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Violencias (reconocidas y no reconocidas) contra las mujeres

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Mujeres Mirando Mujeres y EFTI, Centro Internacional de Fotografía y Cine, se unen con motivo del 25N, para reivindicar la lucha feminista y alzar la voz en nombre del arte contra la violencia de género.

Rocío Bueno – Post venerem (Furias latentes), 2022

El objetivo de este encuentro es dar a conocer la obra de artistas mujeres ligadas, a través de sus creaciones, a la lucha contra las violencias machistas. La selección de estas fotógrafas y videoartistas se ha realizado a través de una convocatoria abierta entre las artistas participantes en las anteriores ediciones de Mujeres Mirando Mujeres y las socias de esta asociación. Las participantes en el encuentro serán Leila Amat, Rocio Bueno, Magdalena Correa, Claudia Frau, Julia Martínez Fernández y Susana Sánchez Carballo.

Consideramos el arte como una de las mejores herramientas para transmitir ideas y valores, y a través de él queremos sumarnos al desarrollo de prácticas feministas que den testimonio de la diversidad de perspectivas de concebir y experimentar la identidad, los roles de género, la sexualidad, y la experiencia cultural. No podemos olvidar que para que una sociedad sea justa debe ser inclusiva, plural y transversal y eso tiene que ver con un feminismo que cruza género, raza, clase y otros sistemas de opresión.

Queremos generar una mirada transversal a las distintas violencias: algunas las advertimos más fácilmente que otras, físicas, psicológicas, sexuales o económicas, son quizás las más evidentes, pero no debemos dejar de lado el abuso infantil, la violencia obstétrica, la sanitaria, la laboral, la racial o la institucional.

ENCUENTRO

«VIOLENCIAS (reconocidas y no reconocidas) CONTRA LAS MUJERES» en C/ Fuenterrabía 4, 6 y 13, Madrid, el día 25 de noviembre a las 19:30 h.

Premio EFTI

EFTI apoya el proyecto Mujeres Mirando Mujeres brindando a las artistas participantes en el evento la oportunidad de acceder al siguiente premio: 500 € en formación para utilizar en cualquier curso de EFTI.

La selección de la ganadora del premio correrá a cargo de un jurado formado por Andrea Sendón, directora de los cursos de fotografía social en EFTI y la profesora del Máster de Fotografía de Autor, Carmen Dalmau, Licenciada en Historia del Arte, profesora, crítica y comisaria, así como las componentes del equipo de Mujeres Mirando Mujeres.

Julia Martínez – Nadie hablará de nosotras cuando estemos muertas. Madre (detalle)

Artistas seleccionadas

Leila Amat. Se dedica a la fotografía construida, canal que utiliza para dar a entender que todo lo personal es político. Conocida por su activismo dentro del tabú y el estigma que sufre el campo de la salud mental, no toda su obra se centra en eso, también habla de amor, de familia, de resiliencia, del cuerpo, de lucha, maternidad o memoria. 

Rocío Bueno. Creadora visual. Usa la fotografía como herramienta de comunicación para establecer diálogos abiertos. Le interesa relacionarla con otras artes visuales como el dibujo, la pintura, el collage o la poesía. Aborda temas relacionados con sus procesos de género como mujer como la maternidad, los miedos, la furia latente, los vínculos, la herencia y la memoria.

Magdalena Correa. Ha sido integrante de la Línea de Investigación “Aplicaciones a los Sistemas Audiovisuales y Multimedia” del Departamento de Ingeniería de la Universidad Politécnica de Cataluña, Barcelona. Se ha especializado en proyectos de investigación fotográficos y de vídeos sobre territorios aislados y extremos, donde habita el hombre.

Claudia Frau. Su capacidad poética y metafórica le ha permitido construir un discurso propio, enfocado tanto al arte de género como a la crítica social, que trasciende lo puramente superficial y se adentra en conceptos tan profundos como el paso del tiempo o la muerte. Su trabajo artístico, en el que la fotografía, y también el vídeo, es una herramienta y no un fin, bebe del arte conceptual y la poesía objetual a un tiempo.

Julia Martínez. Fotógrafa, video creadora y escritora madrileña. En 2013 se une al artista Omar Jerez centrando su trabajo exclusivamente en el arte de acción, la fotografía de autor y el videoarte. Trabajos como “il Corriere della Camorra” en el epicentro de la Mafia napolitana, “Armas de destrucción pasiva” realizada en Ciudad Juárez frente a asesinos de mujeres o “Happy Happy Kim Jong–Meal” en la frontera entre Corea del Norte y Corea del Sur, son una pequeña muestra.

