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La mirada de Julião Sarmento llega a CaixaForum Madrid

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CaixaForum Madrid acoge la exposición “El peso de un gesto. La mirada de Julião Sarmento a las colecciones Gulbenkian, MACBA y “La Caixa”. La exposición, comisariada por el artista Julião Sarmento, llega a Madrid tras su paso por Barcelona, pero lo hace con una selección diferente de artistas y obras.

CaixaForum Madrid

La muestra reúne 29 piezas, desde pinturas hasta fotografías, vídeos o instalaciones. Están representados en ella algunos artistas portugueses fundamentales, como João Onofre, con una larga trayectoria internacional y conocidos desde hace tiempo en nuestro país. Otros forman parte de los fondos de la colección Gulbenkian y representan una novedad para el público no especializado: Gabriel Abrantes, Antonio Areal, Fernando Calhau y Didier Fiuza Faustino.

Uno de los atractivos de la exposición es ver las obras de estos artistas junto a los trabajos de Gerhard Richter, Thomas Struth, Alan Charlton, Christopher Williams, Juan Muñoz, Tony Cragg, Edward Ruscha, Thomas Schütte, Tobias Rehberger, Dominique González-Foerster, James Coleman, Rita McBride y Cristina Iglesias.

Una de las piezas más sorprendentes incluidas en la exposición es el Retrato de Henri Michel-Lévy de Edgar Degas, procedente de la colección de la Fundação Calouste Gulbenkian. Es un óleo de 1878 donde se ve al artista con sus modelos y con los materiales que usa para trabajar. Sarmento ha elegido esta pintura no solamente porque es una de las obras más interesantes de Degas y del museo Gulbenkian, sino especialmente porque alude al acto creativo, a su reflexión y sus referencias, unas referencias que en esta exposición son los cuadros de los demás creadores.

La selección no sigue otro dictado que la sensibilidad de Sarmento. Existe un juego de asociaciones y contrastes que no se detiene nunca: cuerpos, formas, texturas, palabras. La construcción, el equilibrio, el paso del tiempo, la paradoja visual y, por encima de todo, un deseo de simplicidad y de pureza. Colgadas o instaladas en la sala, las obras forman sutiles transiciones que llevan de un concepto a otro, de una idea a otra.

CaixaForum Madrid

Es un recorrido conceptual, formal y, a la vez, sensitivo. Sarmento no establece ningún itinerario concreto, por lo que el recorrido, para el visitante, es completamente libre. La obra de arte, cercana o enigmática, se aborda desde todos los aspectos, como un todo que se dirige al hombre de nuestro tiempo.

Los artistas presentes en la muestra son:

Procedentes de la Colección “la Caixa”: Gerhard Richter, Thomas Struth, Alan Charlton, Christopher Williams, Juan Muñoz, Tony Cragg, Edward Ruscha, Thomas Schütte, Tobias Rehberger y Dominique González-Foerster.
Procedentes de la Colección MACBA: James Coleman, Rita McBride y Cristina Iglesias.
Procedentes de la Colección CAM (Centro Arte Moderna) – Fundação Calouste Gulbenkian: Gabriel Abrantes, António Areal, Fernando Calhau, João Onofre, Didier Fiuza Faustino, Edgar Degas (Fundação Calouste Gulbenkian / Museu)

Alianza entre las colecciones

La unión de obras de las colecciones Gulbenkian, MACBA y La Caixa surge como consecuencia del acuerdo que se firmó, en 2013, para colaborar en el desarrollo conjunto de proyectos sociales, culturales, científicos y de cooperación internacional. Fruto de esa alianza, el año pasado ya pudo verse en el Centro de Arte Moderna (CAM) de la Fundação Calouste Gulbenkian, en Lisboa, Tensión y libertad, una primera exposición con una selección de obras de las tres colecciones.

Dada la colaboración que también mantiene ”la Caixa” con el MACBA para gestionar coordinadamente los fondos de ambas instituciones, los proyectos expositivos con la Fundação Calouste Gulbenkian han podido contar con la participación del centro barcelonés. Desde 2010, ”la Caixa” y el MACBA han llevado a cabo una programación expositiva conjunta a partir de distintas selecciones de los fondos de arte contemporáneo de ambas instituciones, con muestras como Arte, dos puntos; ¡Volumen!; La persistencia de la geometría; Miradas cruzadas o El espejo invertido.

