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Saint Blaise - RebecaPatillas - ART U READY

Últimos días de “Saint Blaise”

Written by: Redacción • 3 octubre, 2023

Hasta el 5 de octubre podrás disfrutar de la muestra Saint Blaise en El Invernadero, que promueve ART U READY, plataforma liderada por The Sibarist con el objetivo de dar visibilidad a artistas con una mirada transversal y periférica, alineados con valores que mejoran la sociedad.

La exposición reúne la mirada de tres creadores que transitan habitualmente las periferias urbanas como parte de su práctica artística y vital. Son Fernando Barrios, quien se caracteriza por una abstracción con relato, a través de esculturas y una pintura a veces collage que combina materiales, técnicas y materias diversas; Raúl Bravo, que realiza dibujos y apuntes rápidos en sus derivas urbanas, collages a modo de libro de artista; y Yuri Pol, quien a través de la fotografía brinda instantes sociales, paisajes humanos, territorios vacíos, pero también imágenes poéticas de mayor abstracción.

Comisariada por la arquitecta y urbanista Asún Rodríguez Montejano, apela al ejercicio de una mirada consciente sobre el entorno urbano, que permita ejercer un pensamiento crítico sobre la ciudad, fortaleciendo el papel del ciudadano en la creación, la defensa y la transformación positiva del espacio vital, consolidando una conciencia de paisaje urbano.

Saint Blaise indaga en las primeras periferias urbanas de las grandes ciudades (años 50-60-70), espacios en su día innovadores y experimentales a nivel urbano y residencial, que dieron cobijo a enormes contingentes de personas en búsqueda de unas mejores expectativas de trabajo y calidad de vida.

Desde una voluntad inconsciente, los tres artistas escogen un tema y lo cuestionan en forma de un ejercicio plástico que se ejecuta desde lugares diversos. Aspectos como el deterioro, las personas, la soledad y los afectos, la rutina, los espacios y las arquitecturas, los recorridos, los materiales, los lugares… captan el interés del artista, al igual que su representación.

Fechas: Hasta el 5 de octubre 2024
Lugar: El Invernadero. San Lorenzo, 11. Patio. Madrid

Plano en disolución. Yaima Carrazana

Written by: Redacción • 3 octubre, 2023

Plano en Disolución reúne obras recientes de Yaima Carrazana. La artista se apropia del lenguaje del Suprematismo, del Minimalismo, del Op Art y del Color Field para reflexionar sobre el valor que las sociedades contemporáneas le otorgan al arte.

Yaima Carrazana. Fotos Marwin Sánchez, cortesía de El Apartamento.

Nos ofrece un tipo de pintura no relacional, con un sólido enfoque analítico, de una calidad hermética notable, marcada por la monocromía y la repetición. Un espacio de color contemplativo, sutilmente matizado y que no necesita de un apoyo teórico. Una experiencia perceptual compleja y exigente, que parte de la simplicidad de una superficie finita de partículas de color y corre el riesgo de representar, en su estatismo y parsimonia sincronía, el “drama del universo ” al estilo de Robert Delaunay. Una pin- tura de este tipo en realidad no hace afirmaciones, sino más bien preguntas. Lanza cuestionamientos sobre una realidad que se vuelve cada vez más compleja y sobre el papel del arte en esta.

Para la artista Historia, lenguaje y proceso son lo mismo y se expresan en el sentido que ella otorga a la repetición. Dicha operatoria le permite poner de relieve cómo la creación sigue un curso paulatino, una suerte de crescendo de fragmentos –apuntes, observaciones, construcciones – que probablemente nunca desembocarán en un todo absoluto. La repetición, resuelta o no en series, es la más exacta representación del tiempo de la creación y transforma a la obra de arte en un proceso vivo e imperfecto, dotando a la experiencia artística de una realidad física, acorde a cierta lógica en la cual el acto creativo es simulacro de la vida real y viceversa.