El arte de acción ha marcado profundamente su visión fotográfica, alejándose de lo Macro y centralizando toda la estética de sus trabajos bajo la premisa de realidad relativa o verdad subjetiva. 

El ser humano, la fealdad como belleza, la muerte y la no ortodoxia rigen su obra.

Susana Sánchez Carballo. Artista multidisciplinar, investigadora, gestora y activista curatorial. Co-Directora del Colectivo CasaMA y socia del Museo de las Mujeres de Costa Rica. Co-curadora y gestora del proyecto de investigación histórica y expositivo “Cronologías de lo Invisible. Experiencias estéticas de mujeres artistas de 1900 a 1980 en Costa Rica”, junto a la curadora Sussy Vargas. Co-curadora de la exposición “Solamente yo puedo confeccionar mi mañana. Hilvanando memorias de Honduras”, actualmente en exhibición en Teorética, Costa Rica. Co-gestora y co-curadora del Circuito de Prácticas Artísticas Feministas 2022, organizado en conjunto con el Centro Cultural de España en Costa Rica.

En el 2021 fue seleccionada para recibir una subvención a su trabajo de investigación por parte de la Foundation for Arts Initiatives.

Su videoarte “Gritos mudos” fue ganador del Premio de Mérito Accolade Global Film Competition (2018) y de una Mención especial en el Festival Bideodromo, España (2018); además, ha participado en más de 13 Festivales Internacionales de Cine desde el 2018.

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¿Qué es para ti la intimidad?

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¿Qué es para ti la intimidad? Es la nueva propuesta expositiva de la galería Rafael Pérez Hernando y reúne a las artistas Angela Burson, Anne Buckwalter, Chechu Álava, Rosalía Banet, Sabine Finkenauer, Scout Zabinski y Sofia Pashaei, quienes, a pesar de tener estilos y lenguajes muy diferentes, han trabajado en torno al concepto de intimidad, aportando su visión sobre el mismo a través de sus trabajos.

Sofia Pashaei. The most innocuous of games, 2022. Óleo sobre lienzo. 100 x 100 cm. Fotógrafo: Andrés Valentín Gamazo.

Así, Anne Buckwalter  presenta una obra donde, con gran sutileza, habla de la intimidad de las personas, de la sexualidad y otros tabúes, a través de habitaciones misteriosas que describían a unos personajes sin necesidad de representarlos.

Las obras de Angela Burson y Sofia Pashaei presentan interiores y personajes retratados, en su mayoría femeninos, que provocan en el espectador extrañeza y cierto misterio, incitándole a observar, analizar y descifrar cada detalle.

Con Rosalía Banet la “intimidad” aparece en forma de santas contemporáneas que, en medio de escenas aparentemente cotidianas, exponen sus pecados a través de sus heridas y vísceras, sin olvidar las enigmáticas “princesas” y “vestidos” de Sabine Finkenauer.

Chechu Álava
Chechu Alava. Lee Miller con dolor de cabeza, 2013. Óleo sobre lienzo 46 x 55 cm. Fotógrafo: Andrés Valentín Gamazo.

Gracias al préstamo de coleccionistas, podemos ver en la muestra obras de las artistas Chechu Álava y Scout Zabinski, artistas que completan la muestra con diferentes puntos de vista sobre la intimidad.

Artistas: Angela Burson, Anne Buckwalter, Chechu Álava, Rosalía Banet, Sabine Finkenauer, Scout Zabinski y Sofia Pashaei

Fechas: hasta el 28 de enero de 2023

Lugar: galería Rafael Pérez Hernando, Madrid

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“Tereré” Julio Varela

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La Galería Fermay presenta Tereré, la primera exposición individual del artista Julio Varela (Buenos Aires, 1991). La artista argentina hace de su obra un rompecabezas en el que la contradicción y el humor cruzan caminos de forma recurrente.

Julio Varela

“…sus pinturas son realmente dibujos y sus retratos paisajes. Con una economía de medios que realza el artificio de sus composiciones, la linea y la contención cromática se convierten en elementos formales característicos de su obra. Las suyas son pinturas especialmente crudas que se muestran al desnudo, sin pudor. Las situaciones que Varela propone le acercan al estilo de las viñetas que el artista construye a base de trazos tan rápidos cómo lúcidos consiguiendo de esta manera un efecto inmediato de fragmentación. Preservando el matiz original del lino, sus trazos parecen desbastar la superficie pictórica en lugar de cubrirla cuidadosamente de material; las manchas de color, a priori entrecortadas y dubitativas, se extienden a lo largo de la tela a ritmo convenientemente sincopado” … “Los personajes que aparecen en su imaginario, con muecas y extremidades de formas imposibles, pretenden ilustrar la dificultad de fijar una posición lógica y racional de nuestra existencia. Las obras de Varela son estampas que contienen imágenes del orden caricaturesco y grotesco que buscan generar la incomodidad del espectador así como su complicidad. Lo aberrante de sus composiciones, así como ese tono de burla que subyace, surge de un profundo sentido de lo absurdo con el que el artista imbuye toda su obra”.