Lugar: CaixaForum Madrid
Fechas: del 22 de junio al 18 de septiembre de 2016.
Imágenes:
2-
Juan Muñoz, Tierra baldía, 1986. Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo © Juan Muñoz Estate, VEGAP, Barcelona, 2016

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Coco Dávez y sus “faceless” viajan a Donosti

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El proyecto “Faceless” de la artista Coco Dávez, tras exponerse en Madrid y Valencia, llega a Donosti. El pasado 23 de Julio se inauguraba la muestra en APARTAMENTO14, una particular tienda de ropa de San Sebastián, que se llena de arte.

Faceless Garfunkel - Coco Dávez

Faceless

Alrededor de noviembre de 2015, la ilustradora Coco Dávez nos sorprende con su nuevo proyecto pictórico Faceless, dando un giro de 360 grados en su trabajo artístico. Desde entonces su nueva colección de descarados solo ha hecho crecer y viajar. Retratos basados en la simplicidad de las formas y la combinación de colores puros, que buscan captar la esencia personal de cada personaje. El rostro desaparece para representar la energía del retratado.

De este modo, la representación realista queda aparcada para dar énfasis a la plasmación de sentimientos, vivencias y recuerdos que transmite el retratado a la autora. Consiguiendo que cada retrato tenga un simbolismo de carácter muy personal, marcado por su concepción vital. En un proceso de esquematización y síntesis convierte el personaje en un icono, un símbolo. Reuniendo Faceless de tonos “fauvistas” como Picasso, Janis Joplin, Andy Warhol, David Lynch, Camarón, Jacques Cousteau, Almodovar, Basquiat, Bill Murray, Jean-Paul Belmondo, Cher, Tim Burton, Patti Smith, Garfunkel, Yayoi Kusama, Kill Bill…

Coco Dávez

Coco Dávez (Madrid, 1989) empieza su carrera artística en Londres en 2010 cuando empieza a colaborar como ilustradora para el periódico “El Mundo”, donde aun trabaja a día de hoy. Desde entonces ha colaborado para medios como Cinemanía, Vanidad, Revista Don, Mala Magazine (Chile) y Han Han (Francia). Además ha creado escenografías, murales y múltiples acciones con marcas (Tommy Hilfiger, Opel, Primark, Absolut Vodka, Ron Barceló, Bankinter, BBVA, DKNY). Para trabajar utiliza desde lápices, gouaches, tinta o acrílicos, combinándolos con diferentes técnicas. En 2015 ilustró el libro “El año sin verano” de Carlos del Amor publicado por Editorial Espasa. Ha impartido talleres sobre ilustración y ha expuesto en Madrid, Valencia, Lisboa y Santiago de Chile.

Artista: Coco Dávez
Fechas: Del 23 de Julio al 25 de Septiembre de 2016
Lugar: APARTAMENTO14 C/Legazpi 1. Donosti – San Sebastián

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Los retratos de Pierre Gonnord

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El Centro de Arte de Alcobendas acoge, hasta principios de septiembre, la exposición “Pierre Gonnord, retratista”, individual del artista ganador del Premio Internacional de Fotografía Ciudad de Alcobendas en 2015. La muestra, comisariada por José María Díaz-Maroto y Belén Poole Quintana, cuenta con un gran número de piezas relevantes del artista.

Pierre Gonnord - Julia

Desde el nacimiento de la fotografía, el retrato ha sido una obsesión para los fotógrafos. Reivindicar y mostrar la epidermis, la huella del tiempo como vida tatuada, ha sido y sigue siendo la pasión de Pierre Gonnord. En sus estoicas obras todo lo que aparece existe, las huellas de luz son huellas del tiempo, retrata figuras sin paisaje, sin artificio, sin otro soporte que la huella del tiempo sobre su piel. El empleo de la luz en busca del volumen da entidad a los rostros, y solidez al entorno. Con esta conducta de trabajo, Pierre Gonnord se adentra en la historia cotidiana de cada uno de los retratados. Bajo el sustento de idealismos espirituales -no solo religiosos- se ha formado el grueso de la selección de las obras expuestas, además de una obra videográfica, realizada íntegramente en yacimientos mineros, donde la mirada, firme y desnuda de los personajes retratados, encarna, de principio a fin, el protagonismo.

