través de teatros, hospitales, balnearios, cementerios, casi bodegones de lo cotidiano en su momento, devuelve a estos “no lugares”, desmemoriados por el olvido, su condición de lugar, su capacidad para ser recorridos y su dignidad para ser apreciados. A su vez los inmortaliza, y gracias a su lente podemos sentir cómo no existe la muerte con el abandono, sino el renacer de diferente manera, la transformación.

Artista: Lorenzo López Lumeras
Fechas: Desde el 24 de noviembre 2022
Lugar: Galería Espacio Lobo, Madrid

CENTRO, FILTRO Y DESENFOQUE

Written by: Redacción • 23 noviembre, 2022

La Galería de Arte A Ciegas inaugura la exposición “CENTRO, FILTRO Y DESENFOQUE. El mundo como entretenimiento” del artista Pablo Pérez Palacio. Un proyecto que pretende mostrar el modo en el que la relación del Homo Indifferens con el mundo, entendida solo como entretenimiento, se torna en CENTRO, FILTRO Y DESENFOQUE en la configuración del paisaje actual.

“En el mundo del entretenimiento por entretenimiento a la carta, personalizado, uno que alude directamente al YO y sus pulsiones; se establece una relación, no de interdependencia con el mundo como posibilidad sino, solo como con una especie de hipnótico que pretende simular una imagen de orden propio y asentar la paradoja del SER-social sin individuos ni sociedad. ¿Qué paisaje transformado deviene de estas nuevas configuraciones?

Es, ante esta pregunta que Pablo Pérez Palacio se interesa por reflexionar a través de su propio orden y visión sobre los aspectos que intervendrían en este paisaje actual del Homo Indifferens. Si nos encontramos ante un ser que no es capaz de ir más allá de él mismo, ¿Qué podría ser el centro que establezca una fuerza de conjunto? ¿Cómo podríamos hablar de que existe una realidad convivencial sin la existencia del otro? ¿Cuál es la naturaleza resultante de un paisaje fruto de las proyecciones de un ser disociado de sí mismo?. La propuesta formal pretende mostrar el modo en el que la relación del Homo Indifferens con el mundo solo como entretenimiento derivan en la construcción de un paisaje impracticable, en la Caída como condición”.

Artista: Pablo Pérez Palacio
Fechas: Del 24 de noviembre 2022 al 27 de enero 2023
Lugar: Galería de Arte A Ciegas, Madrid

5 nuevas exposiciones en la XI Bienal de Lanzarote

Written by: Redacción • 23 noviembre, 2022

La IX Bienal de Lanzarote -titulada ‘Como la liebre en el páramo’- sigue su andadura con la apertura de cinco nuevas exposiciones en las que se abordarán temáticas como inmigración, mujer y fronteras y con Latinoamérica como telón de fondo.

Tania Candiani: Los ojos bajo la sombra

MIAC – Museo Internacional de Arte Contemporáneo del Castillo de San José. Hasta el 31 de enero de 2023.

Los ojos bajo la sombra es la primera exposición individual en España de la artista mexicana Tania Candiani. Un proyecto que nació con el proyecto Camouflage (2020) en el que Candiani recreó las fotografías de Dorothea Lang de 1942 donde mujeres americanas de origen japonés encarceladas en campos de concentración tejían enormes redes de camuflaje, visibilizando así el trabajo forzado. Para la Bienal de Lanzarote, la artista ha invitado a mujeres del archipiélago canario a emular el trabajo de aquellas prisioneras, pero esta vez con tiras teñidas con grana cochinilla, evidenciando cómo las migraciones derivadas del comercio entretejen una red capaz de cambiar a las sociedades, incluso al paisaje de un territorio.

El título de la exposición procede de un texto de 1912 de Ángel Guerra donde describe la labor de las recolectoras de cochinilla en Lanzarote: “Pusiéronse de nuevo a la faena. Las seis mujeronas, dos viejas y las otras cuatro jóvenes, la mano bien forrada en trapajos, que simulaban guantes, la cara cubierta a estilo moruno, sin dejar ver más que los ojos bajo la sombra de la enorme sombrera de palma, cogieron la cuchara, especie de apagaluces, y comenzaron, enzarzadas entre los nopales de recio tronco y resistentes pencas, altos y compactos, a recoger la cochinilla. […] Era labor penosa, que exigía muchos cuidados. Un puñado de aquello era una riqueza. […] ¡Las que tendría el amo guardada! Con los tunerales de los cercados y la barrilla del lejío quemada, había hecho mucho dinero.”