Plano en Disolución nos hace recordar a las pinturas negras de Ad Reinhardt. En palabras del propio artista, estas reflejan el final de todo, del tiempo, de la ilusión; para él es el negro el tono exacto del vacío y de la nada, contiene a todos los colores y los encierra. Carrazana frente a ello, con sus pinturas amarillas, nos ofrece una perspectiva de sanación transitoria. En sus telas el color parece ex- pandirse, abierto, en continuo cambio; parece respirar. Sin embargo, aunque el sol brille anunciando el fin del duelo pautado por Reinhardt, en el fondo ella permite que pulse la tonada, aún fresca, de muerte y fin encauzada por el pionero del arte conceptual. En un período de profundos trastornos como el nuestro, en el que la polución visual y la manipulación de la conciencia es alarmante, la pintura ya no puede proclamar verdades indudables, se limita solamente a explorar con sinceridad cómo funciona el mundo.

Carrazana nos coloca frente a un tipo de pintura concreta en la que el cuadro se representa a sí mismo. Se vale para ello de cierto misticismo estético; de una religiosidad sin íconos al estilo de Malevich; de un juego mental en el que el único asunto verdadero es la contemplación de las fuerzas visuales; de una objetividad que nos obliga a enfrentarnos a la vida dañada.

Luis Sicre

Yaima Carrazana

Yaima Carrazana (Santiago de Cuba, Cuba, 1981. Vive y trabaja en Ámsterdam, Países Bajos).

Estudió pintura en la Academia de Bellas Artes San Alejandro de La Habana. En 2010 completó un programa de residencia de dos años en la Rijksakademie van Beeldende Kunsten.

Carrazana comenzó su carrera realizando obras en vídeo, performance e instalación. Le interesa emplear las distintas herramientas puestas en valor por el Conceptual Art para tejer una delicada red vinculante de asuntos políticos, culturales y de género. Así genera situaciones que nos hacen reflexionar sobre los múltiples matices que tiene un concepto como el de “contexto”. Recientemente, Carrazana se ha inmerso en una serie de pinturas abstractas a través de las cuales explora lo que ella denomina “la buena vida” (Lifestile) de un emigrante contemporáneo en un país extranjero.

Su obra ha sido expuesta en el Kanal-Centre Pompidou (Bélgica), la XIV Bienal de Cuenca (Ecuador), Walker Art Center (USA), Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana (Cuba), Wilhelm-Hack-Museum. Ludwigshafen am Rhein (Alemania), Kunsthal KAdE. Amersfoort (Países Bajos), 12ª Bienal de Estambul (Türkiye), Museo de Arte Moderno de Haifa (Israel), MUDAM (Luxemburgo), Fundación Cartier (Francia), Bienal de Liverpool de 2011 (UK), la Bienal de Gwangju (Corea del Sur) y el Museo de Arte Con- temporáneo de Tokio (Japón).

Fechas: Hasta el 3 de noviembre de 2023
Lugar: Galería El Apartamento, Madrid

Carlos Nicanor presenta, en el CAAM, “De la carne al hueso, del hueso al alma”

Written by: Victoria Arribas Roldán • 3 octubre, 2023

De la carne al hueso, del hueso al alma, es la propuesta expositiva del artista Carlos Nicanor para el CAAM. Comisariada por Dennys Matos, la muestra se articula a partir de una selección de una veintena de sus obras de nueva producción, de escultura y, por primera vez, acuarela, la cual, en palabras del comisario, se revela como una visión escultórica del dibujo.

Las propuestas de Nicanor plantean una reflexión sobre la dialéctica entre lo material y lo inmaterial, y ponen al descubierto sus interrogantes sobre el alma y la vida. Sus piezas escultóricas, creadas en madera, hierro e hilos, se adentran en el interior del cuerpo humano como buscando respuestas o intentando llegar a un supuesto espacio en el que reside el alma.

