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MUELLE, leyenda del graffiti

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Poca gente conoce al artista MUELLE, una figura clave del arte contemporáneo español. Juan Carlos Argüello “MUELLE” fue el pionero del graffiti en España, creador del estilo flechero madrileño y una leyenda del arte urbano.

MUELLE, leyenda del graffiti

Su firma, que repetía bajo el anonimato, estaba compuesta por la palabra Muelle, subrayada por una línea en forma de un muelle acabado en punta de flecha. Además contaba con una letra R rodeada por un círculo a su izquierda. Así un mote del colegio, surgido de un resorte que acopló a su bicicleta, se convertía en su alias artístico. Comenzó firmando y bombardeando con su firma el barrio de Campamento, donde vivía; después toda la ciudad de Madrid, varios puntos de España y, más tarde, Londres y Nueva York. Estas pintadas nocturnas con spray, fueron evolucionando de simples firmas a complejas piezas donde utilizaba diferentes colores, efectos de sombreados y detalles de profundidad, aproximándose a la estética del graffiti neoyorquino.

MUELLE, leyenda del graffiti

Fue el primero en aparecer en las calles, metros y carteles de Madrid convertirse en un símbolo del graffiti. Era el encargado de dar color a ese Madrid gris de la Transición, como personaje principal del movimiento contracultural de La Movida Madrileña. La visibilidad, abundancia, diseño y ubicación de su obra, hizo de Muelle el “maestro” de muchos jóvenes que basaron sus firmas en él. Incorporaban trazos acabados en forma de punta de flecha, por lo que se les denominó flecheros. Muelle fue el creador, no solo, de un estilo, sino también, de un movimiento.

MUELLE, leyenda del graffiti

Muelle con unos sólidos principios éticos, siempre seleccionaba muy bien las paredes donde intervenía con su firma. Evitando lugares privados, de interés cultural o natural. Buscaba embellecer, no ensuciar la ciudad, pintando en lugares neutros como tapias de solares, paredes en obras o muros de edificios en ruinas. También le gustaba firmar las vallas publicitarias, como símbolo de lucha frente al bombardeo de las imágenes que nos invaden. En un principio, la policía desorientada ante la extraña aparición de la firma de Muelle, pensaron que se trataba de un mensaje en clave de una red de narcotraficantes, que con las flechas señalaban su territorio o indicaban la dirección del camello que pasaba droga en la zona. Meses después ya conocían que existía una nueva tendencia de origen neoyorquina llamada graffiti, empezando la persecuciones y detenciones.

MUELLE, leyenda del graffiti

En 1993, con más de medio millón de graffitis realizados, MUELLE dejó de firmar por considerar que su mensaje estaba agotado. Dos años más tarde moría víctima de una cáncer de hígado, tenía solo 29 años. El Ayuntamiento de Madrid borró prácticamente todas sus obras realizadas en las calles, quedando hoy solo una última pieza en el número 30 de la madrileña Calle Montera

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Aproximación a la Colección Susana y Ricardo Steinbruch

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Un acto de ver que se despliega plantea una aproximación a la Colección Susana y Ricardo Steinbruch. La selección compuesta por más de cien obras, que se muestran por primera vez, constituye un importante acervo que reúne diferentes temporalidades y geografías, y se centra, sobre todo, en la contemporaneidad latinoamericana, especialmente brasileña, y en las prácticas artísticas que tuvieron lugar en la segunda mitad del siglo XX en la Europa Central y del Este.

Lejos de una visión lineal, la exposición propone un recorrido que comienza con un proyecto específico de Fernanda Gomes (Brasil, 1960) y que transita desde los movimientos antiarte de la antigua República Federativa Socialista de Yugoslavia, al neoconcretismo o las respuestas artísticas que suscitaron los contextos políticos de las décadas de los sesenta y setenta.

Se dedica un ámbito a Mira Schendel (Suiza 1919-Brasil 1988), que incluye un conjunto muy importante de obras que abarca casi la totalidad de la trayectoria de la artista: en ellas se bordea la idea de territorio o se instalan en la experimentación con y desde el lenguaje. También está representado el artista Leonilson (Brasil 1957-1993); es la primera vez que en España se exhibe un conjunto tan grande de obras del brasileño, a quien, recientemente Serralves ha dedicado una retrospectiva. También destaca la pieza de Jonathas de Andrade (Brasil 1982), artista del Pabellón de Brasil de este año en la Bienal de Venecia.