Julio Varela

Artista: Julio Varela
Fechas: Del 10 de noviembre 2022 al 28 de enero 2023
Lugar: Galería Fermay, Palma

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Joana Cera, recuperando el misterio del concepto expositivo

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Dice la artista que no sabe de qué trata la exposición, que no le interesa explicar, que estará inmersa en el proceso hasta el día que inaugure y que cada día cambia; que ella misma espera entenderla cuando la vea montada. O no del todo. Porque aunque podría hacer el esfuerzo de clarificar considera que, en estos momentos, debe insistirse en el sentido contrario: en recuperar el misterio.

© Joana Cera

Joana Cera (Barcelona, 1965) se aproxima a la escultura desde una intuición material que encuentra ecos en la tradición conceptual catalana. Difícil de catalogar y de encajar en categorías estancas, su obra se sitúa a menudo en los márgenes de lo actual en un tiempo que cuestiona al tiempo y que duda del sentido consecutivo o lineal.

Cera vuelve en esta exposición a la piedra como un medio de expresión recurrente en su trabajo. La artista viene empleando en los últimos años una combinación de diversos materiales y técnicas desde el vídeo o la cerámica, pasando por la instalación efímera. En esa variedad multidisciplinar sus obras sostienen referencias a un recorrido donde cada paso cuenta, al flujo de ideas, tratando de penetrar en el espíritu de las cosas a través de su presencia más allá de lo que se pueda decir de ellas. Más allá de su enunciación.

En ese aparente mutismo las obras de Cera buscan hacer emerger una sincronía entre lo primordial y lo contemporáneo. Objetos que buscan su lugar en el espacio mientras consiguen transmitirnos el enigma de algo tan preciso como imperceptible. 

JOANA CERA

Licenciada en Bellas Artes por la Facultad de Barcelona, especialidad escultura, Cera se ha formado en diferentes talleres de la QUAM y formó parte del Arteleku original. Ha sido además residente en ISCP de Nueva York, la New York Film Academy y en el EKWC (Den Bosch) entre otros. Su obra ha podido verse en exposiciones individuales para la Fundació La Caixa, Fundación Santa María de Albarracín, Museu de l’Empordà, Fundación Suñol, La Caja Blanca o Galería Alegría, entre otras. A nivel colectivo ha expuesto en instituciones como el Centre d’Arts Santa Mònica, La Fundació Miró de Barcelona, CGAC, así como en diferentes centros y galerías de Portugal, Italia, Holanda, Francia y Bulgaria.


Fechas: Del 17 de noviembre de 2022 al 22 de enero de 2023
Lugar: Galería The Goma, Madrid

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Entrevista a El Dibujo

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El Dibujo (Águilas (Murcia), 1992). Vive y trabaja en Murcia. Graduado en Ilustración por la Escuela de Arte de Murcia (2014). Desde sus inicios, su obra ha girado sobre todo en torno a la figura masculina,  intentando impregnarla de delicadeza y sensibilidad. El miedo, el amor, el desamor, e intentar hacer de lo horrible algo bello, son los pilares de su obra. Está continuamente experimentando con nuevas técnicas y materiales que aplica a sus obras. Ilustración. Pintura. Diseño de interiores.

El Dibujo

PAC – Te proyectas desde Murcia. ¿Te hubiera gustado cambiar de lugar y hacerlo desde allí?

El Dibujo – Nací en Águilas, un pueblo de la costa en Murcia, pero estudié y resido actualmente en Murcia. Mi relación con Murcia ha mejorado, porque estoy aprendiendo a no exigirle algo que por ahora no ofrece, y a valorar aquello que sí tiene y que me gusta. Murcia es una región en la que se puede vivir muy bien, pero de la que hay que salir de vez en cuando.

PAC – ¿Crees que tu trayectoria habría sido la misma?

