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STOP VUELVO PRONTO STOP. Linarejos Moreno en CentroCentro

Written by: Sara Torres Sifón • 24 septiembre, 2019

Ya puede visitarse STOP VUELVO PRONTO STOP, una propuesta de Linarejos Moreno (Madrid, 1974), comisariada por Ana G. Alarcón, que se enmarca en el centenario del Palacio de Cibeles.

Foto Lukasz Michalak

La exposición se concibe como una gran pieza procesual participativa en la que diferentes colectivos intervendrán la obra inicial planteada por Linarejos Moreno que parte del telegrama como objeto para proponer una reflexión antropológica de la comunicación y de su evolución a lo largo del último siglo.

A partir del telegrama como objeto se propone una reflexión sobre el significado del mensaje escrito y su uso ligado a grandes acontecimientos sociales a lo largo de la historia. Moreno plantea cuestiones vinculadas a la manera en que nos relacionamos, a la evolución de nuestras necesidades de comunicación y a cómo el mensaje escrito ha ido adaptándose y transformándose a través del tiempo.

La exposición toma como punto de partida lienzos en blanco (arpilleras en blanco con unas líneas trazadas a modo de libreta, elaboradas por Moreno), que serán intervenidos a lo largo de los próximos meses por diferentes colectivos; entre otros, estudiantes de primaria que visitan el centro dentro del programa Madrid, un libro abierto, organizado por el Ayuntamiento de Madrid. Todos irán completando las obras junto a la artista, transcribiendo al código Morse mensajes creados a partir de telegramas reales.

Datados entre 1945 y 1980, estos telegramas son testimonio tanto del día a día de la ciudadanía como de los grandes cambios sociales ocurridos en España. Se agrupan en la exposición según su contenido: mensajes de SOS, felicitaciones, defunciones, nacimientos y otros relacionados con la apertura del turismo en nuestro país, a partir de los años 60. Proceden tanto de una convocatoria lanzada en junio desde CentroCentro, en la que se invitaba al público a compartir copias de antiguos telegramas; así como de lotes que pertenecen a personas cercanas a la artista y otros que han sido adquiridos. La exposición recoge asimismo memorias de los telegramas, testimonios de diferentes personas que en su día los enviaron o recibieron, y que han sido reunidos gracias a la colaboración, entre otros, de la Asociación de Amigos del Telégrafo y del Museo Postal y Telegráfico.

Foto Lukasz Michalak

La exposición cuenta con la colaboración del Museo Postal y Telegráfico, la Asociación de Amigos del Telégrafo, el Foro de Empresas y el programa Madrid, un libro abierto.

¿Quieres participar?

El 9 de octubre, de 18:30 a 20:00 h, tendrá lugar el primer taller, dirigido a públicos de todas las edades. Cada participante podrá crear su propio mensaje en código Morse, que quedará reflejado en la muestra y pasará a formar parte de la obra. Las inscripciones se pueden realizar a través del correo aprendizajecolectivo@centrocentro.org o por teléfono: 914 800 008.

El 14 de diciembre, tendrá lugar una performance carácter experimental a cargo de Marina Lujua Bellido, quien propondrá una lectura de los lienzos ya finalizados en la que las piezas pictóricas servirán como texto musical y el código Morse de las mismas se cantará o instrumentalizará como si de una partitura se tratara.

Fechas: Hasta el 12 de abril de 2020
Lugar: CentroCentro, Madrid

Jimena Kato “mmmm”

Written by: Oscar Garcia Garcia • 24 septiembre, 2019

Twin Gallery inaugura la temporada con la exposición de Jimena Kato “mmmm”. La artista peruana presenta un grupo de piezas escultóricas –principalmente realizadas con cerámica, concreto, arena y cera de abeja–: “Quiero dar énfasis en el tejido-membrana-estructura. Repensar las nociones que tenemos de construcción de verticalidad y de estabilidad, no solo de los conceptos sino de maneras de hacer”.

“mmmm consiste en un grupo de piezas escultóricas con un eje principal en las articulaciones, una especie de hilo conductor entre membrana-articulación-estructura-equilibrio-volumen-peso-caída. Son piezas que son a la vez escultura-dibujo-tejido, utilizando módulos como base estructural. Quiero dar énfasis en el tejido-membrana-estructura. Danzar como dibujar en el espacio, dibujar como pintar, como tejer, tejer como creación de estructuras blandas. Repensar las nociones que tenemos de construcción de verticalidad y de estabilidad, no solo de los conceptos sino de maneras de hacer. El proyecto consiste en la realización de piezas escultóricas que yuxtaponen las tensiones entre lo rígido y lo elástico, las posibilidades articulativas de las piezas en una especie de hipertrofia de su estructura inicial. Los principales materiales son la cerámica, el concreto, la arena y la cera de abeja. Éstas a su vez se relacionan y contextualizan con las imágenes. Estas imágenes nos relatan de manera más específica el origen de estas piezas, son vectores que nos indican de dónde vienen y hacia dónde van las piezas escultóricas”, Jimena Kato.