Pierre Gonnord - Anibal

Con esta exposición culminan los actos del Premio Internacional de Fotografía Alcobendas, galardón que reconoce la labor en el ámbito internacional en esta disciplina artística, tomándose como referencia y reconocimiento los trabajos realizados en los últimos años, así como la valoración general a la notabilidad de su trayectoria profesional. Su trabajo debe estimular la reflexión sobre las diversas y apasionantes secciones de la fotografía universal, en cualquiera de sus vertientes, valorando de manera prioritaria las acciones, publicaciones y demás proyectos que dignifiquen al ser humano.

Pierre Gonnord - Roggiero II

Fechas: Hasta el 3 de septiembre de 2016
Lugar: Centro de Arte Alcobendas, Alcobendas – Madrid

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Concurso de Creación Fotográfica sobre Medina Azahara

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Abierta la convocatoria del I Concurso de Propuestas de Creación Fotográfica sobre Medina Azahara. Un premio promovido por el Conjunto Arqueológico Madinat al-Zahra, que pretende conectar la antigua ciudad califal con el ámbito de la creación y la fotografía contemporánea, y posibilitar la investigación y el desarrollo de un proyecto fotográfico que tenga como eje articulador a Medina Azahara, en su sentido más amplio.

Concurso de Creación Fotográfica sobre Medina Azahara

Esta primera edición, además de apostar por un formato que favorezca la investigación, presenta un nuevo formato del concurso en el que su premio será para una propuesta de proyecto, a realizar en los meses posteriores a su concesión. Los trabajos presentado de Creación Fotográfica sobre Medina Azahara serán examinadas por un jurado compuesto, entre otros, por Sema D’Acosta, Jorge Yeregui, Fosi Vegue y Juan Serrano. El jurado valorará de forma positiva la investigación y experimentación con los nuevos lenguajes y la inserción de las propuestas en el discurso de la creación fotográfica contemporánea.

Podrán participar fotógrafos y estudiantes de fotografía nacionales e internacionales, de forma individual o colectiva. El plazo para inscribirse y enviar la documentación solicitada finaliza el 12 de septiembre de 2016, a las 23:59h. El lunes 26 de septiembre el Conjunto Arqueológico Madinat al-Zahra dará a conocer públicamente el proyecto ganador y las menciones honoríficas del I Concurso de Propuestas de Creación Fotográfica sobre Medina Azahara, a través de la página web del concurso.

El concurso contará con un único Premio dotado con 3.000€ a la mejor propuesta. La organización cederá un espacio expositivo en el Museo de Medina Azahara para la realización de una exposición individual del proyecto desarrollado. La persona premiada tiene cubiertos los costes de impresión de las imágenes de la exposición (el montaje de las imágenes en cualquier tipo de soporte correrá por cuenta del autor). Toda la información (bases, jurado y calendario) así como la inscripción se lleva a cabo a través de la web www.concursomedina.com.

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Retrospectiva de Georgia O’Keeffe en Tate Modern

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La Tate Modern acoge una exposición retrospectiva dedicada a la artista Georgia O’Keeffe (1887-1986), una de las máximas representantes del Arte Moderno Americano, cuyo estilo personal se identificó como la expresión del nuevo arte indígena americano. La exposición muestra una selección de más de cien de sus trabajos mas relevantes, incluyendo desde sus primeros experimentos abstractos hasta sus últimas obras.

Georgia O'Keeffe

La primera exposición que realizó 0’Keeffe fue en la galería 291 de Nueva York, entre 1916 y 1917, en la muestra de Tate Modern encontramos algunos de sus carboncillos realizados en 1915 como ‘Special No.9’ o ‘Early No.2’, que se exponen junto a un grupo de acuarelas y oleos de gran colorido, como ‘Sunrise’ (1916) y ‘Blue and Green music’ (1919). Todos estos trabajos muestran la investigación que la artista realizó sobe la relación del paisaje, la música, el color y la composición.

Georgia O'Keeffe

La exposición tiene un apartado dedicado a la relación personal y profesional de la artista con Alfred Stieglitz (1864-1946), fotógrafo, mecenas de arte moderno y marido de la artista. Stieglitz acercó a O’Keeffe al ambiente de vanguardia. En esta sección encontramos una selección de las fotografías de Stieglitz, incluyendo retratos y desnudos de O’Keeffe, y de otras figuras de la vanguardia como Marsden Hartley o John Marin.