Las piezas seleccionadas para la exposición se articulan en torno a la teoría de los gestos, acuñada por el pensador checo-brasileño Vilém Flusser. Para él, estos rituales de la percepción –que pueden parecer mínimos y no responder a una causalidad determinada– no solo posibilitan nuestro propio reconocimiento estético y afectivo; también están en la base de una cartografía de relaciones y cruces que une artistas en apariencia dispares.

A pesar de que a mediados de los años 90 en Europa occidental se despierta cierto interés por las prácticas artísticas desarrolladas tras la Segunda Guerra Mundial en la Europa Central y del Este, es en los últimos años cuando han comenzado los acercamientos a algunos autores; aun así, en España no se han exhibido demasiado ni los trabajos a modo individual ni en un contexto común. Precisamente uno de los puntos fuertes de esta exposición es que los trabajos se muestran en una narración más amplia, en una contemporaneidad múltiple y simultánea, no como como un mero correlato -casi un apéndice- al arte hecho en Europa Occidental como hasta ahora. Este aspecto se empezó a abordar en el Museo a partir de la reordenación de la Nueva Colección en que se incorporan estos artistas.

Por todo ello es interesante destacar, sobre todo en este momento en que se está produciendo un interés creciente a nivel internacional por el arte de los países del este, que los Steinbruch fueran pioneros al realizar hace ya varios años numerosas adquisiciones de artistas procedentes de esa parte del mundo.

Susana y Ricardo Steinbruch, una Colección singular vinculada a la del Reina Sofía

La Colección completa de Susana y Ricardo Steinbruch está compuesta por más de mil piezas y se comenzó a fraguar hace más de quince años; en esta muestra se expone aproximadamente un 10% de la misma. Es característico que en ella están presentes artistas de relevancia, pero cuya práctica todavía no ha sido muy explorada en el contexto español. Tras la reciente reordenación de la Colección del Museo Reina Sofía hay casi una treintena de obras expuestas, que forman parte de la Colección de Susana y Ricardo Steinbruch, de autores como Mladen Stilinovic, Mangelos, Marcel Broodthaers, Hércules Barsotti, Luiz Sacilotto, Lygia Pape, Waldemar Cordeiro, José Leonilson, Edward Krasinski, Geta Bratescu, o Regina Silveira.

Varias ideas contenidas en su colección han sido relevantes en la génesis conceptual de la del Reina Sofía: Por una parte, la de la genealogía como herramienta epistemológica (“que toma el relevo a la historia salpicada de hitos y grandes nombres, para profundizar en los andamiajes, las relaciones, los ecos, silencios, continuidades y rupturas que pueden rastrearse en nuestro pasado reciente”); por otra, la idea de romper con ese lugar común que organiza las colecciones de arte contemporáneo en torno a la idea de un centro y sus periferias.

Aunque con sus particularidades y distinciones, esta exposición puede leerse como una continuación o ampliación de la exhibición de obras de determinados artistas, conceptos y contextos que ya fueron explorados en Vasos comunicantes, la reordenación de la Colección del Museo Reina Sofía presentada en noviembre del pasado año.

Es indudable el peso que estas obras han tenido en el discurso de la colección del Reina ya que algunas de ellas han sido centrales a la hora de definir determinadas salas y narrar momentos destacados del nuevo recorrido: en el Episodio 4. (sala La invención concreta); en el Episodio 5 (sala Pense-Bête; sala Más allá de lo concreto); pero sobre todo en el Episodio 6, donde a través de las obras de Leonilson se aborda el VIH. En la sala sobre sobre Europa del Este, están representados Mladen Stilinovic, Edward Krasinski, Mangelos y Geta Bratescu.

Al margen de las expuestas ahora, el Museo posee un total de 55 obras de la Colección Steinbruch: 36 en depósito y 19 en préstamo. Además han donado hasta el día de hoy a la Fundación Museo Reina Sofía un total 7 obras: Exercício de me ver (1980) del artista Hudinilson Jr; M3X3 Dance Notation III (1973) de la artista Analivia Cordeiro; O Caseiro (2016) del artista Jonathas de Andrade; Conjunto de materiales de distintas acciones realizadas por el colectivo artístico Taller Popular de Serigrafía (2002-2006); la obra Faca na Água (2017) del artista Alexandre Estrela; un fotolibro de Boris Kossoy, Viagem pelo fantástico (Rio de Janeiro, Kosmos, 1971 y la obra Constelação (1967/2017) de Marcio Sampaio.