Carlos Martiel: Mediterráneo

Sala Souvenir del MIAC. Hasta el 31 de enero de 2023

Mediterráneo es un solo project del artista cubano Carlos Martiel. Un vídeo de la performance en la que él mismo se sumerge en un cubo de agua del mar Mediterráneo que va llenándose paulatinamente. En este proyecto, el artista alude a las políticas de inmigración y documentación y al símbolo de la libertad y a una humanidad que a menudo se niega a inmigrantes y refugiados. En palabras de Eduardo Carrera, “Carlos encarna la experiencia de la migración, porque el individuo que está migrando por instinto de supervivencia, cree que la vida que lleva no vale mucho, no le teme a la muerte, no le teme a ahogarse. Martiel nos recuerda en este proyecto que vivimos en una sociedad antinegra y lo que cuesta mantener la respiración en el cuerpo Negro. El resistir por una vida soportable para que los sujetos racializados tengan espacios para respirar… Con la respiración viene la imaginación. Con la respiración surgen las posibilidades”.

Marcos Montiel-Soto: Tratado de maracas negras y Paralelismo tropical de la ausencia

Sala Pancho Lasso del MIAC. Hasta el 31 de enero de 2023.

Marco Montiel-Soto explora en su obra las intersecciones entre territorios políticos y poéticos, tradiciones, arqueología, mitos, muerte, cosmos y caos. Las dos piezas que presenta el artista son Tratado de maracas negras (2022), un vídeo con dos maracas protagonistas que danzan en las islas Canarias, en un paisaje surrealista y volcánico en los alrededores de Teseguite, Lanzarote. Teseguite significa poblado o aldea, un pequeño y tranquilo pueblo que fue fundado por esclavos a los que se les prohibió instalarse en la antigua capital de la isla, Teguise. La segunda pieza es Paralelismo tropical de la ausencia (2022), una instalación en la que la colonización del nuevo mundo y el comercio tricontinental de esclavos se entrecruzan en este puente transatlántico con máscaras y maracas negras, flujos migratorios y surrealismo social, simbología y cultura mestiza, sarcófagos y piratas.

Marius Ionut Scarlat: Tres días, ocho días, cuarenta días

La Casa Amarilla. Del 4 al 15 de enero de 2023.

Marius Ionut Scarlat, en colaboración con Veintinueve Trece y en el marco del Encuentro de Fotografía y Artes Visuales de Lanzarote, presenta su exposición individual Tres días, ocho días, cuarenta días. Una exposición que presenta el hogar como eje vertebrador a través del seguimiento de rituales funerarios. El hogar entendido como un espacio físico, pero también psicológico y emocional y que actúa como reflejo del contexto social y económico. Partiendo de sus propias vivencias, se adentra en los ritos mortuorios ortodoxos de la cultura rumana, de la que procede y plantea una reflexión sobre cómo manejamos las emociones en torno a la muerte, tanto en público como en privado.

Ximena Labra: Tlatelolco Public Space Odyssey

CIC El Almacén. Hasta el 1 de marzo de 2023.

La artista mexicana Ximena Labra presenta Tlatelolco Public Space Odyssey, gracias a un convenio en colaboración con el MUAC (Museo Universitario de Arte Contemporáneo de México). Inspirándose, en parte, en el principio de la visionaria película 2001: ‘Una odisea del espacio’ (1968) de Stanley Kubrick que representa el descubrimiento de una escultura misteriosa y minimalista en el espacio exterior, la artista diseña una estrategia para infundirle poderes alucinantes al monumento a las víctimas de Tlatelolco.

¿Cuánto hace que no vas al cine?

Written by: Victoria Arribas Roldán • 23 noviembre, 2022

¿Cuánto hace que no vas al cine? Seguro que has ido al cine recientemente, pero… ¿lo has hecho en un museo? ¿Has visto alguna película que rescate del olvido a alguna artista? Te dejamos a continuación una variada selección de cine para ver próximamente.