La exposición explora como influye en sus obras el trabajo de los fotógrafos modernistas, lo que puede verse por ejemplo en el juego con distorsión que vemos en la obra ‘Calla Lily in Tall Glass – No. 2 (1923). Sin olvidar la principal fuente de inspiración de Georgia O’Keeffe: la naturaleza y el paisaje.

Georgia O'Keeffe

La exposición está comisariada por Tanya Barson y Hannah Johnston. La muestra está organizada por la Tate Modern en colaboración con el Bank Austria Kunstforum, Vienna y la Galería de Arte de Ontario.

Fechas: Hasta el 30 de octubre de 2016
Lugar: Tate Modern, Londres

Créditos de las imágenes:

1- Georgia O’Keeffe – Jimson Weed/White Flower No. 1 1932 – Crystal Bridges Museum of American Art, Arkansas, USA. Photography by Edward C. Robison III © 2016 Georgia O’Keeffe Museum/DACS, London
2- Alfred Stieglitz – Georgia O’Keeffe 1918 – The J. Paul Getty Museum, Los Angeles ©The J. Paul Getty Trust
3- Georgia O’Keeffe – Black Mesa Landscape, New Mexico / Out Back of Marie’s II 1930 – Georgia O’Keeffe Museum. Gift of The Burnett Foundation ©Georgia O’Keeffe Museum

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Archiva de los feminismos locales en el MUSAC

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En 2013 Juan Vicente Aliaga y Patricia Mayayo comisariaron para el MUSAC la exposición Genealogías feministas del Arte Español: 1960-2010 e incluyeron en la misma la pieza Contenedor de feminismos realizada por Carme Nogueira, Uqui Permui y Anxela Carames. Dicho contenedor funciona como un dispositivo de habla, escucha y lectura: es un archivo móvil ideado para el espacio público cuya finalidad es recuperar, documentar y visibilizar las historias de las mujeres, los feminismos y las luchas por la liberación sexual. Fue creado en Galicia en 2009 y a partir de entonces ha ido desplegando su radio de acción por diferentes lugares de la península. Al incluirlo en la exposición, se activó en la ciudad de León y los colectivos locales se lo reapropiaron gracias a la mediación realizada por las trabajadoras del museo.

archiva feminista

Ese primer contacto con los colectivos feministas, ha derivado hoy en el proyecto de investigación Archivo de Feminismos de León, que acaba de ver la luz y que se expone ahora como una instantánea en el Proyecto Vitrinas del museo en la muestra Feminismos León. De la buhardilla del CCAN a la insumisión transfeminista gracias a la coordinación de Araceli Corbo y Belen Sola por parte de MUSAC y con la colaboración de Maite Garbayo y Conchi Unanue como investigadoras. Recorre la historia de los feminismos locales desde los años setenta hasta hoy a través de materiales gráficos que van desde carteles hasta panfletos , fotografías o recortes de prensa y testimonios orales de las activistas pertenecientes a Adavas, Femiclectacción, Flora Tristán, insumisas al patriarcado, Isadora Duncan, Líneas de fuga, Mujer y revolución, PELOS y Simone de Beauvoir.

Los pasados días 15 y 16 de julio, la exposición se complementó con el veraniego seminario “Historias y archivas del movimiento feminista en el estado español” impartido por estudiosas y activistas como Justa Montero, Fefa Vila, Gelen Jeleton, Beatriz Suárez Briones o Lucas R. Platero en torno a tres mesas temáticas: “Feministorias: relatos del movimiento feminista en el estado español”, “Archivas: conteniendo y desbordando prácticas feminsitas” y “Ex-céntricas: bollos, trans, porn y otras cuerpas del montón”.

Frente a la actual tesitura que atraviesan la red de museos públicos de nuestro país, cabría preguntarse si un museo debe realizar este tipo de actividades, por qué generar una archiva local de feminismos y depositarla en el museo o qué interés tiene realizar el mencionado seminario:

El museo es una institución tradicional de origen ilustrado cuyo objetivo pasa por conservar materiales para estudiarlos y darlos a conocer. Esta visión estática como un espacio de poder ligado a la enunciación de verdades, resulta inadecuada para las dinámicas sociales actuales. Además de la construcción de relatos históricos expositivos, el museo es un espacio para el pensamiento contemporáneo, para el debate y la producción cultural, y es posible pensarlo en constante negociación con la ciudadanía, a través de nuevos sistemas de participación para una institución abierta, porosa, horizontal y transparente, que algunos han llamado institución-queer (o cuir, mejor aún). El MUSAC parece estar intentando entablar un diálogo con la ciudad a través de grupos de trabajo como la Agencia de Desmontaje -que colaboró en la exposición “De ayer a hoy” de Isidoro Valcárcel Medina-, el Laboratorio 987 o este Archivo de Feminismos.