Jimena Kato

Nacida en Lima, Perú, Kato estudió pintura y dibujo académico en la Escuela de Arte Corriente Alterna y fotografía en el Instituto Gaudí (hoy Centro de la Imagen) en Lima antes de embarcarse a Europa donde estudió en ESADMM, la Escuela Superior de Arte y Diseño en Marsella, Francia, obteniendo el DNSEP y especializándose en escultura y vídeo; obtuvo el post-diploma en Sint-Lukas Hogeschool de Bruselas en arte y nuevos medios. Actualmente reside en Madrid. Sus proyectos a menudo giran en torno a procesos escultóricos que recrean arquetipos arquitectónicos y de construcción hechos de materiales fabricados a mano e industriales, y vídeos en bucle en los que se señala y cuestiona el volumen a través de la bidimensionalidad del medio. Su trabajo explora la noción de espacio como un contenedor en las instalaciones, así como el uso del texto como herramienta para involucrar al espectador con el espacio. Ha participado recientemente en diversas exposiciones colectivas e individuales en diferentes centros de arte, galerías y espacios alternativos en Madrid, Santander, Poznan, Varsovia, Lima, Bogotá, Hasselt, Bruselas, Paris y Philadelphia entre otros. Obtuvo también el Premio de Adquisición en Reconocimiento a la Creación de la Universidad Nebrija 2018 y las Ayudas a la Creación de la Comunidad de Madrid, ha participado de residencias y workshops en el Ujazdowski Castle Centre for Contemporary Art, Varsovia, así como del programa de Residencias Ranchito de Matadero en Madrid y Artista x Artista en la Habana.

Artista: Jimena Kato
Fechas: Del 12 de septiembre al 26 de octubre de 2019
Lugar: Twin Gallery, Madrid

9COSSOS. Exposición colectiva de performance art

Written by: Oscar Garcia Garcia • 23 septiembre, 2019

Miguel Andrés presenta su último proyecto expositivo 9COSSOS para la galería independiente Escalera de Incendios que participa en la quinta edición de Young Gallery Weekend . Un proyecto comisariado por Miguel Andrés en colaboración con la directora de la galería Anna García, que se presentará en Anaglifos Art Factory los días 27, 28 y 29 de septiembre.

9COSSOS es una exposición colectiva que consta de las obras de 9 artistas del performance, nacionales e internacionales, que tiene como objetivo dotar de relevancia al performance art y exponer el cuerpo humano como medio de expresión . En la exposición podremos encontrar obras como registros de performances pasadas, fotografías, vídeos, instalaciones y procesos de investigación con el cuerpo como medio de expresión.

Nueve artistas con sus diferentes vivencias, procesos de investigación, acciones, pensamientos y conceptos que se expresan a través de su cuerpo. Diversas maneras de concebir el performance art:

BBB JOHANNES DEIMLING con su obra ‘One day I’m gonna make the onion cry #5’ nos transporta a un mundo onírico lleno de color e investigación estética que gradualmente accede a todos nuestros sentidos para formar una visión holística de las banalidades de la vida cotidiana con todos sus desafíos y cambios. Johannes hace de su cuerpo un lienzo en el que colorear su propio mundo.

CAMILA CAÑEQUE parte de la ausencia del cuerpo con su obra ‘COLCHÓN / MATTRESS’. La fotografía de un simple colchón nos recuerda la ausencia de su cuerpo. Concepto puro.

MARC MONTIJANO con su proyecto ‘Las dos naturalezas (Metamorfosis XXI)’ trabaja con el principio de las dos naturalezas del ser humano: una material y otra espiritual. Y nos propone como en estos tiempos de celebración del ego y materialismo desmedido nos hemos olvidado de la segunda, hemos sepultado la parte espiritual.

MIGUEL ANDRÉS nos presenta ‘HIV Rejected’. Con todo su cuerpo marcado con un sello rojo que anuncia ‘HIV Rejected’ nos recuerda el estigma y el rechazo que siguen viviendo las personas portadoras del VIH, tal y como el propio artista experimenta en su cuerpo seropositivo.

NATALIA CARMINATI presenta ‘Sand Walk: Love struggling against Time’. Una pieza que experimenta integrando performance, instalación, streaming de video en directo y sonido experimental. La intención del cuerpo es lograr la emasculación por medio de la repetición para alcanzar el gesto intrínseco de cada acción, desprovisto de la personalidad del intérprete y vacío de interpretación.