Hay que destacar la creación, en 2017, de la Fundación Susana y Ricardo Steinbruch, que ha colaborado en la organización de esta exposición.


Fechas: Del 10 de noviembre de 2022 al 13 marzo de 2023
Lugar: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

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Santiago Talavera. Futuro imaginario frente a un sentir actual

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Santiago Talavera utiliza su virtuosismo artístico para alertar sobre su visión de un futuro distópico. Cree en el arte como vía de conocimiento y acercamiento a la realidad; su obra tiene intención de comunicar. Estamos ante un artista sensible a los acontecimientos, según él, disparatados que se van acentuando en la actualidad. Le abruma la insensatez humana de pérdida de control sobre actuaciones destructivas que se imponen en nuestra sociedad; la locura por la inmediatez; la saturación; los excesos o la desconexión entre individuos y estos, con la naturaleza. Todo ello, aleja al humano de su condición de ser que debe adaptarse a su entorno natural para sobrevivir.

Santiago Talavera en su estudio

Talavera reflexiona en su obra sobre un futuro, posiblemente, sin humanos donde se apreciarán las huellas de nuestro paso por el mundo hasta el tiempo de máxima digitalización. A partir de ese momento, imagina un rastro de chatarra tecnológica indescifrable que nada explicará sobre nosotros. Nuestro registro desaparecerá. 

Santiago Talavera. La herida II

Podríamos considerar a Santiago Talavera como un filósofo visual; sus cuadros son reflexiones futuristas, fisuras en el tiempo por donde visualizar un futuro, con restos de un pasado y presente que será pasado. Juega con la temporalidad como método de observación. Su obra parte, normalmente, de un entorno real o imagen de archivo que convertirá en su paisaje imaginario futurista. Recurre a estructuras arquitectónicas abandonadas, elementos teatrales como focos, gradas o guirnaldas, para escenificar un espectáculo finalizado con resaca. La naturaleza se apodera del lugar y otros seres no humanos lo ocupan conviviendo en harmonía. Los cuadros de Talavera son paisajes, entre paradisíacos y distópicos, evocadores de los excesos humanos.

Santiago Talavera. Todos los sueños del mundo II

El impacto heterodoxo de la obra de Talavera contrasta con su técnica académica. El dibujo y la composición marcan el trabajo del artista. La obra debe ser observada desde una dimensión temporal o siendo vista por un futuro extraterrestre inteligente. Juega con la distorsión de la visión humana, fragmentando la obra creando un mosaico espacial. El artista imagina un mañana con tecnología obsoleta y fallos del sistema, añadiendo referencias digitales. Al adentrarnos en las fisuras de sus obras, apreciamos dibujos detallados y referentes simbólicos utilizando técnica mixta en tinta, acuarela o collage para enfatizar mensajes. El color es un elemento importante en la obra de Talavera, emplea tonalidades pastel o monocromía en rosa que contrasta y, a la vez suaviza el contenido apocalíptico. En definitiva, crea paisajes catastrofistas endulzados que connotan alguna esperanza. El trabajo de Santiago Talavera es una manifestación artística sugerente, activista e incitadora a la reflexión.

Santiago Talavera. Geología de la humanidad

“Las cosas cambiaron tan rápido que resultó difícil acompañarlas”, con esta frase de Bruno Latour pone título a su actual exposición en la Galería Víctor Lope Arte Contemporáneo (Hasta el 3 de diciembre de 2022).

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Effigies, es el momento de quitarnos la máscara

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La galería Inéditad vuelve a Madrid con la exposición “Effigies”, una colectiva que nos invita a reflexionar sobre nuestra verdadera identidad a través de las obras de 7 artistas.

Martínez Canovas. Fingere I, 2022.

El término “efigie” se refiere a una imagen, copia o imitación de una persona. Viene del latín effigies y ésta de ex – (sacar) más fingere (fingir). Por tanto, su significado es algo así como echar afuera algo que no es cierto.

Usamos máscaras con diferentes nombres. Una se llama familia, otra Instagram, otra trabajo, otra amigos, otra pareja… ¿pero cuál es el nombre de la que llevamos cuando nos colocamos frente al espejo? En la soledad de ese reflejo no sabemos quiénes somos. Nos miramos y no nos reconocemos. La desnudez de nuestro rostro nos angustia. ¿Por qué ese reencuentro con nosotros mismos nos espanta? Nos hemos acostumbrado a impostarnos, especialmente por dentro, para mitigar ese miedo, ese temor. Quizá haya llegado el momento de enfrentarnos a lo que no queremos ver, porque probablemente aquello que pretendemos expulsar sea lo más genuino que tenemos, lo que nos hace diferentes.