feminismos leon

“Las instituciones deben ser radicalmente repolitizadas” afirmó Fefa Vila, una de las responsables del Archivo Queer del Museo Reina Sofía. Los archivos son herramientas del poder, ellos deciden no tanto sobre el pasado sino, sobre todo sobre el futuro: señala quienes pasan a formar parte de la historia y especifican como debe hacerse esa historia. Por ello, la realización de un archivo de lo marginal es una decisión política que no puede ser aceptada sin discusión y que explica, por otra parte, la necesidad de hacerlo a nivel local. Escribir la historia, hacer memoria y nombrar, es construir subjetividad; hacer estas genealogías es por tanto poner en marcha prácticas emancipatorias y si trabajamos desde lo cuir como periferia conceptual, como no atender a la periferia territorial.

El feminismo de la tercera ola, entre sus estrategias y tácticas incluye la reapropiación del insulto y  la resignificación del lenguaje. Por eso una archiva, porque -como dijo Jeleton- pica y porque decir “contraarchivo” es muy feo. Pero ciertamente hacer contraarchivo es profundamente político: es hacer un archivo cuir, en que las clasificaciones fluyen y se desbordan y ayudan a comprender y recordar pero no encierran.

Por otra parte, con hacer un archivo no vale, este debe estar vivo y ser accesible: por eso el seminario como espacio de debate y de publicidad (en el sentido de hacer público) que active la exposición. Y aquí de nuevo el museo se muestra como espacio para la fricción, para el riesgo, para el cuestionamiento: especialmente entre los feminismos de la segunda y la tercera ola.

El feminismo llega a España, como tantas cosas, tarde, en el tardofranquismo. Pero nace desde la radicalidad y ligado a la izquierda, acuciado por la necesidad de lograr unos derechos básicos que eran negados a la mujer. Ninguna mujer participó en la redacción de la Constitución y tuvo que ser durante los años 80 y 90 cuando se fueron realizando modificaciones legales que fueron dando libertad a la mujer. Una mujer que se había construido desde la lucha como un sujeto férreo y único. Recordemos que en 1978 la izquierda aún consideraba la homosexualidad una desviación pequeño-burguesa, como señaló Justa Montero.

feminismos leon

En los 80 se institucionalizó una parte del movimiento feminista, lo que supuso la primera ruptura con respecto al activismo más autónomo tras las Jornadas Feministas de Granada de 1979. Con el tiempo el sujeto feminista se fue multiplicando con el colectivo LGTBI+ y la mirada poscolonial, hasta el estallido de los transfeminismos en el nuevo milenio, especialmente en las Jornadas Feministas de Granada de 2009, que produjeron un nuevo estallido en el movimiento. Parece que los mayores nodos de discusión están claros: la tercera ola reconoce la agencia de las personas para formular sus propias necesidades -incluidas las prostitutas-, admite la gestación subrogada y no entiende la revolución sin baile. Igual que precisamos una despatologización de lo trans como dijo Platero, es necesaria una especial visibilización de las lesbianas en lo académico, como indicó Suárez, ya que, como dijo Monique Wittig “no son mujeres”, sobrepasan la categoría. Romper con los géneros y con la ilusión de los sexos es tarea pendiente.

Este mismo debate se mantuvo en León, donde se alzaron varias voces en favor de una gran alianza feminista que repolitice lo personal frente a los debates internos. Obviamente, como señaló Vila, entre la creación y la recreación de lo político hay muchos espacios de los que tenemos que entrar y salir.  Y, si bien es imposible desplazar contextos, sí podemos, habitando lo público, potenciar los imaginarios políticos desde el museo entendido no sólo como un cubo blanco donde exponer arte contemporáneo sino como un gran laboratorio donde pensar juntos la contemporaneidad.

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Haegue Yang echa la persiana en el Centre Pompidou

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Haegue Yang ha creado para el Centre Pompidou una instalación monumental desplegada en los tres niveles del corazón del edificio. Lingering Nous se compone de persianas venecianas, el material favorito de la artista coreana. Una instalación en El Foro del Pompidou, de acceso libre, que puede visitarse hasta el 5 de septiembre de 2016.