En palabras de Matos, las esculturas y acuarelas que forman la exposición articulan, en lenguaje neofigurativo, la tensión entre cuerpo y alma desde visiones poéticas en las que los órganos, la carne y los huesos encarnan un simbolismo de lo endebles o fuertes que somos a la hora de estar y actuar en el mundo. De lo relativo o absoluto que se presenta el espacio, la materia y el tiempo a nuestra percepción, cuando este cuerpo interior queda expuesto a las convulsiones exteriores. Y, en última instancia, de la incertidumbre que esta convulsión supone cuando esa vida se enfrenta a la experiencia humana más radical: la muerte.

Nicanor es un escultor brossiano. Basta ver algunos de sus trabajos para comprender que su creatividad aspira a dar forma a una obra que habrá de ser alteración cáustica del objeto y su sentido, proponiéndonos siempre uno nuevo e insólito, y que tal obra postula en muchos casos una posición dadaísta que lo aproxima a Arp y a Duchamp.

Su intensidad escultórica es de naturaleza poética. Tal vez por eso su obra parece tan cómoda y rigurosamente expresiva cuándo hace suyo el legado de las vanguardias, en especial del dadaísmo, y su capacidad para hacer objetos autosuficientes, entidades cerradas con las que para comunicarnos es imprescindible una clave cultural.

Artista: Carlos Nicanor
Fechas: hasta el 29 de octubre de 2023
Lugar: CAAM, Las Palmas de Gran Canaria

La sinfonía silenciosa de Lluis Salvador

Written by: Redacción • 3 octubre, 2023

El artista Lluis Salvador (1978, Valencia) abre la nueva temporada de La Trini espai d’art con su exposición individual “RASPALLS”. Un proyecto con la utilización de cepillos (rapalls) como herramienta de creación y reflexión creativa en torno a la materialidad y la deconstrucción.

“Para Lluis Salvador, el raspall o cepillo deja de ser una simple herramienta de creación, para convertirse en el eje fundamental de su trabajo artístico. Un instrumento destinado a borrar, alisar o destruir, que cesa de restar para comenzar a sumar trazos. Códigos de líneas oscilantes que combinan la espontaneidad y el azar con la expresión gestual del artista.

Su proceso creativo no se autocensura ni sigue una dirección determinada. Utiliza un método fluido e inmediato que se abre a la experiencia y genera un torrente de imágenes. Donde los filamentos flexibles que componen la herramienta de trabajo, se combinan con la presión e intensidad de la propia acción pictórica. Ofreciendo como resultado composiciones de rayas paralelas en movimiento, que a modo de patrones de ondas nos recuerdan a la naturaleza. Líneas quebradas e imperfectas realzadas por un juego audaz y equilibrado de geometría. Un diálogo entre el artista y la herramienta que se vuelve hipnótico.

La técnica del cepillado arrastra la pintura, diluyendo la intensidad del color en diferentes direcciones y provocando un gesto dinámico que enfatiza el movimiento. El cepillo, en contra de la finalidad para la que fue creado, adhiere material pictórico sobre la superficie, no lo barre; creando un patrón geométrico de lineas e intersecciones aleatorias, que genera una tensión visual.

Existe una proactividad hacia el minimalismo y la abstracción pospictórica, que se convierte en la gran fuerza impulsora del proceso creativo. Un trabajo que explora el impacto de la automatización y las nuevas tecnologías en el arte, cuestionando el sistema de valores actual de la pintura y la práctica artística. Una dirección que destaca el componente artesano y performántico, con obras fruto del gesto rápido, limpio y certero que rompen la homogeneidad y monotonía.

En los últimos años la obra de Lluis Salvador ha evolucionado hasta cultivar un particular vocabulario visual, que cuestiona los protocolos y procedimientos de la pintura. Su trabajo, que ya se expandía de forma libre en murales rurales y urbanos, ahora da un paso más con piezas que trascienden los géneros. Expande la pintura a los territorios propios de la escultura y la instalación, con el fin de evitar encasillamientos limitadores. Una búsqueda constante de nuevas perspectivas dentro del campo pictórico, donde la propia pintura en un estado sólido-maleable, se convierte en el soporte que recibe el cepillado. Como consecuencia nos encontramos ante un lienzo matérico formado a base de pintura, que nos propone reflexionar sobre los conceptos tradicionales del mundo del arte. Piezas que cuelgan de los muros, se apoyan en el suelo o nos visten, en el más amplio concepto pictórico.