Effigies es una exposición que invita a quitarnos la máscara, a mirarnos en unas obras que nos hacen de espejo. Un desafío, una proyección del rostro que no siempre se ajusta a la realidad y que nos aleja sobre todo de nuestra propia identidad.

Bajo esta premisa Inéditad Galería nos propone una reconciliación, un reencuentro con la autenticidad gracias al talento de siete artistas que trabajan el retrato desde su propia contemporaneidad. Albert Bonet, Martínez Cánovas, Adrián Goma, Irene Pérez, Pepa Salas Vilar, Jaime Sancorlo y Cristóbal Tabares son los encargados de demostrar que el arte sigue siendo un continuo evocador de emociones.

Fechas: Del 15 al 26 de noviembre de 2022
Lugar: Galería Nueva. Calle Dr. Fourquet 10. Madrid

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La galería Martín de Vidales Art inaugura nuevo espacio

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Martín de Vidales Art inaugura nuevo espacio con la exposición Todos los días son blancos, comisariada por Semíramis González. Su nueva ubicación en el Barrio de Lavapiés de Madrid está en la Calle de la Escuadra número 3.

Galería Martín de Vidales

“…esta exposición abre un nuevo espacio en un barrio tan especial, cargado de cultura, compromiso social y arte desde hace décadas. La invitación a comisariar la apertura de la galería Martín de Vidales ha supuesto para mí, como comisaria, todo un reto emocionante que requería estar a la altura. A la altura de un espacio donde se presentan artistas emergentes, pero también de un barrio que ha sido el mío durante ocho años, y con la premisa de que las artistas que forman parte de esta primera exposición sean, a la larga, parte de la familia de la galería.

Luisa Martín de Vidales abre un espacio como ha abierto su proyecto: con honestidad, ilusión y profesionalidad. Mi labor como comisaria, en estos días blancos, es poner a dialogar a artistas que se encuentran por vez primera y que hablan de compromiso social, de memoria histórica, de las experiencias de la vida y del ambiguo espacio del hogar.

Todos los días son blancos es una oda a la apertura, al inicio de un proyecto en un espacio nuevo, pero también a la suerte del encuentro, de poner en diálogo trabajos de artistas diferentes y, sobre todo, una apuesta por encontrarnos y celebrar” Semíramis González.

Artistas: María Rosa Aránega, Belén Benavent, Rocío Kunst, Paula López
Comisaria: Semíramis González
Fechas: Del 17 de noviembre 2022 al 14 de enero 2023
Lugar: Galería Martín de Vidales Art, Madrid

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Cecilia Paredes: una cartografía de la pérdida

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El Centro de Cultura Contemporánea Condeduque acoge la instalación artística El no retorno, de la artista Cecilia Paredes. Un proyecto instalativo ubicado en el Patio Sur que cuenta con la colaboración del Museo Universidad de Navarra y comisariada por Blanca Berlín.

El no retorno. Cecilia Paredes.

La pieza es una metáfora que utiliza la artista en una cartografía de la pérdida que sufren sus principales actores, los migrantes, a raíz de coyunturas personales y culturales que les han sido impuestas.

El no retorno de Cecilia Paredes

La instalación El no retorno representa metafóricamente la búsqueda que hace el individuo de su camino. Una cartografía de la pérdida que sufren sus principales actores, los migrantes, a raíz de coyunturas personales y culturales que les han sido impuestas. Nos plantea una metáfora sobre el partir y el arribar y las historias y eventos que conforman estos acontecimientos de la vida.

“Como tras una devastadora tempestad, las naves varadas, destruidas y semienterradas en la arena, simbolizan el desarraigo, la pérdida, la desolación del viajero que ha emprendido una travesía forzada, dejando atrás a su familia, su hogar, sus anhelos”, explica la artista Cecilia Paredes y añade que “la organicidad de la estructura de los barcos semeja el cuerpo óseo de un gran animal marino, una ballena, un cachalote encallado y destrozado entre los restos del naufragio. La atmósfera épica de El no retorno nos hace evocar el gemido del mar, el crujido de las cuadernas rotas, la tragedia del sueño truncado, la imposibilidad de llegar”.