NINA MASKIEL & MISHKA BECKMANN nos conducen a un diálogo sobre la identidad, el transhumanismo, la subversión de los ideales del cuerpo y las normas de belleza con su obra ‘Puncture’. Conceptualmente es una expresión de autoexploración y tiene como objetivo subvertir e interrumpir el cuerpo.

OMAR JEREZ & JULIA MARTÍNEZ nos hacen viajar a Nápoles, cuna de la Camorra italiana. Con ‘Il Corriere della Camorra’ los artistas denuncian a la organización criminal mediante el reparto de 6000 ejemplares (número estimado de las víctimas de la organización) de un periódico ficticio que muestra los estragos que genera la mafia.

MÁS-QUE-HUMANAS. Dominique González-Foerster y Tomás Saraceno

Written by: Sara Torres Sifón • 23 septiembre, 2019

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y Thyssen Bornemisza Art Contemporary (TBA21) presentan una exposición de arte contemporáneo que incluye obras claves de dos de los principales artistas del ámbito internacional: Dominique González-Foerster y Tomás Saraceno. La muestra invita al espectador a reflexionar sobre las tecnologías humanas y no humanas, la cultura del Antropoceno, nuestra propia inteligencia y la de otras especies y la atracción y el poder de lo desconocido. Más-que-humanas es la tercera colaboración entre ambas instituciones y ofrece, además, un amplio y significativo programa de actividades públicas.

Dominique González-Foerster se inspira en el modernismo, la arquitectura, la literatura y el cine, aunque su interés se centra no tanto en la narración como en el placer producido por la atmósfera de la imagen. En la ilusión holográfica OPERA (QM.15) (2016), la artista aparece caracterizada como la cantante María Callas y sincroniza el movimiento de sus labios con el sonido de algunas de sus arias más famosas. Proyectada en un espacio oscuro, su figura parece una aparición fantasmagórica de la propia Callas.

La obra forma parte de una serie en la que la artista adopta la identidad de personajes famosos fallecidos, como las actrices Marilyn Monroe o Sarah Bernhardt. El trabajo se basa en la historia de la fotografía, los comienzos del cine y en lo sobrenatural y se plantea como “una especie de sesión de espiritismo”, según González-Foerster.

Tomás Saraceno es conocido por proyectos de investigación, como Aerocene (una investigación sobre medios de transporte alternativos que no requieren combustible fósil), y por sus colaboraciones con arañas. Aracnólogos, entomólogos, etólogos y geógrafos trabajan en su estudio para explorar las complejas formas de la arquitectura o la cultura arácnida.

El artista presenta, entre otros trabajos recientes, la instalación ¿Cómo atrapar el universo en una telaraña? (2018). La obra forma parte de sus célebres estudios sobre las telas de araña, cuyas complejas estructuras parecen pequeños universos que superan muchas de las construcciones hechas por los humanos. Saraceno amplifica sus vibraciones, como si fueran instrumentos musicales, haciéndolas audibles para el oído humano. Estos paisajes flotantes enredados crean conexiones sensoriales y vivas a través de los ecosistemas, resonando entre los visitantes para crear una conciencia más plena de las voces no escuchadas e inadvertidas que nos rodean.

En Más-que-humanas la comisaria de la exposición, Stefanie Hessler, vincula la capacidad de las arañas de percibir e interpretar vibraciones con las vibraciones de las cuerdas vocales de los cantantes de opera, que llegan a provocar experiencias conmovedoras entre el público que escucha: “los patrones de las telarañas tienen cierto parecido con las figuras matemáticas de la música. Ambos están repletos de sensualidad: la sedosa elasticidad de la tela de araña que responde a su entorno por medio de vibraciones y la voz del cantante que hace vibrar el cuerpo de quien escucha. (…) Las dos nos invitan a alcanzar la armonía con nuestro entorno y a sentir aquello que existe más allá de la retina, más allá del ámbito de los visible.”

Programa de actividades

La exposición ofrece un amplio programa de actividades públicas desarrollado entre TBA21 y EducaThyssen, que abarca desde una charla inaugural con los artistas el 24 de septiembre a un taller sobre aracnofilia y mapeo de telarañas, además de un espacio de investigación -específico para las exposiciones TBA21- que incluye recursos para los visitantes, encuentros con especialistas y sesiones formativas.

Para la elaboración de este programa se ha contado con la colaboración de instituciones como MediaLab Prado, el Teatro Real, la Universidad Complutense de Madrid, la escuela municipal de música María Dolores Pradera o el Consejo Superior de Investigaciones Científicas.

En el canal de youtube de TBA21 se irá recopilando material divulgativo, como entrevistas con artistas, charlas y otras actividades, que quedarán a disposición del público también en la web del museo.