Ciclo de Cine Taiwanés, en La Casa Encendida

La Casa Encendida acoge del 13 al 16 de diciembre Tiempos de amor, juventud y libertad, un ciclo compuesto por la proyección de cuatro celebradas películas que, a pesar de ello, siguen siendo desconocidas para el público español: Dangerous Youth(Hsin Chi, 1959); la radiografía del Taiwán contemporáneo God Man Dog(Chen Singing, 2007); Murmur of the Hearts(Sylvia Chang, 2015), que supone una de las cimas de la gran directora Sylvia Chang; y el brillante melodrama estrenado en la Berlinale One Day(Hou Chi-Jan, 2010).

Este programa ha sido diseñado por Javier H. Estrada, crítico, profesor y programador de cine, ahonda en la cinematografía de Taiwán teniendo como eje temático común de todas ellas la dimensión emocional del cine, donde se ven reflejados aspectos como la eclosión del sentimiento amoroso, el deseo irrefrenable o el retorno a las raíces en historias de gran calado sentimental con relatos poblados de personajes envueltos en profundas transformaciones.

El ciclo de cine se complementa con un curso, que, apoyado por Nuria Cubas, profesora, programadora y cineasta, y por Gabriel Doménech, profesor y miembro del Grupo de Investigación TECMERIN, mapea la historia del cine de Taiwán.

Ciclo de cine en torno a la exposición Picasso/Chanel, en el Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid)

Como complemento de la exposición Picasso/Chanel, el Museo Thyssen organiza un ciclo de cine en el que se presentan títulos de distintas épocas y países, donde las figuras de Picasso y de Chanel juegan un rol central, ya sea por su participación directa o por ser filmes que recuperan su importancia en la historia del arte y de la moda.

Se incluyen películas para las que Coco Chanel diseñó el vestuario, como Esta noche o nunca (1931), de Mervyn LeRoy (proporcionada por Mary Pickford Foundation), o La regla del juego (1939), de Jean Renoir.

Por otro lado, películas como Coco Chanel & Igor Stravinsky (2009), de Jan Kounen, o la más reciente Correspondances Jean Cocteau-Pablo Picasso (2020), de Dorothée Lachaud, proponen desde distintos géneros una revisión de los dos artistas.

El ciclo comprende, además, dos cortometrajes realizados por Karl Lagerfeld sobre Coco Chanel y una proyección especial de Picasso and Dance: Le Train bleu / Le Tricorne, que incluye la recreación del ballet al que está dedicado el último capítulo de la exposición, El tren azul, estrenado en 1924 con libreto de Jean Cocteau, vestuario de Chanel y telón pintado por Picasso.

La Visita y un Jardín secreto. Una película sobre qué significa ser mujer y una artista.

Poco se sabe de la misteriosa figura de Isabel Santaló, una artista hoy olvidada. Pero de tanto en cuanto algunas visitas aparecen en su casa. A través de ellas, y de la voz del pintor Antonio López, se perfila una película poliédrica. Un retrato cinematográfico de Isabel Santaló que, una vez bien avanzado el metraje, sorpresivamente se transforma. Una película sobre la memoria y el olvido, sobre el Arte y el proceso creativo, sobre qué significa ser mujer y una artista.

La Visita y un Jardín secreto muestra el regreso de su directora, Irene M. Borrego, a su ciudad natal, así como su encuentro con Isabel Santaló, una artista que permanece hoy en el olvido, y a la que sólo Antonio López recuerda.

La ópera prima de Irene M. Borrego, La Visita y un Jardín secreto, llegará a los cines el próximo 25 de noviembre de la mano de Begin Again, tras recorrer un extraordinario circuito de festivales jalonado de premios.

Antes de llegar a los cines, competirá en la Sección Nacional de l’Alternativa y tendrá su preestreno el día 24 de noviembre en el Museo Reina Sofía, clausurando la muestra Nosotras Contamos, de Mujeres de Cine. Además habrá un pase especial, también en el Reina Sofía, el sábado 26 de noviembre, que contará con la presencia de Antonio López.