El trabajo de Lluis Salvador nos sorprende con pinturas minimalistas, ópticamente activas, elegantes y corpóreas. Obras que presentan una coreografía muda de pentagramas sin notas musicales, a la espera de que nosotros mismos compongamos nuestra melodía.” Óscar García García.

Artista: Lluis Salvador
Fechas: Desde el 29 de septiembre 2024
Lugar: La Trini espai d’art, Valencia

‘Gabinete carnal’: el artista cubano Elio Rodríguez presenta su primera exposición personal en Madrid

Written by: Redacción • 2 octubre, 2023

Gabinete carnal es la primera exposición personal del artista visual cubano Elio Rodríguez (La Habana, 1966) en Madrid. Con esta muestra, comisariada por Edgar Ariel, convertirá el Espacio Copiloto en territorio de investigación y en archivo de cuerpos teratológicos. La exhibición, abierta desde el 14 de septiembre y hasta el 29 de octubre, coincidió con el programa de Apertura Madrid Gallery Weekend.

Gabinete carnal. En la fotografía, el comisario Edgar Ariel junto al artista Elio Rodríguez

Un gabinete es un archivo y es una habitación de dimensiones reducidas, al igual que Copiloto, espacio galerístico fundado en el número 37 de la calle Nicolás Morales, en Carabanchel, por el artista cubano René Francisco y la comisaria Dayneris Brito. El espacio, anexo al Estudio René Francisco, tiene el objetivo, como afirman sus creadores, “de invitar a determinados artistas a dialogar con la dinámica del espacio, con un carácter desinteresado y sin ánimo de lucro”.

Un gabinete es también, si somos estrictos, el lugar donde se reciben a las personas de confianza. Espacio de hibridaciones y afectaciones. Espacio tentacular. A partir de esta idea, a partir de esta potencia, Elio Rodríguez rehace la noción de gabinete y, apegado al objetivo fundacional de Copiloto, construye una estética relacional. Lo hace a modo de puzle conceptual, a modo de costura carnal.

El propio Elio Rodríguez ha dicho en una entrevista concedida a Rialta Magazine: “Mis esculturas tienen un carácter lúdico evidente. Pero detrás siempre hay un cuestionamiento, un pensamiento en torno a la vida que me interesa. Por distintas vías las obras llegan a un destino donde lo orgánico, lo sinuoso, el susurro y el doble sentido tienen un peso muy importante. La textualidad y sensualidad de los materiales cargan la obra de historias y relaciones”.

La costura es un ejercicio imprescindible en el trabajo de Elio Rodríguez. Pero no solo en su sentido literal, sino metafórico. Se cosen intertextos. La costura como experiencia vital y regenerativa; como forma de entrelazar conmociones.

Edgar Ariel explica: “Elio Rodríguez cose, con ese, pero también coce, con ce. Cocer es someter algo a la acción del fuego. Aquí también la exposición se aleja de la literalidad para pensar el fuego como un ente transformador. Eso también son las esculturas/cuerpos de Gabinete carnal: sustancias inflamables. Lenguas de fuego”.

Todo el trabajo de Elio Rodríguez podría entenderse como una reflexión en torno a la identidad. Seis piezas (“esculturas blandas”) configuraran Gabinete carnal: Obi omini (according to Lam), Jungla pobre, Naked forest, Jungle of the wall, Theratos y Jungle on the wall 2. Todas ellas tienen “una raíz conceptual, donde la idea condiciona los elementos formales”, pero donde, al mismo tiempo, “el sentido sensorial es fundamental”.

“En mi caso”, afirma Elio en la entrevista citada, “la noción de escultura siempre ha tenido un punto de vista un poco outsider. Siempre he intentado que la escultura y mi obra en general sea entretenida. Siempre he dicho que soy un negro de La Habana Vieja. En mi caso la cultura popular, el doble sentido, el chiste y el juego de palabras tienen mucha fuerza”.