Fechas: Del 25 de septiembre al 1 de diciembre de 2019
Lugar: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

Marvin Liberman y sus inquietantes esculturas en Espacio Primavera 9

Written by: Victoria Arribas Roldán • 23 septiembre, 2019

Marvin Liberman es el artista elegido por Espacio Primavera 9 para arrancar la nueva temporada expositiva. Bajo el título Imperfecto. Una senda incierta, se presentan una serie de esculturas del artista, todas de corte abstracto y realizadas con ramas de árboles en las que el artista incorpora textil.

El uso del textil en Liberman viene dado por su paso por Bolivia y su encuentro con los tejidos andinos, que lo cautiva y lo conduce a elegir el textil como material de trabajo. En estas obras, vemos que ha aplicado color a las telas, tal vez como un guiño a su formación como pintor y que, por otra parte, recuerda sus anteriores trabajos en pastel en gran formato.

Las esculturas de Liberman, que resultan un tanto enigmáticas e inquietantes, conviven con dibujos del artista, también abstractos y llevados a cabo a lápiz y grafito; Estos dibujos, donde los senderos se bifurcan, exploran un equilibrio precario que refleja las efímeras (o duraderas) relaciones que establecemos entre nosotros o los trasfondos inestables que nos acompañan. Son imágenes que no cuentan una historia, no describen nada. Simplemente exploran el sentido, usando como herramienta el lenguaje de la abstracción y el inconsciente.

Artista: Martin Liberman
Fechas: hasta el 4 de octubre de 2019
Lugar: Espacio Primavera 9, Madrid

La caída y otras formas de vida. Sara Ramo en Alcalá 31

Written by: Sara Torres Sifón • 20 septiembre, 2019

La Sala Alcalá 31 acoge la exposición “La caída y otras formas de vida” de la artista hispano-brasileña Sara Ramo, una instalación realizada ex profeso para este espacio.

Sara Ramo plantea una falsa pared que desestabiliza el espacio expositivo, que genera asimetría y pone de manifiesto su propia condición de simulacro. La exposición se articula en dos espacios: en la planta baja, la artista trabaja de manera intensiva las columnas de la sala desde un punto de vista estructural, pero también simbólico. De esta manera, genera una nueva interpretación de este elemento arquitectónico de la Sala Alcalá 31, que fue en el pasado sede del Banco Mercantil e Industrial, a partir de materiales heterogéneos y, en su mayor parte, descartables.

En la segunda planta, Sara Ramo propone un orden ligeramente diferente, pero complementario con el anterior, a través de un conjunto de collages textiles que tienen algo de banderas o estandartes, entre la manifestación y la procesión, respetando y parodiando a la vez las formas de exhibición de una galería de arte clásica.

Sara Ramo

Nacida en Madrid en 1975, Ramo es una de las artistas más destacadas de su generación. Su trabajo suele profundizar en la relación del ser humano con los objetos, generando nuevas posibilidades narrativas que tienen consecuencias espaciales y temporales.

Ramo ha expuesto sus creaciones en instituciones como Travesía Cuatro de Madrid, el Museum of Contemporary Art de Moscú, Matadero Madrid, el Centre d’lArt la Panera de Lleida, el Espacio de Arte Contemporáneo de Montevideo (Uruguay), el Centro Cultural Banco do Brasil de São Paulo o CA2M (Centro Dos de Mayo) de Madrid.

Asimismo, también ha colaborado en el Panorama del arte brasileño de MAM-São Paulo en 2011, la Bienal de Sharjah 11 (Emiratos Árabes Unidos) y la Bienal de São Paulo en 2010. Por otra parte, participó en la Bienal de Venecia en 2009 y en el 10º Aniversario de Inhotim, Belo Horizonte (Brasil).

Fechas: Hasta el 3 de noviembre de 2019
Lugar: Sala Alcalá 31, Madrid

Urania de Eduardo Alonso Rico en Galería Javier Silva

Written by: Sara Torres Sifón • 20 septiembre, 2019

La galería Javier Silva expone ‘Urania’, un proyecto de Eduardo Alonso Rico en el que dos de sus procesos de trabajo, aparentemente divergentes, experimentan su interrelación y conexión visual.

Urania es una de las mueve musas de la antigüedad. Aunque su origen no es del todo claro, podría ser la hija de Gea y de Urano. En un principio auspiciaba espacios de disfrute para el conocimiento y más tarde fue designada como protectora de la astronomía. Se le atribuye el habernos inspirado la curiosidad por las estrellas, el ir más allá, el preguntarnos el por qué de las cosas. Se la representaba usualmente con un compás de medición y una esfera, apuntando quizá a la inquietud humana por conocer a fondo lo que nos rodea y el deseo de explorarlo. Sin duda, Urania encarnaría mejor que ninguna otra musa la pasión de volar, de alzarse por encima de nuestras limitaciones. Y, también, el placer de experimentar la observación, la búsqueda, el descubrimiento.