Xavier Franquesa y Salvador Saura. Espacializaciones artísticas a principios de 1970

Written by: Redacción • 22 noviembre, 2022

La exposición Xavier Franquesa y Salvador Saura. Espacializaciones artísticas a principios de 1970 recupera la interesante producción artística que Franquesa y Saura hicieron en la década de los setenta. Su innovador tratamiento del espacio los convierte en unas de las figuras más destacadas del minimalismo en Cataluña.

En la década de 1960, durante su formación universitaria, entraron en contacto con las nuevas teorías artísticas. Era un momento en el que la abstracción geométrica, el minimalismo y el arte concreto empezaban a estar presentes en la música, la poesía y el cine más rupturistas. Seducidos por estas nuevas ideas, empezaron a utilizar frecuentemente el dibujo como materia artística y como un instrumento de conceptualización. Su concepción evolucionó de las artes plásticas a las visuales. Se interesaron por la abstracción, pero se alejaron de los aspectos gestuales y matéricos que habían estado presentes en el informalismo. En sus primeros años, el silencio y el vacío están muy presentes en sus experimentaciones espaciales. Formaron parte del grupo Major de Gràcia, compuesto por jóvenes artistas, escultores y poetas que iniciaron nuevos acercamientos a la producción artística. Sus propuestas fueron expuestas en la Sala Gaspar de Barcelona y en los Encuentros de Pamplona en 1972.

_{SAURA, Sin título, 1971-73 (carpeta serigrafias)}

Xavier Franquesa (Barcelona, 1947)

Artista y escritor, ha combinado la práctica artística con la teoría y la docencia como catedrático de Dibujo en la Facultat de Belles Arts de la Universitat de Barcelona. Formó parte del Grupo Major de Gràcia y del Grup de Treball, dos importantes colectivos de jóvenes artistas de la década de 1970. Sus obras han sido objeto de numerosas exposiciones y forman parte de las colecciones de museos e instituciones como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y la Fundació la Caixa de Barcelona, entre otras.

Sus experimentaciones espaciales le llevaron a publicar Cinc convergències (Barcelona, 1972), libro de artista-manifiesto en el que parte de la utilización mínima de elementos, realizando una obra de una gran sencillez formal, aunque siguiendo la definición que hizo Robert Morris, “la sencillez de la forma no implica la simplicidad de su experiencia”.

El concepto fue ganando cada vez más presencia en sus planteamientos, las letras, los números, las medidas empezaron a tener visibilidad en sus representaciones, en las que jugó con la angulación, la deformación, o la ruptura de la perspectiva perpendicular, para acercar al observador otros puntos de vista, proporcionado nuevas lecturas, como en la obra de gran formato -20 x 10 metros- que proyectó en el suelo de los Encuentros de Pamplona (1972) o en el libro Amidament (Barcelona, 1973).

Salvador Saura (Molins de Rei, Barcelona, 1950).

Artista y diseñador, sus investigaciones en la década de 1970 se centraron en la espacialización, jugando con la ordenación de formas geométricas y donde el vacío adquiere una gran importancia, lo que le llevó a la realización de propuestas muy radicales, como en el libro de artista Estudi para un dibuix de 1972, compuesto por una secuencia de páginas en blanco que finaliza con una línea vertical en la última. En esa época, combinó el uso de la pintura, el dibujo y la escultura con la fotografía y el cine para realizar sus creaciones. En 1972 también publicó el libro de artista Triedre-Angle Recte en el que presentó un conjunto de estudios tridimensionales. Saura formó parte del grupo Major de Gràcia con Xavier Franquesa, Carles Camps, Santi Pau, Jordi Pablo, Francesc Torres y Carles Ameller. Sus propuestas fueron expuestas en la Sala Gaspar de Barcelona y en los Encuentros de Pamplona en 1972. El interés de las creaciones espaciales de Salvador Saura traspasó lo local y fueron incluidas en An annual of new art an artist, de 1974, junto Christian Boltanski, Jan Dibbets, Hamish Fulton, Richard Long, Urs Luthi, Robert Fillou, Juan Hernández Pijoan y Sergi Aguilar. Sus obras pertenecientes a este periodo forman parte del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de Madrid, y del Museu Nacional d’ Art de Catalunya, de Barcelona.