Haegue Yang Centre Pompidou

La obra suspende aproximadamente 166 láminas rosas y verdes, que dan forman al laberinto de persianas. La silenciosa instalación cobra voz con cuatro ensayos de vídeos que pueden verse en el sótano: Video Trilogy (2004-2006) y Halves – Events with Nameless Neighbors (2009).

Haegue Yang Centre Pompidou

Haegue Yang

Vive y trabaja en Berlin, Alemania y Seúl. Ha participado en Documenta 13 en Kassel en 2012 y 2009; representado a Corea del Sur en la Bienal de Venecia. Y en numerosas exposiciones individuales como Serralves Museum en Porto, Portugal, 2016; Hamburger Kunsthalle en Hamburg, Alemania, 2016; Ullens Center for Contemporary Art en Beijing, China 2015; Leeum, Samsung Museum of Art en Seúl, Corea, 2015; Aubette 1928 and Museum of Modern and Contemporary Art en Strasbourg, Francia, 2013; Haus der Kunst en Munich, 2012; Kunsthaus Bregenz en Austria, 2011; Modern Art Oxford, UK, 2011; Aspen Art Museum, USA, 2011; y Walker Art Center en Minneapolis, MN, USA, 2009.

Centre Pompidou

El Centro Pompidou es el nombre más comúnmente empleado para designar al Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou de París, diseñado por los arquitectos Renzo Piano y Richard Rogers. El edificio, concluido en 1977, fue inaugurado el 31 de enero del mismo año.

El centro alberga el IRCAM, un centro de investigación musical y acústica; la biblioteca (Bibliothèque Publique d’Information) con un aforo de 2.000 personas, abierta al público; y sobre todo el Museo nacional de Arte Moderno (Musée National d’Art Moderne) que posee unas 100.000 obras de arte, una de las colecciones de arte moderno y contemporáneo más completas del mundo junto con el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York y la Tate Modern de Londres. Es de uno de los monumentos más visitados de Francia, con cerca de seis millones de visitantes al año.

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Retrospectiva de Fernando Bellver

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Tabacalera Promoción del Arte acoge hasta finales de agosto la exposición titulada “Bellver. Vida pasajera” una muestra retrospectiva dedicada a Fernando Bellver, galardonado con el Premio Nacional de Gráfica en el año 2008.

Fernando Bellver

La exposición, comisariada por Felipe Hernández Cava, nos ofrece un recorrido por los últimos treinta años de la producción artística de Bellver, un viaje a su universo a través de más de ochenta obras, entre las que destacan veintidós extraordinarios aguafuertes, sus óleos, esculturas y las cajas de luz o lentegrafías.

En todas ellas, la realidad se comporta como una ficción y a la inversa, son un guiño a las idas y venidas de los grandes pensadores dadaístas que, durante la Primera Guerra Mundial, quisieron acabar con cualquier sistema lleno de coherencia y sentido. En esta exposición se encuentra un homenaje a los principios en que se basó Cabaré Voltaire, donde la apología de la confusión es utilizada por Bellver como un síntoma de un proceso que hoy en día es difícil de interpretar y enjuiciar.

Fernando Bellver

Bellver, rechaza la fábula de la creatividad del artista e ironiza sobre el mito del artista creador, lo que le sirve para conformar su propia leyenda, su propio personaje. Defiende que el arte es algo sin trascendencia, una burla capaz de alejarnos de la seriedad de la vida. Su obra, realizada con una destreza técnica deslumbrante, muy en especial en sus grabados, se construye a partir de lo que han creado otros, reciclándolo, mezclándolo y enfrentándolo.

Fechas: Hasta el 28 de agosto de 2016
Lugar: La principal – Tabacalera Promoción del Arte, Madrid

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The sky over nine columns de Heinz Mack

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La Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia acoge la instalación titulada “The sky over nine columns” del artista alemán Heinz Mack. El proyecto, comisariado por Kosme de Barañano, está formado por nueve columnas simétricas, de más de siete metros de altura cada una, recubiertas por 850.000 teselas doradas, creando una escultura de luz.

Heinz Mack

La instalación llega al lago su del Hemisfèric de la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia, tras estar emplazada en la isla de San Giorgio Maggiore en Venecia durante la Bienal de 2014 y en el jardín de esculturas de Sakip Sabanci Museum de Estambul.