Eduardo Alonso, en su papel de artista-observador, detectó una fuerte conexión visual entre piezas de procesos distintos. Por un lado dibujaba imágenes de autores del siglo XIX, como práctica de cuestionamiento del valor tradicional de la copia. Por otro, fotografiaba experiencias de vuelo con su teléfono móvil, como cuerpo troncal de un archivo personal.

Así, entre 2013 y 2019, Eduardo ha estado produciendo una abundante serie de dibujos y fotografías, aparentemente divergentes en la forma y el fondo, pero cuya yuxtaposición en el estudio generaba sin embargo una poderosa interrelación entre los dos campos de prueba, a modo de ensayo fisionómico, un tanto a lo Charles Le Brun y el trabajo comparativo que realizaba hacia 1670.

Ambos procesos de trabajo han hallado también la forma de dialogar en la sala de la galería. Y lo hacen generando algo nuevo: un contrapunto narrativo entre el pasado y el presente, entre el dibujo y la fotografía, entre lo humano que nos ancla a la tierra y la máquina que nos permite volar, entre lo creíble y lo posible.

Eduardo Alonso Rico es un artista plástico que desarrolla principalmente su trabajo a través de procesos. En su materialización utiliza técnicas como el dibujo, la pintura, la fotografía y el objeto. Su obra se viene mostrando desde hace años en numerosas galerías de arte, fundaciones y ferias de arte contemporáneo.

Puntualmente colabora con instituciones del ámbito de la cultura aeronáutica, participando en varios grupos de restauración y conservación de aeronaves históricas, ligados a diferentes fundaciones y al Ejército del Aire. Esta labor se centra ahora en la elaboración de un archivo sobre patrimonio histórico aeronáutico y la puesta en vuelo de un avión clásico, un proceso cuya documentación formará parte de un nuevo proyecto expositivo.

Posee una licencia de vuelo activa y su trabajo se centra desde 2013 en procesos transversales entre la cultura aeronáutica y el arte contemporáneo, como se ha podido ver en exposiciones individuales como Huellas en la Galeria Coll Blanc o HA-300 en la Galería Javier Silva.

Fechas: Del 20 de septiembre al 4 de noviembre de 2019
Lugar: Galería Javier Silva, Valladolid

La colección “Cuadratura” llega a Madrid

Written by: Oscar Garcia Garcia • 20 septiembre, 2019

Hace más de medio siglo que las paredes de la Bodega del Riojano, en Santander, alojan una sorprendente colección de obras circulares: el Museo Redondo. La idea nació cuando diferentes artistas (nombres como los de Juan Genovés o Mompó) comenzaron a pintar sobre las tapas de las barricas almacenadas.

Hoy, la colección tiene su continuidad gracias al impulso por parte de Carlos Crespo, su actual propietario y promotor. En colaboración con el artista Okuda San Miguel y su equipo Ink and Movement (IAM), en 2017 el Museo Redondo asume bajo su batuta el reto de aunar tradición y modernidad, además de arte y gastronomía.

Nace así la colección “Cuadratura”. Una muestra que ofrece un nuevo horizonte por descubrir, colocando el punto de mira en reconocidos talentos del nuevo arte contemporáneo. Desde entonces y a lo largo de tres ediciones, la muestra ha ido contando con la participación de artistas consagrados de aquí y de allá, como 3ttman, Agostino Iacurci, Amandine Urruty, Anna Taratiel, Bruno Pontiroli, Demsky j, Dmitri Aske, Dulk, Grip Face, Eltono, Franco Fasoli, Hell’O, Kenor, Martí Sawe, Miss Van, Nano4814, Nuria Mora, Okuda San Miguel, PichiAvo, Rosh333, Sabek, Samuel Salcedo, SatOne, Sebas Velasco, Sixe Paredes, Spok Brillor, Smithe y Suso33.

En todo este tiempo, “Cuadratura” también ha salido de su hábitat natural: se dejó ver en las dos últimas ediciones de Arte Santander y este verano también asomó por la Universidad Internacional Menéndez Pelayo. Ahora llega a la Galería Kreisler (Hermosilla, 8, Madrid) hasta el 1 de octubre con todos sus cuadros: treinta obras que no te dejarán indiferente y que solo podrás ver allí y entonces.

Fechas: Del 17 de septiembre al 1 de octubre 2019
Lugar: Galería Kreisler, Madrid

ART HOUSE HOLLAND sigue creciendo

Written by: Oscar Garcia Garcia • 19 septiembre, 2019

Es un placer para nosotros contaros como la residencia artística Art House Holland by PAC sigue creciendo de la mano de grandes artistas. Os presentamos a sus nuevos residentes: Barry Wolfryd, Patricia Ruvalcaba, Erin Gatz, Irene García y Peter Kromhout.