El no retorno. Cecilia Paredes.

Cecilia Paredes

Cecilia Paredes (Lima, 1950) trabaja y vive entre Filadelfia, Lima y San José de Costa Rica. Ha exhibido recientemente en el Festival Latitudes en el Museo de Huelva y en el Castle D’Ursel, en Amberes. En 2019, tuvo una exhibición individual en el Museo de la Universidad de Navarra y en el Museo de Arte Latinoamericano MOLAA en California. En 2017, Cecilia participó en el Hyderabad Photo Festival con una exposición individual (Hyderabad, India), en el Espacio Odeon (Bogotá, Colombia) y en el AEtogether Blanc Monteaux (París, Francia). También en el Museo del Banco Central (San José, Costa Rica), en el Centro Cultural de Arte Tabacalera (Madrid, España) y en el Museo Espacial Samara (Rusia). Fue Artista invitada internacional en la Bienal de fotografía de Bogotá (Colombia) y en Pingyao Photo Festival de Shanxi (China). Exhibió en el Palacio Vladimir, Museo Hermitage (San Petersburgo, Rusia), en el Museo Osma de Lima (Perú) y en el KIAF Art Festival como Artista invitado (Katmandú, Nepal), entre otros. Con exposiciones colectivas, Cecilia ha participado en Casa de América (Madrid, España), Museo Textil (Londres, Inglaterra), El Museo del Barrio (Nueva York), Museo Frost (Miami, Florida), Bienal de La Habana (Cuba) y Museo de Arte Contemporáneo de Chongquing: Real / Unreal: Changjiang International Photography and video Biennale (China) y la Biennale di Arezzo (Italia) entre otros.


Fechas: Hasta el 22 de enero de 2023
Lugar: Centro Condeduque, Madrid

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Kepa Garraza: arte, poder y propaganda

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La Galería Alvaro Alcázar presenta la exposición monográfica del artista Kepa Garraza Nuevos Monumentalismos. We just want to set the world on fire. Esta muestra, que une sus dos proyectos más recientes, se compone de obras que han sido realizadas en los dos últimos años.

Kepa Garraza

“En su obra, Kepa Garraza muestra un profundo interés por la Historia y la política actual, que procede, en parte, por la deriva que está tomando el mundo, con tantos frentes de crisis abiertos. Un escenario preocupante que aborda desde la ficción y mediante una realidad paralela, para así, poder hacer una crítica al presente de una manera indirecta, profunda y aguda. La exposición, Nuevos Monumentalismos. We just want to set the world on fire une los proyectos más recientes del artista bilbaíno mediante obras que han sido realizadas en estos dos últimos años y a través de las cuales la exposición se divide en dos secciones claramente diferenciadas.

Kepa Garraza

Nuevo Monumentalismo es su proyecto más reciente. Invita al espectador a reflexionar acerca de la función del monumento público dentro del entorno urbano, así como plantearse cuestiones relacionadas con la representación del poder y la autoridad en nuestro imaginario colectivo. Para ello, el artista ha ideado un juego de sustitución que invita al espectador a replantearse conceptos relacionados con la propia naturaleza del monumento, su razón de ser y su utilidad.

We just want to set the world on fire es una serie que surgió como consecuencia de la ola de protestas que recorrió el mundo tras el levantamiento de restricciones generalizado posterior a la primera ola de la pandemia de COVID-19. Estas protestas surgieron de forma generalizada y aparentemente espontánea. Una ola de indignación y rabia que se extendió sin freno por todos los rincones del planeta. Revueltas ocasionadas por el empobrecimiento generalizado de amplios sectores de la población mundial y la ineficacia de muchos gobiernos para hacerse cargo de sus necesidades más básicas.

Kepa Garraza

Con su estilo hiperrealista nos muestra representaciones ficticias y teatrales en las que predomina la crítica y la ironía. Escenarios atemporales y en ocasiones, sacados de contexto, con los que nos invita a reflexionar acerca de la estrecha relación que presentan el arte, el poder y la propaganda. Sus creaciones están enriquecidas gracias a un juego de sutilezas y dobles lecturas. De esta forma, el artista invita al espectador a profundizar en lo que ve a simple vista y sacar sus propias conclusiones.”