Comisariado: Juan Naranjo
Fechas: Hasta el 10 de diciembre de 2022
Lugar: Galería José de la Mano, Madrid

Teresa Burga, la pionera del arte conceptual peruano, en MUSAC

Written by: Victoria Arribas Roldán • 22 noviembre, 2022

El MUSAC presenta la primera exposición individual en España de la artista peruana Teresa Burga. Bajo el título La equilibrista y comisarida por Helena López Camacho (MUSAC) y Janneke de Vries (Weserburg Museum), la muestra reúne más de cien obras realizadas en los años 60 y hasta los últimos días de su carrera.

Teresa Burga (Iquitos, Perú, 1935-Lima, Perú, 2021), arraigada a su contexto y cultura, y a través de dibujo, esculturas de naturaleza pop, instalaciones, pinturas murales, partituras visuales o diagramas y esquemas para la realización de instalaciones y performance, desarrolla una obra que integra modernidad y tradición.

Gracias a los postulados heredados del arte conceptual, en su trabajo subyace un fuerte compromiso social y crítico de la herencia colonial de Perú, la realidad política y social del país o la situación de la mujer. No en vano sus obras han sido leídas en clave de mapa sociológico, político y como defensora de los derechos de la mujer y los postulados feministas.

La Equilibrista, que tiene el dibujo como eje, presenta estilos y formatos de diversa naturaleza. Desde las pinturas más expresionistas y diseños de aspecto más comercial de sus inicios, a los objetos escultóricos en forma de prisma y de inspiración pop realizados en los años 60, la exposición incluye la mayor presentación hasta la fecha de obra sobre papel de la autora, así como la producción específica para las salas del museo de una pintura mural de gran formato concebida en los años 90 y que se realiza con motivo de este proyecto en el MUSAC.

El autorretrato de naturaleza instalativa Untitled (Heartbeat Machine), 1970-2018, con el electrocardiograma y el sonido del latido de su corazón, y la escultura Mano mal dibujada (2012-17) junto al dibujo La equilibrista (2020), como plasmación de las críticas que la acompañan toda su vida, contribuyen a dar presencia física y simbólica a la artista en el espacio expositivo, quien fallece en 2021 a la edad de 86 años con el reconocimiento de la crítica cultural internacional.

La equilibrista se ha realizado en colaboración con el Weserburg Museum für moderne Kunst de Bremen (Alemania).

Artista: Teresa Burga

Fechas: del 26 de noviembre de 2022 al 28 de mayo de 2023

Lugar: MUSAC, León

“LOSER” Ricardo Sánchez Cuerda

Written by: Redacción • 22 noviembre, 2022

El artista Ricardo Sánchez Cuerda convierte la galería Modus Operandi en un gran juego del fracaso. En el que te invita a tirar el dado y avanzar casilla tras casilla para perder.

“El juego tiene algo de inocente por que es un pacto con unas normas o leyes muy básicas, y en gran medida controladas por el azar, por la fortuna. En principio, estas premisas crean una cierta sensación basada en la lógica, de que las probabilidades sean iguales para todos los participantes. Cualquiera que haya sido un verdadero perdedor sabe que esto no es así” … “Desde muy pequeño tuve una relación intensa con la carencia de éxito. Mi personal incapacidad social y mi prácticamente nula competitividad, me hacían poseedor del superpoder del fracaso. Ante cualquier reto de dimensiones minúsculas yo tenía la capacidad de mostrar menores habilidades físicas y técnicas que ningún otro del grupo. El deséxito estaba prácticamente garantizado” … “Dentro de las emociones derivadas del juego, o del reto, hay un mundo de sensaciones confusas y complejas, que tienen una relación directa con la pulsión de quienes somos como personas, y donde estamos situados con respecto al resto de nuestros semejantes” … “El verdadero perdedor sabe de antemano que sus posibilidades de éxito son ridículas” … “De alguna forma, intuyo que el ganador puro no existe ya que el concepto encierra en sí una un nivel de perfección prácticamente inalcanzable. Y dentro de esta misma línea discursiva, podríamos llegar a la contradictoria conclusión de que en realidad todos somos, en distintos grados, profundamente perdedores” Ricardo Sánchez Cuerda.