Barry Wolfryd (Los Ángeles, USA)
Artist in Residence 2019.
Barry Wolfryd nació en Los Ángeles, California, pero ha dirigido la mayor parte de su carrera artística en México, donde ha vivido durante los últimos 40 años. Las influencias de la música de los sesenta de Dylan a Frank Zappa y la escena artística de Nueva York inspiraron a Wolfryd a realizar sus primeras pruebas creativas. Estas experiencias desarrollaron una base ideológica que él vincularía con la cultura por medio de la conciencia histórica y la crítica social. Wolfryd comenzó sus estudios artísticos en 1972 en el Colegio Comunitario Housatonic en Bridgeport, Connecticut, EE. UU. A los 22 años se mudó a México, llegó a Cholula, Puebla y comenzó sus estudios en la Universidad de las Américas. En 1975 se matriculó en el Instituto Allende en San Miguel Allende, Guanajuato, México. En 1982, estudió en el Chicago Art Institute y en 1984 en el Instituto Nacional de las Artes en San Luis Potosí, México. En 1985 se trasladó a la ciudad de México donde amplió sus actividades artísticas. Estuvo presente durante el terremoto del 19 de septiembre de ese año. De esta tragedia, el artista y el arte en México dieron un giro histórico a los acontecimientos. Wolfryd se convirtió en un jugador activo en la nueva visión y dinámica que superó a “La Ruptura”, establecida por la generación anterior de artistas como José Luis Cuevas y Manuel Felguérez. En 1986 tuvo su primera gran exposición individual y comenzó a participar en exposiciones nacionales e internacionales en la Ciudad de México, Chicago, Dallas, San Antonio, Los Ángeles, Nueva York y Roma. Desde entonces ha tenido 35 exposiciones individuales y ha participado en más de 100 exposiciones en galerías y museos.

Patricia Ruvalcaba (Guadalajara, México)
Artist in Residence 2019.
Nacida en Guadalajara, Jalisco, México, Patricia Ruvalcaba es periodista, escritora, editora y guionista. Su trayectoria incluye la fundación del periódico Siglo 21 de Guadalajara, y colaboraciones en periódicos como La Jornada y El País, y revistas como Siempre! Escala y La Unidad. Fue miembro de los equipos de guionistas de Grupo Argos y de Canal Once, y más tarde, entre 2005 y 2008, corresponsal del grupo Milenio en California. A su regreso a México en 2008, fundó para el Fideicomiso Centro Histórico la revista mensual Km. Cero, Noticias del Centro Histórico de la Ciudad de México, de la cual fue coeditora y reportera hasta 2015. Patricia es coautora del libro de entrevistas Siluetas del Centro Histórico. Entre 2016 y 2018 trabajó para la compañía EON Reality México escribiendo guiones literarios para aplicaciones educativas en realidad virtual y realidad aumentada. Actualmente, Patricia realiza una investigación sobre la memoria, en particular sobre los primeros recuerdos de las personas. “Todos somos literatura viviente. Los recuerdos más antiguos son piezas narrativas cargadas de una poderosa emoción primigenia, y eso es lo que me interesa explorar”, dice. Durante junio de 2019, Patricia trabajó en Art House Holland sobre este proyecto de literatura testimonial que pronto será publicado.
Sobre su experiencia en Art House Holland, afirma: “Sentí una conexión inmediata con la comunidad de artistas residentes y con el crew. Fueron 30 días de magia, colaboración y empatía. La residencia está en las afueras de Leiden, a una distancia perfecta para disfrutar la ciudad, sin dejarse absorver por su encanto. Otra maravilla, totalmente inesperada, fue la actividad de la naturaleza en los alrededores de la residencia. Transitábamos de los resabios de la primavera al inicio del verano. El tiempo estaba revuelto, era impredecible, y si ponía atenciíón, se podía percibir el afanoso el crecimiento de los pastos y de los árboles. A todas horas se escuchaban cantos, graznidos o gorjeos, o el ulular del viento seguido del golpeteo de la lluvia y el chirrido de los grillos. La elocuencia de la naturaleza discurría en paralelo con la laboriosidad de los artistas plásticos en los talleres. Ese entorno, y las charlas con los artistas, me enriquecieron tremendamente”.