Artista: Kepa Garraza
Fecha: Hasta diciembre 2022
Lugar: Galería Álvaro Alcazar, Madrid

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Primera exposición en España de Christine Sun Kim

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Christine Sun Kim, artista galardonada con el Prix International d’Art Contemporain (PIAC) 2022, presenta su trabajo por primera vez en España y lo hace en La Casa Encendida con la muestra Una sucesión de trampas de eco, comisariada por Cristiano Raimondi

Christine Sun Kim. Una sucesión de trampas de eco. La Casa Encendida, Galerna, 2022

A través de diversos formatos Christine Sun Kim se acerca a lo que constituye el centro de su práctica artística: la notación musical, el lenguaje escrito, la infografía, la lengua de signos, el cuerpo y el despliegue estratégico del humor para poner en cuestión la política sonora y de los lenguajes.

Una sucesión de trampas de ecoestá constituida por tres obras que representan muy bien la diversidad de formatos y conceptos a los que Christine Sun Kim se acerca habitualmente en su trabajo. Un gran mural de 5.5x5m que lleva por título Anotar transcribir transcribir [Notating Transcribing Transcribingen el que la artista utiliza el dibujo para representar el espacio en el que dos lenguas se cruzan y con notas de música abstracta crea una estructura delicada en la que integra palabras escritas.

En el video La bandera tachonada de estrellas [The Star-Spangled Banner], 2020, la artista muestra la interpretación que Christine Sun realizó del himno nacional americano en lengua de signos americana dentro del gran evento deportivo del país: la Super Bowl.

A través de la animación digital, Una sucesión de trampas de eco [A String of Echo Traps], 2022, Christine Sun Kim explora la noción del eco como fenómeno literal y metafórico. (Esta obra se realiza con la colaboración de Joost Verhoef para la animación y con Matt Karmil para el diseño de sonido).

Christine Sun Kim. Una sucesión de trampas de eco. La Casa Encendida, Galerna, 2022

En palabras del comisario de la muestra, Cristiano Raimondi, gracias al arte de Christine Sun Kim, los espectadores pueden acceder a obras que transmutan los signos gráficos en signos musicales y reflexionan sobre la relación entre la gente que oye y la comunidad Sorda. En las obras de Kim, los gestos combinados de las manos y la velocidad del movimiento se usan para mostrar una comprensión más profunda de la experiencia Sorda. Nacida en un mundo donde la imagen fílmica va acompañada de subtítulos, Kim mira la lengua de signos estadounidense (ASL) a través de una lente musical, creando, mediante la repetición de signos gráficos y palabras, composiciones de música visual que narran la experiencia de la vida de los Sordos navegando un mundo construido por y para los que oyen.

Una sucesión de trampas de eco es resultado de la colaboración entre La Casa Encendida y Fondation Prince Pierre de Mónaco, que cada tres años y previa recomendación de expertos internacionales del arte otorga el Prix International d’Art Contemporain (PIAC), que ha recaído este año en Christine Sun Kim por su trabajo La bandera tachonada de estrellas [The Star-Spangled Banner], de 2020.

El consejo asesor de este año ha estado compuesto por Cristiano Raimondi (comisario de exposiciones y escenógrafo), Barbara Casavecchia (comisaria de exposiciones y escritora), Manuel Cirauqui (comisario de exposiciones y escritor), Petrit Halilaj (artista), Claire Hoffmann (historiadora del arte y comisaria de exposiciones), Chus Martínez (comisaria de exposiciones, historiadora del arte y escritora), Mouna Mekouar (comisaria de exposiciones y crítica de arte) y Christodoulos Panayiotou (artista).

Artista: Christine Sun Kim

Fechas: del 11 de noviembre al 08 de enero de 2023, y del 24 de enero al 26 de febrero de 2023.

Lugar: La Casa Encendida, Madrid

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Cristina Lucas nos advierte sobre la globalización y el cambio climático

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El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo exhibe “De ida y vuelta”, primera exposición individual de la artista Cristina Lucas (Úbeda, 1973) en un museo andaluz. Su obra ya formaba parte de la colección del CAAC y ha estado expuesta en varias muestras colectivas de la institución. Además, uno de los iconos del Centro es Alicia, una gran pieza -donada por la artista- que puede contemplarse de forma permanente sobresaliendo de la fachada de la zona conocida como Pabellón Real.