El Dibujo – Creo que sí. Lo que echo en falta en Murcia es la cantidad de oportunidades que ofrecen otras muchas ciudades, tanto laborales como de ocio. Ir de exposiciones por Murcia es algo que puedes hacer muy de vez en cuando, y la oferta, además de escasa, suele ser bastante rancia. Justo después de acabar mis estudios de ilustración en Murcia tuve la oportunidad de vivir una temporada tanto en Madrid como en Barcelona, y pude enseñar mi obra en pequeños locales, como bares o tiendas, pero con gran afluencia de personas, y eso es algo que hasta hace poco era muy raro ver en Murcia. 

El Dibujo, 2022

PAC – ¿Qué te impulsa a dedicarte a la práctica artística?

El Dibujo – Siempre digo que mi pintar o dibujar, además de mi trabajo, es mi afición y es la forma que tengo de relacionarme con el mundo, ya que mis habilidades sociales no son muy ricas. Para mí trabajar no es algo tedioso ni que hago por obligación. El tiempo que no paso creando lo paso pensando en qué voy a crear. Si no pudiera crear, me temo que mi vida perdería la mayor parte de su sentido.

PAC – ¿Qué ansiabas? 

El Dibujo – Cuando estudiaba, ansiaba poder llegar a vivir algún día del arte solamente, algo que nos pintaban como imposible o que muy poca gente conseguía. 

PAC – ¿Lo encontraste? 

El Dibujo – La verdad es que prácticamente desde el principio he vivido sólo del arte. No me puedo quejar.

El Dibujo, 2022

PAC – ¿Qué crees que puede mejorarse en el Sistema del arte?

El Dibujo – Muchísimas cosas. Al igual que nos metían en la cabeza la idea de que vivir del arte era algo casi imposible y que era algo de bohemios que malviven, también hemos crecido con la concepción romántica de lo que es la vida de un artista y la gente que forma parte de la vida de un artista. Hoy en día es muy raro encontrar marchantes o galeristas que apoyen tu trabajo desde la admiración y el amor por tu trabajo. No digo que no existan, pero creo que el mundo del arte, al igual que otros ámbitos, es algo muy superficial y se ha convertido en algo banal, vacío, carente de sentido, especulativo y meramente comercial. Cualquier persona puede pintar, dibujar, escribir un libro o grabar una canción sin necesidad de tener talento, porque lo que prima hoy en día es la ‘’influencia’’. Y muchos galeristas se guían por eso y encumbran a artistas cuya obra carece de personalidad. Por supuesto, para gustos colores, pero eso hace que artistas que verdaderamente tienen algo que decir al mundo y que no tienen tanta suerte o tanta capacidad de poder influir sobre los demás queden en segundo plano. En mi caso, he sentido todo esto, pero también he tenido la suerte de experimentar todo lo contrario. He conocido a gente que se ha enamorado de mi obra y me ha apoyado desde el principio y eso me ha hecho evolucionar y trabajar más duro para demostrarles que no se equivocaban. 

El Dibujo, 2022

PAC – ¿Qué deberíamos aportar y eliminar al Sistema?

El Dibujo – No lo sé, en mi caso prefiero defender yo mismo mi trabajo, y si no es así, se lo confío a muy pocas personas. En el mundo del arte sobra mucha gente que sólo pretende lucrarse del artista sin saber a veces ni cómo se llama. Y para aportar, sólo con apoyar más a los artistas y no ponernos tantas trabas a la hora de llevar con dignidad nuestra actividad profesional, basta.

PAC – Asociacionismo profesional ¿qué opinas?

El Dibujo – Los artistas, artesanos, diseñadores, los autónomos en general, no estamos muy bien tratados en este país. Me parece lógico que nos agrupemos y defendamos nuestros derechos. 

El Dibujo, 2022

PAC – Háblanos un poco de tu trayectoria

El Dibujo – Como casi todos los artistas, crecí con los lápices en la mano. De niño siempre dibujando, siempre pintando, en mi burbuja. Eso tiene su recompensa, y es tener muy claro desde pequeño a qué quería dedicarme y afrontarlo con fuerza, ilusión y decisión, pero también tiene su parte menos buena y es la carencia de habilidades sociales y la forma en la que me relaciono con el mundo, muy complicada a veces. Empecé a desarrollar mi obra haciendo alusión al mundo marino, ya que mi vida ha estado estrechamente ligada a él. Mi apodo, El Dibujo, proviene de mi abuelo y mi bisabuelo, a los que el resto de pescadores les llamaban por el mismo nombre. 

PAC – ¿Cuáles son los temas de tu trabajo artístico?