Heinz Mack tiene un fuerte interés por explorar la luz pura en zonas que poseen una naturaleza virgen. El 1959 Mack esbozó el llamado Sahara–‐‑Project, que llevo a cabo en el desierto africano entre 1962 y 1963. En distintas ocasiones, instaló un “jardín artificial” en el desierto formado por espejos, cubos, carteles y monumentales estelas de luz. Estas prácticas experimentales sobre la fuerza de la luz en diferentes objetos fueron documentadas en la película Tele–‐‑Mack en 1968. El resultado de estas investigaciones son las que han dado lugar a la instalación The Sky Over Nine Columns.

Heinz Mack

Sobre Heinz Mack

Heinz Mack (Lollar, Alemania, 1931) ha trabajado durante sesenta años como pintor y escultor. En 1958 fue cofundador del Grupo ZERO junto a Otto Piene y Günther Ueker, que más tarde derivó en un movimiento internacional al que se unieron Yves Klein, Lucio Fontana y Piero Manzoni. El Museo Guggenheim de Nueva York dedicó una importante muestra en 2014 a este colectivo alemán de postguerra, siguiendo la estela de otras importantes exposiciones celebradas en Ámsterdam, Berlín y Estambul.

En 1970 Mack representó a Alemania en la 35º Bienal de Arte de Venecia junto a otros artistas de su país. Desde principio de los años 50 ha desarrollado un lenguaje artístico genuino basado en la luz y el color convirtiéndose en uno de los máximos exponente del arte cinético. En la actualidad, vive y trabaja entre Mönchengladbach y la isla de Ibiza.

Heinz Mack

El proyecto ha sido realizado por la Fundación Ralph Dommermuth Stiftung Kunst und Kultur en colaboración con Beck & Eggeling International Fine Art (Düsseldorf).

Fechas: Hasta el 6 de noviembre de 2016
Lugar: Ciudad de las Artes y las Ciencias, Valencia

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Philippe Halsman ¡Sorpréndeme!

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CaixaForum Barcelona acoge la exposición “Philippe Halsman ¡Sorpréndeme!” una gran retrospectiva de uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX, autor de portadas de la revista LIFE y colaborador de Dalí.

Philippe Halsman

La muestra acoge más de 300 fotografías mediante las que se puede hacer un recorrido en profundidad por el trabajo del artista y los formatos que utilizó, desde sus comienzos en París hasta su etapa neoyorquina. Muchas de las obras que pueden verse son expuestas al público por primera vez, entre las que encontramos hojas de contacto, impresiones, pruebas preparatorias, fotomontajes originales y maquetas.

La exposición se divide en cuatro partes: la primera sección está dedicada a los años que Halsman pasó en París, su obra temprana ya presagiaba los intereses y temas que desarrollaría a lo largo de su carrera. Las otras tres partes se corresponden con su periodo estadounidense y cada una de ellas presenta una característica de la obra de Halsman: sus muy celebrados retratos de famosos, su interés por las puestas en escena y, por último, el impresionante repertorio de «ideas fotográficas» que desarrolló junto con Salvador Dalí a lo largo de más de tres décadas.

Philippe Halsman en el París de la década de los treinta

Philippe Halsman se especializó en hacer retratos desde sus inicios. Fotografió a muchos personajes famosos, especialmente del mundo de las artes, y tuvo el privilegio de contar con el apoyo y la influencia de André Gide, la primera personalidad a la que retrató. Halsman amplió rápidamente el espectro de su trabajo y supo sacar partido de dos negocios en rápida expansión: las revistas y la publicidad. Trabajó una amplia variedad de temas y recibió encargos de las más ilustres publicaciones de la época: Journal des Modes, Vogue, Harper’s Bazaar, Voilà, Le Monde Illustré, Vu, Visages du  Monde y el diario Le Journal.

Fotógrafo autodidacta, Halsman desarrolló una exhaustiva cultura visual, inspirado por las distintas técnicas y estéticas propias de la época, como la llamada Nueva Visión. Sus exploraciones artísticas tenían lugar en su estudio, donde creaba efectos con iluminación eléctrica y encuadres ajustados. Halsman cultivó, asimismo, un rico y variado imaginario que bebía directamente del surrealismo.