Cristina Lucas. Noche oscura, 2022. Negro de humo, negro de marfil, negro de gas, pez negra, betún, parafina, hollín, negro de vid, negro de bujía, carbón activado, hulla, lignito, antracita, turba, fibra de carbono, grafito, grafeno, petróleo crudo, polímeros derivados del petróleo, queroseno y gasolina sobre madera

>”De ida y vuelta” hace un recorrido por su trayectoria desde 2007 hasta sus trabajos más recientes, y se concentra en aquellas obras de su producción que se apropian de sistemas que han sido utilizados para clasificar y ordenar la realidad -los mapas, las cartas de colores, la tabla periódica, o los índices de valores con la intención de subrayar el estrecho vínculo que existe entre el poder y el control del saber.

Las obras de Cristina Lucas tienen como objetivo dejar en evidencia el modo en el que operan los sistemas de poder y desvelar cómo estos nos influyen. La artista trabaja tanto desde lo macro como desde lo micro para analizar las principales estructuras políticas y económicas y descubrir sus contradicciones. Todos sus proyectos responden a intensos procesos de investigación que se prolongan en el tiempo. En su trabajo se enfrenta al relato construido, aquel que se da por hecho o que se cree natural, y lo cuestiona buscando sus grietas para quebrarlo. Esta búsqueda de una ruptura de la narrativa oficial está relacionada sin duda con su posición como feminista.

A través del recorrido de esta exposición se revelan algunas de las formas en las que se conectan la construcción de los estados-nación, las ideas de progreso y desarrollo económico y la explotación de individuos y territorios y se descubren cuáles son algunas de sus devastadoras consecuencias: las guerras, la globalización –que borra cualquier singularidad– o el cambio climático.

Lucas evidencia con sus trabajos que el sistema económico actual no es una abstracción, sino que nos afecta de un modo muy directo y siempre se concreta dejando marcas sobre nuestros cuerpos, esos que, como su serie Composiciones, están formados por los mismos elementos que la industria se encarga ahora de comercializar o manipular para transformar en mercancías con las que traficar. Lucas propone darle un nuevo sentido a la historia, detenerla en un presente continuo, en un tiempo de ida y vuelta, que nos haga conscientes del momento que estamos viviendo para plantear nuevas posibilidades de un futuro que, de otro modo, no existirá.

Cristina Lucas. Bajo el viento oceánico, Rachel Carson I, II y III. Oxígeno, hidrógeno, carbono, nitrógeno, calcio, fósforo, potasio, azufre, sodio, cloro, magnesio, hierro, flúor, zinc, silicio, cobre, yodo, cromo, selenio, níquel, boro, manganeso, litio, molibdeno, cobalto

Cristina Lucas

Cristina Lucas (Úbeda, Jaén, 1973, vive y trabaja en Madrid). Se licenció en 1998 en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y realizó un máster en la Universidad de Irvine en California en el año 2000. Fue coordinadora del Canal de Arte de Kataweb en España y se formó en gestión cultural en la Casa de América de Madrid y realizó un Studio and Curatorial Program de Nueva York y en la Rijksakademie de Amsterdam.

Su obra se ha presentado en exposiciones individuales en StedelijkMuseum, Schiedam (2008); Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid (2009); Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de México (2010); Kunstraum Innsbruck (2014); Matadero Madrid (2014w); Centro Gallego de Arte Contemporáneo, Santiago de Compostela (2015); MUDAM, Luxemburgo (2016); Sala Alcalá 31, Madrid (2017); Kunstruimte De Nederlandsche Bank, Ámsterdam (2019); Museo Helga de Alvear, Cáceres (2022). También ha participado en la 28ª Bienal de Sao Paulo (2008) y en la 10ª Bienal de Liverpool (2010), así como en Manifesta 12 de Palermo.

Las obras de Cristina Lucas están presentes en colecciones internacionales como la Fundación La Caixa; Banco de España; Mudam, Luxemburgo; Centre Pompidou, París; FRAC Lorraine, Metz, Francia; IVAM InstitutValenciàd’Art Modern, Valencia; KIASMA NationalMuseum of Contemporary Art, Helsinky; Van AbbeMuseum, Eindhoven; Fundación NMAC Montenmedio, Cádiz; The Coppel Collection, México; BulgaryCollection, Italia o Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla, entre otras.