Erin Gatz (Pittsburg, USA)
Artist in Residence 2019.
Erin creció en Pittsburgh y se graduó de las Escuelas Públicas de Pittsburgh. Tiene una maestría en Sociología y Estudios de Equidad en Educación de la Universidad de Toronto y es estudiante de doctorado en Ciencias Políticas de Aprendizaje en la Universidad de Pittsburgh. Erin cofundó la PGH Zine Fair en 2011 y es DJ fundadora de la fiesta de baile YASS QUEEN desde 2016. También es cofundadora y directora de Prototype Pittsburgh, “un espacio feminista de fabricantes donde enseñamos a las mujeres cómo usar herramientas y equipos de alta tecnología. Nuestra misión es construir equidad racial y de género en tecnología y emprendimiento al proporcionar acceso asequible a herramientas y equipos de alta tecnología, ofreciendo talleres que prioricen las experiencias de las mujeres cultivando una red de apoyo profesional inclusiva de género”.

Irene García (Madrid, España, 1994)
Artist in Residence 2019.
Irene García (Madrid, 1994) Habla a través de la pintura y del arte digital de la realidad moderna. Una realidad donde figuras humanas se entremezclan con arquitecturas y geometrías convirtiéndose en uno. Su trabajo está basado en las formas naturales y orgánicas de la figura humana y las múltiples luces y sombras que estas comprenden, conjugándose con líneas limpias y formas arquitectónicas. A través de su trabajo analiza las relaciones diarias que se establecen entre las personas en el contexto de lo urbano. A través de su trabajo, descompone su entorno para posteriormente volver a componerlo de nuevo a su medida creando múltiples realidades. Conformando una especie de collage visual que sirve de campo para explorar la vida moderna.

Peter Kromhout (Netherlands)
Artist in Residence 2019.
Peter es un artista que intenta crear espacio y tiempo para trabajar en el arte junto a dos niños pequeños y un trabajo. Ya desde muy joven dibujaba y podía pasar horas haciéndolo. “Hay un fuerte impulso en mí para crear cosas tangibles. Durante mi vida estudiantil, perdí mi pasión por dibujar un poco y pasé un poco de tiempo creando algunos muebles. Hace solo 5 años comencé a pintar sobre lienzo y con pinturas acrílicas”. Las fuentes de inspiración son amplias en su trabajo, pero como se puede ver también encuentra su propio estilo, le interesa el trabajo figurativo con un toque de pop-art y comic-art. “Cuando viajo y visito otros países y ciudades, trato de encontrar arte local que me inspire a crear el mío. Mi trabajo está hecho de recuerdos de la juventud de los viajes realizados, y siempre tiene un mensaje oculto en su interior. Me espera un período de tiempo libre y un descanso de mi trabajo habitual”.

Entrevista Haimney + Pabli Stein

Written by: Elena Tavelli • 19 septiembre, 2019

Hace un año y medio, en el barrio de El Born, en Barcelona, abría sus puertas Haimney, un espacio multidisciplinario creado por Irene Carbonari y Mariano Sosto, dos músicos y comisarios de arte argentinos, con intención de apoyar y difundir el arte y el diseño contemporáneo internacional. Hasta mediados de octubre, Pabli Stein estará exponiendo allí sus últimos trabajos y junto a PAC aprovechamos la oportunidad para conversar con todos ellos.

Retrato de Pabli Stein y Equipo Haimnley. Fotografía de Silvia Rocchino. Cortesía de la Galería.

PAC: Irene, cuéntanos un poco de qué se trata Haimney…

Irene Carbonari: Haimney es un espacio para la cultura, es una productora enfocada en la producción y la difusión del arte y el diseño contemporáneo. Contamos con un espacio de 400 m2 en el centro de Barcelona, donde realizamos workshops, exhibiciones de arte y pop-ups de diseñadores independientes. También tenemos un estudio de filmación y fotografía. En resumen: es un gran hub creativo.

PAC: ¿Y quiénes lo dirigen?

IC: Somos un equipo multidisciplinario e internacional: seis músicos, diseñadores y artistas provenientes de Argentina, Italia, Rusia Canadá y EEUU.

PAC: ¿Qué crees que le aporta al espacio el hecho de que, el colectivo de creativos que lo dirige, cuente con nacionalidades tan diversas?

IC: Bueno, nuestra intención con este proyecto es, en gran medida, lograr que la globalización no sólo esté vinculada a sus consecuencias negativas. Nosotros creemos que, incorporando las singularidades de cada cultura, vamos a poder generar una nueva visión del arte y el diseño, una más holística seguramente, que genere una sinergia entre los distintos puntos de vista.

PAC: Teniendo en cuenta que todos son inmigrantes en España, ¿qué tan fácil o difícil fue insertarse dentro de la comunidad artística catalana?

IC: Siendo inmigrante, creo que es complicado insertarse dentro de cualquier comunidad artística. De todas formas, Barcelona es la ciudad española con mayor cantidad de inmigrantes argentinos, así que desde el primer día tuvimos gran nivel de concurrencia. A los compatriotas se les sumaron los turistas y muy de a poco, fuimos logrando la aceptación de la escena local. Hoy por hoy, ya hemos expuesto a más de 20
artistas catalanes…

PAC: ¿Por qué eligieron apostar por Barcelona y no por Madrid, por ejemplo, donde el mercado de arte contemporáneo está más desarrollado?