El Dibujo – Actualmente mi obra gira en torno a la masculinidad, en casi todas sus variantes. No me gusta pintar gente feliz, no me parece interesante. Odio los retratos de gente sonriendo, me parece grotesco. La soledad, el amor o la falta de éste, son mis temas recurrentes. Me gusta mucho el color, y me divierte combinar colores y mezclar técnicas para experimentar. También soy interiorista, e intento combinar ambas cosas en un proyecto sin fecha que espero presentar algún día.  

El Dibujo, 2022

PAC – ¿Algún proyecto, pendiente, que te gustaría realizar?

El Dibujo – Me gustaría aunar interiorismo con mi obra. Me gustaría crear mi propio estudio de diseño y sacar una pequeña línea de objetos para el hogar.

PAC – Un deseo.

El Dibujo – Que lo venga sea para mejor, y si no es así, me quede como estoy.

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Guillermo Pérez Villalta, revisión a su obra gráfica

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El Premio Nacional de Arte Gráfico, instituido en 1993 por la Calcografía Nacional, celebra la trayectoria consolidada de nombres imprescindibles del panorama artístico español y, en particular, de quienes han desarrollado una propuesta reconocida en diferentes manifestaciones de la imagen múltiple. En su edición del año 2020 el Premio fue otorgado a Guillermo Pérez Villalta.

Guillermo Pérez Villalta. Soy el deseo, 2022. Aguafuerte, aguatinta, polímero y gofrado.

Guillermo Pérez Villalta (Tarifa, 1948) es un artista polifacético, pintor, dibujante, grabador, escultor y diseñador, así como escenógrafo y figurinista, paisajista y escritor; o, como él prefiere, un artífice. Integrante de la nueva figuración madrileña y uno de los pintores más representativos del posmodernismo español, en la década de los 80 estuvo vinculado a la Movida madrileña. Su formación y vocación por la arquitectura se reflejan en sus obras, donde los espacios y vacíos juegan con la luz, además de construir composiciones geométricas y teatrales que sirven de escenario para la superposición de elementos simbólicos y mitológicos. Para Pérez Villalta el dibujo es el vehículo que le permite expresar sus ideas; las proporciones y el orden contribuyen a ello. Defensor de la libertad en el arte, su propuesta estética aúna tradición y modernidad, en técnicas y motivos. La suya es una proposición ecléctica, tendiendo hacia la racionalidad y simplificación.

La exposición, organizada por la Calcografía Nacional, muestra la trayectoria de Pérez Villalta en el campo del arte gráfico. Una predilección por este género de expresión artística que le ha llevado a realizar ediciones en aguafuerte, litografía y serigrafía, así como la ilustración de varios libros, entre ellos, Faetón, del conde de Villamediana, La Odisea –serie con la que ilustró el libro de Homero traducido por José Manuel Pavón- o Los viajes de Gulliver, de Jonathan Swift. Los dos primeros trabajos mencionados forman parte de las cuatro series en las que se estructura la exposición. Otro conjunto de obras expuestas se articula en torno a Pabellones, fruto de la experimentación, una de las primeras incursiones del artista en el mundo digital, donde recrea espacios arquitectónicos formados a partir de la combinación de diagonales entrecruzadas en la estampa, creando divisiones armónicas.

Finalmente, se presenta la serie inédita Verbum et imago, creada exprofeso para la exposición, formada por siete aguafuertes con frases que condensan pensamientos líricos del artista.

Con esta muestra Pérez Villalta comparte la experiencia de la realización de su obra, el complejo proceso que entraña la ejecución de sus estampas. Para ello se incluyen, además de imágenes impresas, dibujos originales y matrices que apoyan el discurso creativo y manifiestan el cuidado trazo y la elegancia de sus composiciones.

Guillermo Pérez Villalta. Pabellón de los naranjos, 2021. Impresión digital

Guillermo Pérez Villalta

Guillermo Pérez Villalta pasó su infancia entre La Línea de la Concepción, Cádiz y Málaga, trasladándose con su familia a Madrid en 1958. En 1969 comenzó los estudios de arquitectura dedicándose al mismo tiempo a la pintura. Hasta la fecha ha realizado más de cien exposiciones individuales dentro y fuera de España.

Está considerado uno de los nombres de referencia dentro del arte español desde la segunda mitad del siglo XX. Le fue concedida la Beca del Ministerio de Cultura (1975), la de la Fundación Juan March (1980) y la del Ministerio de Asuntos Exteriores para la Academia de España en Roma (1989). A lo largo de su trayectoria artística ha recibido diversos galardones, entre ellos el Premio Nacional de Artes plásticas (1985), Premio de Artes Plásticas de Andalucía (1985), Medalla de Andalucía (1985), Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes (2006), Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid (2007), Premio Tomás Francisco Prieto de Medallística –concedido por la Fundación Real Casa de la Moneda- y el Premio Nacional de Arte Gráfico (2020).