Gabinete carnal activa un espacio de relaciones múltiples. Le interesa fragmentar el significado. Le interesa evadir el narcisismo contemporáneo. Le interesa el vínculo. Le interesa generar afectos. Afectos carnales.

Edgar Ariel, comisario de la muestra, deja en claro que se dice “cuerpos” como sinónimos de esculturas carnales. Pero, prosigue, “se piensa en la carne más allá de la carne. Se piensa en la carne como un espacio de enunciación y de transfiguración. Se piensa en la carne en su carácter, también (tan bien), muscular. El músculo es un tejido. El músculo es una red de conocimientos. El músculo posee memoria. Se piensa en la carne como un paisaje de rememoración”.

Los cuerpos/esculturas que construye Elio Rodríguez son máquinas “malformadas”, deformes, monstruosas, a pesar de que se modelan sobre una armonía muy especial. La teratología es el estudio de los errores: anomalías y transformaciones en organismos animales y vegetales. Dentro de la zoología, la teratología es la disciplina científica que estudia las criaturas anormales. Aquellas que no responden al patrón común. Aquellas que no responden a la normalidad. (Normalidad viene de norma). La palabra teratología proviene del griego antiguo theratos, que significa monstruo.

En este sentido, ¿por qué Gabinete carnal hace hincapié en la rarefacción? Dentro de una vitrina un cuerpo/escultura encuentra en la malformación una característica subversiva de la norma tradicional y de la “verdad” impuesta. Un gabinete que emancipa las otredades extrañas. Un gabinete de esculturas blandas. Un gabinete expandido en su discursividad.

Fechas: Hasta el 29 de octubre de 2023
Lugar: Espacio copiloto, Madrid

La galería portuguesa Pedro Cera abre sede en Madrid coincidiendo con su 25º aniversario

Written by: Redacción • 2 octubre, 2023

La galería de arte contemporáneo portuguesa Pedro Cera abre su sede en Madrid el próximo 5 de octubre, coincidiendo con la celebración de su 25º aniversario. Establece así un nuevo espacio de exposiciones en un mercado en el que tiene una larga experiencia de trabajo y reafirma su apuesta por la expansión internacional.

Pedro Cera es una de las galerías de referencia en Portugal y participa en algunas de las ferias más prestigiosas como Art Basel o ARCOmadrid, entre otras. Tiene una nómina de artistas procedentes de Europa, Estados Unidos y América Latina, de los que ha promovido sus obras y propuestas innovadoras en las que proyecta el panorama del arte contemporáneo en sus cuestiones más acuciantes, sin dejar de lado temas universales, especificidades culturales y geográficas.

*The (exploding) birdcage 2023*, preview film still, single channel video-projection,color, stereo sound, ca 30 min

Nuevo espacio de arte en Madrid

La sede de Pedro Cera se ubicará en la calle Barceló de la capital española, donde contará con un amplio espacio muy similar al de la Rua do Patrocínio en Lisboa. La apertura en Madrid constituye un paso importante para la galería, y también es un gesto pionero, ya que hasta ahora ninguna de las principales galerías de arte de Portugal se había internacionalizado de esta manera.

“Hemos debatido esta idea en la galería y lo más natural ha sido elegir a Madrid como sede para esta expansión, llevamos muchos años trabajando con el mercado español de arte contemporáneo”, afirma Pedro Cera, fundador de la galería. Muchos de los artistas de la galería ya cuentan con representación en otras capitales culturales como Nueva York, Berlín y París, por lo que tener otra sede en España fortalecerá más su proyección internacional.

A partir de esta inauguración, la programación de la galería se realizará indistintamente entre las dos sedes, lo que permitirá ampliar la nómina de artistas y de exposiciones tanto en Lisboa como en Madrid. Pedro Cera posee una larga trayectoria de trabajo con el mercado español, y en especial en Madrid, que se consolida como un importante centro de actividad cultural y artística.