Fechas: Hasta el 19 de marzo de 2023
Lugar: CAAC Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla

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Todo es verdad. Ficciones y documentos

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La exposición Todo es verdad. Ficciones y documentos (1987-2020), que puede visitarse en el Museo Universidad de Navarra, propone recorrer de forma ‘total’, la singular trayectoria artística de Jorge Ribalta (Barcelona, 1963). Tras su paso por la Fundación Mapfre, en Madrid, entidad coproductora de la muestra, esta adquiere una nueva significación en las salas del MUN. Incluye, además, Scrambling, el trabajo que el autor realizó en la Alhambra de Granada para el proyecto de residencia artística Tender Puentes del Museo.

Todo es verdad. Ficciones y documentos (1987-2020). Jorge Ribalta

“El espectador va a encontrar una gran variedad de registros fotográficos, desde imágenes construidas sobre tela emulsionada hasta algunas en color -predomina el blanco y negro-. Son trabajos de fotografía ficcionalizada o teatralizada hasta llegar al trabajo actual, con un discurso sobre el documento, para acabar con una parte en la que se mezcla lo documental con lo teatral”, explica el artista. En su presentación a los medios, ha estado acompañado por Valentín Roma, comisario de la exposición; y Valentín Vallhonrat, director artístico del Museo junto con Rafael Levenfeld.

ILUSIONISMO Y DOCUMENTAL

La retrospectiva, que sigue un orden cronológico, recoge la biografía artística de un autor profundamente original, que ha dedicado buena parte de su camino profesional a la práctica artística en el campo de la fotografía, al comisariado, la gestión cultural, la crítica, la investigación y la edición.  El recorrido se inicia en 1987 y llega en 2005 a un punto de inflexión: el paso de una fotografía ilusionista, que explora poéticamente el naturalismo, a una que aborda la reinvención de la fotografía documental y llega hasta el presente.

El cambio en su trabajo, el paso a la tradición más documental, surgió tras el Fórum de las Culturas, celebrado en Barcelona en 2004. “Este evento ha marcado la historia urbanística de la ciudad. Intento representar el paso de una ciudad industrial a la postindustrial. Es el elemento que desencadena cuestiones que vendrán después, como el estudio del campo cultural, el paso de un modelo económico a otro”.

Todo es verdad. Ficciones y documentos (1987-2020). Jorge Ribalta

En palabras del artista, la exposición ha supuesto “una reconciliación” con su trabajo anterior, “siendo fiel” a su posición actual, y una oportunidad para “problematizar estas oposiciones fáciles entre ficción y no ficción. También lo documental es una forma de ficción y la ficción una forma de representar la época. Hay dos tradiciones antagónicas, pero es más complejo de lo que podemos pensar”. El título, un homenaje al comisario y editor Julián Rodríguez, está inspirado en el conocido e inacabado documental de Orson Welles It’s All True (1941-1943): “En una época en la que se habla de que la fotografía ha muerto, de la posverdad y la posfotografía, se trata de defender que la gran aportación de la fotografía en la modernidad es el principio de realidad. Y, hoy más que nunca, en el actual contexto que lo pone en cuestión, precisamente la tarea es preservarlo”.

TENDER PUENTES

La muestra incluye la serie Scrambling, su participación en el proyecto curatorial Tender Puentes. Ribalta se inspiró especialmente en una obra de Charles Clifford, perteneciente a la Colección del MUN, escogida por Roland Barthes en su célebre libro La cámara lúcida.

“La serie, que parte de algunas fotografías de Clifford hechas en la Alhambra en un viaje que realizó el fotógrafo en la década de los 60 del siglo XIX, intenta mostrar cómo funciona el monumento. Considera que no es algo que pervive del pasado sino como una fábrica en la que intervienen todos los elementos que lo integran: seguridad, conservación, mantenimiento, explotación… El trabajo intenta visibilizar ese funcionamiento y está hecho, precisamente, cuando se restauró el sistema hidráulico del Patio de los Leones en el año 2011. Funciona como una metáfora, como si el monumento estuviera en una mesa de disección, con el vientre abierto, y vemos qué tiene dentro”, cuenta el autor.

La muestra, que reúne más de 600 fotografías, una pieza formada por cuatro proyecciones y tres vitrinas con documentos y otros materiales, como las fotografías originales de Clifford pertenecientes al MUN y que sirvieron de inspiración para Scrambling, no solo supone un viaje a través del quehacer fotográfico de Ribalta, sino que también da cuenta del pulso de la época en la que inscribe cada trabajo.


Fechas: Hasta el 12 de marzo de 2023
Lugar: Museo Universidad de Navarra, Pamplona – Navarra

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