Su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas. Una selección considerable está depositada en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo.


Fechas: Del 10 de noviembre de 2022 al 15 de enero de 2023
Lugar: Calcografía Nacional, Madrid

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“Food Obsesion”. ¿Nos obsesiona la comida?

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El sustento o el acto de comer es el protagonista de Food Obsesion, propuesta expositiva de Gärna Art Gallery y Urvanity Projects en la que una nueva generación de artistas internacionales nos sientan en la mesa para hablar del exceso, el desperdicio, el simbolismo, las marcas o la carencia.

NICOLAS ROMERO. Sigo esperando nuestra cena romántica, 2022

Comisariada por Sergio Sancho y Sara Coriat –Urvanity Projects-, Food Obsesion tiene como protagonista el sustento o el acto de comer. Doce artistas internacionales, Sergio Mora, Hannah Epstein, Lusesita, Ana Barriga, Culitomatón (Laura Larrañaga), Ricardo Passaporte, Bieke Buckinx, Fátima de Juan, Nicolás Romero, Reihaneh Hosseini, Caroly Steel y Francesc Roselló, nos presentan un tema que siempre ha estado presente en la historia del arte, siendo a su vez reflejo de las sociedades que retrataban.

“Todos tenemos que comer”, afirma Sergio Sancho, quien además reflexiona sobre cómo en ocasiones, por nuestras circunstancias, llevamos una vida más bien sedentaria mientras que nuestro apetito está dispuesto a aceptar cualquier ritmo que nos imponga la industria alimentaria, algo que nos plantea la artista Caroly Steel en Ciudades hambrientas.

Ante todo esto, los comisarios nos ponen sobre la mesa varias cuestiones: “¿Existe una relación entre cómo consumimos arte hoy en día?” “¿Entre la voracidad del mercado del arte y el cómo nos alimentamos? La respuesta está en Food Obsesion a través de estos artistas que apuestan por una nueva figuración y que llegan de países como Viena, Bruselas, Los Ángeles, Lisboa, Buenos Aires o España.

HANSKI. The Three Bears Wood, 2022

La muestra comienza con una parte dedicada a todo lo que antecede al proceso de cocinar, es decir, la visita al supermercado. Así, Supermercado mágico de brillo y fantasía. Superalimentos para el alma, es una instalación de los artistas Sergio Mora y Lusesita, y consiste en la recreación de un establecimiento de barrio donde los productos son pequeñas obras de arte (seriadas y firmadas) listas para llevar. La idea es jugar con el contexto para cuestionar nuestra percepción desdibujando los límites entre lo que considera arte y lo que se consideran puntos comerciales, explican los comisarios.

La segunda parte de la muestra está dedicada a la glotonería e insaciabilidad, como vemos en la obra de Ana Barriga. La interpretación de Hannah Epstein del cuento de Ricitos de Oro a través de la codicia y los hábitos de consumo occidentales, presentando a la protagonista como  la última colonizadora blanca que consume los recursos de otros sin preocupación alguna.

El sedentarismo digital, desperdicio y el análisis antropológico del presente se pone de manifiesto en la obra de Nicolás Romero; los festines en cerámica de Culitomatón (Laura Lagraña) y Lusesita.

Ricardo Passaporte nos plantea la ordinariez del consumismo y la informalidad de las marcas que nos rodean; la ironía, el humor y el acercamiento a “la buena vida” queda reflejado en el trabajo de Bieke Buckinx.

Los alimentos llegados de Latinoamérica son homenajeados en las icónicas mujeres de Fátima de Juan; la parte más surrealista la ponen Reihaneh Hosseini con su mundo onírico y a veces cercano al absurdo, y Francesc Roselló con su radiografía con toques surrealistas de la sobremesa


Artistas: Sergio Mora, Hannah Epstein, Lusesita, Ana Barriga, Culitomatón (Laura Larrañaga), Ricardo Passaporte, Bieke Buckinx, Fátima de Juan, Nicolás Romero, Reihaneh Hosseini, Caroly Steel y Francesc Roselló.

Fechas: del 23 de noviembre de 2022 al 9 de enero de 2023

Lugar: Gärna Art Gallery, Madrid

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Statu Quo. Gema Rupérez

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El IAACC Pablo Serrano acoge la exposición ‘Statu Quo. Gema Rupérez’, con la que la artista busca despertar el interés y la interpretación por parte del espectador de la realidad actual. Producida por el Gobierno de Aragón y comisariada por Adonay Bermúdez, la mayor parte de las obras son nueva creación de Gema Rupérez.