La apertura es también una oportunidad para muchos artistas portugueses e internacionales para tener, a través de la galería, mayor presencia en el mercado del arte contemporáneo español. A la vez, los lazos culturales entre Madrid y Lisboa se verán reforzados por el mayor intercambio artístico y el interés por los artistas y las exposiciones de Pedro Cera en su nueva sede.

Pedro Cera representa a una nómina de 22 artistas internacionales e intergeneracionales, en la que destacan figuras como Adam Pendleton, Ana Manso, Anna Hulačová, Antonio Ballester Moreno, Berlinde De Bruyckere, Bruno Pacheco, David Claerbout, Gil Heitor Cortesão, Mariele Neudecker, Miguel Branco, Oliver Laric, Paloma Varga Weisz o Tobias Rehberger.

The Birdcage, de David Claerbout, inaugura la sede de Pedro Cera en Madrid

La exposición Glow del artista David Claerbout será la muestra inaugural de la sede de Pedro Cera en Madrid el próximo 5 de octubre, en la que presentará dos vídeos de reciente creación: The Close, 2022, y The (exploding) birdcage, 2023. Este último, que se estrenará en la exposición, toma como punto de partida las nociones de verdad óptica y materialidad digital para abordar los cambios y consecuencias de nuestra percepción alterada del tiempo y la realidad en la era digital. Ambas obras irán acompañadas de un grupo de dibujos, realizados a lo largo del proceso de producción de las respectivas obras de vídeo, y cuya existencia física y naturaleza táctil crean una oposición material, temporal y conceptual a lo digital.

David Claerbout (Kortrijk, Bélgica, 1969) es uno de los artistas más innovadores y aclamados que trabajan actualmente en el ámbito de las imágenes en movimiento. Su obra se sitúa en la intersección de la fotografía, el cine, el vídeo, el 3D, la tecnología digital y los nuevos medios. Aunque se formó como pintor, al investigar la naturaleza de la fotografía y el cine, Claerbout se interesó cada vez más por explorar la noción de tiempo y duración. Fusionando el pasado, el presente y el futuro en asombrosos momentos de elasticidad temporal, sus obras presentan profundas y conmovedoras contemplaciones filosóficas sobre nuestra percepción del tiempo y la realidad, la memoria y la experiencia, la verdad y la ficción.

El arte dionísio-apolíneo de Ella Baudinet

Written by: Redacción • 2 octubre, 2023

La artista Ella Baudinet es una de las artistas elegidas para inaugurar el nuevo espacio de S Gallery en el número 78 de la madrileña calle de Ferraz. Si no conocéis su obra os dejamos el texto escrito por Óscar García García para la exposición sobre su trabajo:

“El filósofo alemán Friedrich Nietzsche, en su obra El nacimiento de la tragedia desde el espíritu de la música, afirma que el arte está ligado a la duplicidad de lo apolíneo y de lo dionisíaco. Una continua lucha y reconciliación que se remonta a los dioses griegos, donde dos instintos opuestos actúan como imanes, que se repelen y atraen a la vez. Lo apolíneo intenta transmitir orden, tranquilidad, belleza y racionalidad, mientras que, en contraposición, lo dionisíaco surge del caos, impulsividad, excesos y fealdad. Energías complementarias que no pueden existir sin el otro, ya que ambas se fundamentan en reciprocidad.

El trabajo de la artista Ella Baudinet se fundamenta en un arte dionísio-apolíneo. Sus pinturas se ven atravesadas por esa dualidad, que es regida por la ley de las dos fuerzas opuestas. La luz y la sombra, la presencia y la ausencia, el consciente y el subconsciente. Las formas veladas que pueblan sus obras son testigo de una tensión fundida de estadios contrarios, donde las normas de percepción desaparecen en un espacio dominado por la extrañeza. Presentando una realidad en continuo estado de metamorfosis. Fenómenos atmosféricos que parecen atenuar y desvanecer sentimientos, dobleces y arrugas que reúnen y disgregan ideas, vapores y humos que ocultan y disipan dudas, formas y figuras que recortan y difuminan emociones.