Philippe Halsman

Los retratos

Halsman, consciente del efecto que su cámara tenía sobre sus modelos, prefería siempre entornos íntimos y sesiones cortas para que estos se sintieran cómodos. Sus trabajos se caracterizan por la atención al detalle y por la búsqueda de la naturalidad en la expresión. En Nueva York, Halsman se ganó rápidamente una buena reputación y recibió numerosos encargos para retratar a personajes famosos a cuenta de revistas como LIFE, TV Guide o The Saturday Evening Post. Asimismo, realizó fotografía promocional para campañas electorales, cubiertas de libros y carteles de películas.

Aunque Halsman fue un acérrimo defensor del retrato psicológico, su repertorio es muy variado. Le interesaban los avances técnicos y poseía una impresionante colección de dispositivos, entre ellos un estroboscopio. En la década de los sesenta empezó a aplicar el vocabulario literal e ideográfico de la publicidad y desarrolló efectos muy diversos para producir retratos que el lector era capaz de interpretar al instante.

PUESTAS EN ESCENA

Philippe Halsman siempre vio en la fotografía una herramienta extraordinaria con la que dar rienda suelta a su imaginación. A lo largo de su carrera aspiró a crear las fotografías «más sorprendentes y originales». A principios de la década de los cincuenta nació un nuevo medio de masas, la televisión, que amenazaba directamente a la fotografía y a la prensa. Halsman adoptó un enfoque creativo, muy adaptado al medio fotográfico, para defender su profesión. En 1961 publicó una de sus conferencias sobre este tema, titulada Halsman on the Creation of the Photographic Idea.

Las artes y los espectáculos, su especialidad, le brindaron el marco ideal donde desarrollar esta nueva forma de hacer fotografías. Los trabajos que le encargaron, como la serie con Jean Cocteau y los reportajes sobre espectáculos, le dieron la oportunidad de crear auténticas puestas en escena. Halsman participaba tanto en el diseño de las imágenes como en la selección de escenarios originales y ángulos de la cámara para conseguir crear imágenes impresionantes.

No obstante, fueron sus trabajos personales los que le permitieron continuar experimentado con el medio fotográfico. Dentro de ese ámbito podía dar salida a su vena humorística, como demuestran sus series fotográficas con actores. Dos proyectos de Halsman fueron especialmente innovadores e influyeron en la fotografía contemporánea: en 1949, junto al actor francés Fernandel, creó un nuevo tipo de producto editorial, el picture book, y en la década de los cincuenta inventó la jumpology. En ambos proyectos combinaba su amor por la puesta en escena y el entretenimiento con su talento como retratista.

Philippe Halsman

HALSMAN/DALÍ

Durante casi cuarenta años, Philippe Halsman y Salvador Dalí se aprovecharon de sus talentos respectivos. Halsman era un fotógrafo profesional especializado en retrato y publicidad, mientras que Dalí era un artista que usaba su propia imagen a la perfección para autopromocionarse. Halsman se había convertido en uno de los fotógrafos más populares de los Estados Unidos y Dalí destacaba en el mundo del arte por el increíble éxito de ventas de sus obras.

Su colaboración nació de una empatía intelectual que se fundamentaba en numerosos puntos en común: la infancia y educación en la Europa de principios de siglo y en un mismo ámbito sociocultural; la atracción por París, su arte y su elegancia; la inapagable sed lectora; el gran interés por los descubrimientos del psicoanálisis; la extrema atención dedicada al simbolismo de los detalles; la huida de la guerra en 1940 y la partida a los Estados Unidos; el malabarismo multilingüe; el sentido del humor adolescente, y una ironía mordaz.

Fechas: Hasta el 6 de noviembre de 2016
Lugar: CaixaForum Barcelona
Imágenes:
1- Portada de LIFE con el «salto» de Marilyn Monroe. 9 de noviembre, 1959. Musée de l’Elysée © 2016 Philippe Halsman Archive / Magnum Photos
2- Philippe Halsman, «Como dos centinelas erguidos, mi bigote custodia la entrada a mi verdadero yo», Dalí’s Mustache . 1954. Philippe Halsman Archive © 2016 Philippe Halsman Archive / Magnum Photos. Exclusive rights for images of Salvador Dalí: Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2016
3- Yvonne Halsman, Marilyn Monroe y Philippe Halsman. 1954. Archives Philippe Halsman © 2016 Philippe Halsman Archive / Magnum Photos

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