© Gema Rupérez

Aspectos como la individualidad, la colectividad, la globalización, el consumismo, la desigualdad, la explotación laboral, la alienación y la fragilidad del mensaje están presentes en esta exposición donde, en palabras de Adonay Bermúdez, comisario de la exposición, la autora “propone un conglomerado de expresiones críticas y un combinado de acciones nacidas en la desobediencia con el objetivo de contener los horizontes de opresión que empañan nuestro futuro.

”Seis son las obras de nueva producción con las que Rupérez se presenta en esta muestra donde la tecnología, como parte de la cultura contemporánea, es una pieza clave tanto en la configuración de las instalaciones como en el mensaje que busca trasladar al espectador. Entre las principales obras se encuentra ‘Bandera Blanca’, una crítica a la globalización, la desigualdad social y el conflicto entre la producción industrial y la artesanal, a través de una bandera formada por más de 2.000 etiquetas con el texto “Made in China” que han sido cosidas por mujeres del proyecto ‘Hilvanando culturas’ impulsado en Zaragoza por Ayuda en Acción y el CEIP Ramiro Solans. Otra de las grandes piezas es ‘Data lake’, una instalación de gran formato que requiere de la interacción del visitante y con la que la autora reflexiona sobre los miedos colectivos, la sociedad de la información y la manipulación a través de la misma. También se podrá ver por primera vez ‘White Collar, blue collar’, ‘Star’, en la que participa La Youth Dance Project, ‘Statu Quo’ o ‘Trans’.

© Gema Rupérez

La exposición incluye la edición de un catálogo con textos de Adonay Bermúdez, que analiza cada una de las obras que se exhiben. Además, para la realización de un estudio más profundo de la obra ‘Data Lake’ se ha contado con la colaboración de la editora y productora cultural Julia Kaganski.

Gema Rupérez

Gema Rupérez (Zaragoza, 1982) reflexiona e interpela al espectador sobre las distintas realidades que tensionan el mundo actual, desde la violencia ejercida contra las mujeres pasando por la explotación, los flujos migratorios, los desequilibrios territoriales y el control social provocados por el capitalismo feroz. Ha expuesto de manera individual o colectiva en Kiosko Galería (La Paz, Bolivia), Casal Solleric (Mallorca, España), Instituto Cervantes (Palermo, Italia), Acervo Galería (Lisboa, Portugal), Centro Cultural CondeDuque (Madrid, España), Casa de Velázquez (Madrid, España), North End Studios (Detroit, EEUU), Yam Lau (Toronto, Canadá), Museo MADRE (Nápoles, Italia), Nagasaki Prefectural Art Museum (Nagasaki, Japón) o Palazzo Ducale di Urbino (Urbino, Italia), entre otros. Entre los últimos reconocimientos recibidos se encuentra el Premio JustMad de la Fundación Enaire (2018) y la Beca Ramón Acín de la Diputación Provincial de Huesca(2017). Su obra se encuentra en colecciones del Gobierno de Aragón, Fundación Enaire, Fundación Pilar Citoler o Nagasaki Prefectural Art Museum de Japón, entre otras.


Fechas: Hasta el 26 de marzo de 2023
Lugar: IAACC PABLO SERRANO, Zaragoza

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Miguel Scheroff “Impactrueno total de furia”

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El artista Miguel Scheroff presenta en la sala Juan Francisco Casas del Centro Cultural de La Carolina su muestra individual “Impactrueno total de furia”. El proyecto se trata de una muestra inmersiva compuesta por 9 murales –que suman 39 metros lineales de pared pintada de la sala- y 19 obras procedentes de coleccionistas particulares, instituciones y fundaciones, entre otros. 

Miguel Scheroff
Miguel Scheroff. Fotografía de Juan Pablo Mola García-Galán

El resultado que nos encontramos es algo muy diferente a esas exposiciones en las que en la pared blanca se cuelgan cuadro sin más. Sus murales llenos de color, plasticidad y texturas son el telón de fondo donde se cuelgan diferentes pinturas. Todas ellas, piezas que profundizan en los estímulos que recibe una nueva generación a través de los videojuegos, los dibujos animados, la estética cute… Una reflexión de nuestro tiempo, totalmente influenciado por las redes sociales, internet y la sobreinformación.  