IC: Yo estudié en Madrid y claramente, el Reina Sofía, el Prado y Matadero influenciaron mi concepción de lo artístico. Si bien Barcelona tiene una propuesta más limitada que Madrid, lo que podría llegar a verse como un aspecto negativo, para nosotros es la oportunidad de encontrar un nicho y poder aportar algo nuevo. Por otro lado, Barcelona es más cosmopolita, no es sólo una ventana a Europa, también al mundo.

PAC: Habiendo vivido en Buenos Aires tanto tiempo, ¿qué diferencias notás entre la escena artística porteña y la de Barcelona?

IC: Barcelona es una ciudad con mucha historia artística, arquitectónica y de diseño; tiene submundos que actúan como burbujas, con jóvenes locales apoyados por las instituciones más tradicionales de la ciudad. Además de eso, cuenta con artistas de todas partes del mundo. Es una ciudad fuertemente influenciada por los ciclos de la naturaleza y las temporadas. Por otro lado, Buenos Aires tiene una carga política/social que nos resulta inevitablemente atractiva y estimulante. Con muy pocas herramientas, los artistas logran desarrollar su creatividad al máximo, hasta alcanzar un gran nivel internacional.

PAC: ¿Qué planes tienen para Haimney en el futuro?

IC: Haimney en Barcelona es sólo el principio de lo que queremos generar. La idea es empezar a llevar contenido a espacios complementarios en otras ciudades; queremos abrir una red de colaboración extensa que comprenda mínimamente Latinoamérica y Europa. Las galerías de arte están mutando y en ese sentido, el dinamismo nos parece una herramienta fundamental para adaptarse a las nuevas necesidades.

PAC: ¿Cómo surgió la idea de armar una muestra junto a Pabli Stein (Bs As, 1986)?

IC: Justo un día antes de la exposición, nos dimos cuenta de que se cumplían 10 años desde la primera vez que fui comisaria de una muestra de Pabli. De ahí surgió la amistad y se abrió una puerta para seguir trabajando juntos.

Pabli Stein: Hace tiempo que veníamos hablando de volver a hacer algo los dos y cuando Irene vio esta serie de pinturas nuevas en las que estaba trabajando con colores metalizados me dijo ‘vamos con eso’ y pusimos fecha.

PAC: ¿Qué significa para un joven artista latinoamericano poner a circular su obra dentro del mercado de arte europeo?

PS: Esta es mi primera muestra individual en Europa, pero ya había tenido la oportunidad de mostrar en otras exposiciones colectivas de este lado del Atlántico. En relación al mercado no tengo una opinión formada… Mis expectativas siempre van de la mano de mejorar mi pintura. Sí puedo decirte que viajar me nutre, me abre la cabeza y esa es una posibilidad que sin duda trato de aprovechar.

PAC: Volviendo a tu obra, tengo entendido que las pinturas parten de fotografías de moda o publicitarias a las que tapas, velas, oscureces hasta convertir a la figura femenina que aparece en ellas en apenas un rastro o una mancha, ¿qué hay detrás de ese gesto?

PS: Lo que sucede con esas imágenes de moda/publicitarias es que, en ellas, el señalamiento de belleza suele ser demasiado evidente. A mí lo que me interesa rescatar de ellas son las paletas de colores o los recursos pictóricos para luego, traducirlos al papel o la tela. Sobre esa misma imagen o su reproducción, las capas de color se van superponiendo como si fueran estratos de sentido, hasta que lo que aparentaba ser superficial, se convierte en un misterio.

PAC: ¿Y por eso es que las caras se desfiguran u ocultan?

PS: Exacto. En la pintura, un gesto mínimo tiene suficiente fuerza conceptual para tejer dudas o dotar a la imagen de ambigüedad. En esa tensión entre lo que se ve y lo que apenas se sugiere, está mi intención de revalidar la incógnita y resignificar la máscara, sobre todo, en esta época de sobreexposición y “transparencia” en la que vivimos. Creo que ahí, en ese misterio, está el brillo erótico que se perdió: la fuerza de lo oculto.

PAC: En esos contrastes entre las figuras y su desfiguración, entre la oscuridad de la paleta y los matices brillosos, entre los brochazos más intensos y las chorreaduras más sutiles, se esconde cierta sensualidad que, a los ojos del espectador, apuntan al disfrute, una sensación muy subestimada por los efectos de lo conceptual, ¿Qué opinas de todo esto?

PS: No me gusta prescribir lo que la gente debería o no debería sentir sobre mi trabajo… al final, la pintura es como la vida, es dejar que las cosas sucedan.