Miguel Scheroff
Miguel Scheroff. Fotografía de Juan Pablo Mola García-Galán

Miguel Scheroff nos invita pasear, experimentar y formar parte de su obra y su mundo pictórico. Un proyecto arriesgado donde solo el triunfo es mayor que el reto.

Miguel Scheroff
Miguel Scheroff. Fotografía de Juan Pablo Mola García-Galán

Artista: Miguel Scheroff
Comisaria: Patricia Galgany
Organiza: Renace Contemporary Art
Fecha: Prorrogada hasta el 28 de febrero de 2023
Lugar: Sala Juan Francisco Casas. Centro Cultural de La Carolina, Jaen

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“Viva Arte”. 19 artistas españoles conquistan Seúl

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El Hyunday Museum ALT1 de Seúl, acoge, desde el pasado 8 de octubre la muestra Viva Arte, que reúne la obra de diecinueve artistas españoles, entre ellos, algunos a los que hace poco nos referíamos como emergentes, y son ya destacados nombres del arte actual.

Okuda San Miguel – Death of capitalism, 2022

Comisariada por la galerista y mecenas Sara Zaldívar, junto a la galería Huntress of Art, “Viva Arte” reúne la obra de los artistas:

Javier Calleja, Edgar Plans, Rafa Macarrón, Ana Barriga, Imon Boy, Maíllo, Moises Yagües, Castiella, Misterpiro, Sol Felpeto, Kike Garcinuño, Zuleta, Iván Forcadell, TkmXoxo, Jordi Pintó y Jaime Urdiales. Además de la muestra, Hyundai Museum ALT1 acogerá cuatro instalaciones site-spe- cific: una sala completa de Okuda San Miguel, un espacio diseñado por Misterpiro y dos murales de los artistas Díaz-Faes y Boa Mistura.

Estos artistas, en palabras de la comisaria de la muestra, están influidos por artistas como Murakami o Kaws, por sus obras kawaii o cute o por el Naif Asiático. Han sido la semilla que ha desarrollado este nuevo movimiento. Muchos de ellos tratan, a través de su trabajo, de hacer una revisión de la pintura figurativa con trazos cercanos al cartoon. Otros utilizan la abstracción, donde el color y la armonía son protagonistas. Se trata, casi siempre, de obras con un carácter multifocal, un juego donde las connotaciones las pone el público, que es quien termina, con su percepción, la obra.

El objetivo de “Viva Arte” es afianzar la presencia de artistas españoles en el mercado asiático, algunos de ellos como Javier Calleja o Edgar Plans, ya son una celebridad allí. Se pretende también que la muestra itinere por otros países del continente durante 2023.

Alguno se estará preguntando: ¿Por qué Asia? La casa de subastas Christie’s señala que un tercio de sus compradores menores de 38 años son asiáticos y son estos quienes están dictando el futuro del coleccionismo. Solo China ocupa el 20% de las ventas globales tras Estados Unidos (43%) según el último estudio publicado por Art Basel y UBS sobre el mercado del arte. Si hablamos de Corea del Sur, según The Korea Times, un creciente número de jóvenes coleccionistas de arte contemporáneo ha hecho triplicar el mercado del arte en 2021. Hace unas semanas se ha celebrado la  primera edición de la feria Frieze en la ciudad, en asociación con Kiaf Seoul. Es la primera feria de origen londinense en Asia tras su expansión en Nueva York o Los Ángeles.

Sol Felpeto. Dragon Hair Ball 1”, 2022

Hyundai Museum ALT1

ALT1 significa “Art makes Life Take 1 step forward” (el arte hace que la vida dé un paso adelante). El centro se inauguró en 2021 en un edificio firmado por el estudio de Sir Richard Rogers, uno de los padres del Centro Pompidou. En estos meses, Hyundai Museum ALT1 se ha convertido en un dinamizador de la escena cultural de la capital desde una isla, Yeouido, que es considerada el centro de negocios y el distrito de la banca de inversión de Seúl. La muestra inaugural del museo, fue dedicada a la obra de Andy Warhol; más recientemente, reuniría a maestros de la fotografía de moda como Peter Lindbergh, Nick Knight o Paolo Roversi.

Artistas: Javier Calleja, Edgar Plans, Rafa Macarrón, Ana Barriga, Imon Boy, Maíllo, Moises Yagües, Castiella, Misterpiro, Sol Felpeto, Kike Garcinuño, Zuleta, Iván Forcadell, TkmXoxo, Jordi Pintó, Jaime Urdiales, Okuda San Miguel, Díaz-Faes y Boa Mistura.

Fechas: hasta el 8 de enero de 2023

Lugar: Hyunday Museum ALT1, Seúl

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