La cualidad abstracta-surrealista es inherente en la obra de Ella Baudinet. Sus pinceladas se deslizan entre la abstracción y la figuración, revelando composiciones viscerales que fluyen y se retuercen como estados de ánimo.Imágenes que danzan de forma sensual y armónica mientras se entrelazan, chocan y rechazan. Una investigación personal de cómo capturar y plasmar las emociones interiores a través del color y la forma; que se nutre tanto de la psique consciente como del subconsciente, propiciando una reflexión introspectiva. Una exploración donde mente, cuerpo y espíritu se reconcilian con los aspectos internos en conflicto. Piezas que desprenden un romanticismo que combina de forma etérea con la representación del plano espiritual sobre el plano terrenal. Un contraste que hace que sus pinturas desprendan un enigmático magnetismo.

En la práctica pictórica de la artista australiana, que actualmente vive y crea en la ciudad de Melbourne, predominan los grandes formatos, utilizando óleo sobre lienzo. Un juego de capas, veladuras y yuxtaposiciones, donde la luz y el color toman el control. La energía que suscita tanto la luz como la falta de ella, es fundamental para comprender la utilización de las tonalidades. Declinaciones de colores que se conjugan generando una levedad llena de matices. Los colores vibran gracias a la luz que ofrecen y la que ocultan, dando forma a una serie de tensiones e impulsos vitales, que apelan a la espiritualidad. En ocasiones, el interés por la ausencia de luz y su capacidad mística de atracción, apaga los fondos de sus lienzos. El respeto y la exploración de los aspectos oscuros de nosotros mismos, es fundamental para hacer brillar la luz dentro de nuestra grietas más profundas. Debemos honrar a las sombras como nuestras mejores maestras, realizando una tarea que consiste en disolver los conflictos y las sombras hasta llegar a la luz. Una luminosidad que también vemos inundar las obras de Ella, con resplandores que nos recuerdan a las iconografías artísticas del pasado; en forma de amalgama de aureolas cromáticas huella de una sacralidad eterna. Este tratamiento simultáneo de las fuerzas oscuras y luminosas será el que nos transporte a un estado de vigilia, mecido por lo cognitivo, sensorial y emotivo.

Desde la lejanía, sus trabajos dejan vislumbrar dilemas de forma sutil y silenciosa, atrayéndonos a su llamada. Será después en la cercanía, donde entendemos el poder evocador del color con la intersección de tonos, la delicadeza y la fuerza de su unión. Una invitación para el espectador que se zambulle en lo más profundo de sus pensamientos, un viaje de exploración, descubrimiento y curación. Composiciones llamadas a ser interpretadas personalmente por el observador y que, como si de un espejo se tratara, nos devuelven, no solo la mirada interior de la artista, sino también, la de quienes interactúan con ellas. Conecta el espacio que existe entre los pensamientos conscientes e inconscientes, provocando en los espectadores estímulos emocionales, recuerdos y asociaciones, conexiones espirituales y reflexiones filosóficas.

En los últimos años, su proceso creativo ha caminado de la mano de un nuevo aliado: las nuevas tecnologías. Baudinet explora el potencial de los nuevos medios, comenzando a crear y completar sus imágenes digitalmente antes de aplicar la pintura. Un proceso previo que permite a la artista australiana a navegar rápidamente por la composición, el color y los puntos focales. Como siempre con la pintura como verdadero amor, siente la necesidad y emoción de expandir su práctica pictórica a espacios desconocidos que ofrecen nuevas lecturas.

Las pinturas de Ella Baudinet son el reflejo mismo de la vida, ese principio originario, esa fuerza dinámica, caótica, transformadora y, sobre todo, contradictoria. Porque todo es la antítesis de otra cosa.” Óscar García García.

Picasso, lo sagrado y lo profano en Museo Thyssen

Written by: Redacción • 30 septiembre, 2023

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza cierra sus proyectos vinculados a la Celebración Picasso 1973/2023 con Picasso, lo sagrado y lo profano, una exposición comisariada por Paloma Alarcó que se presenta en las salas 53 a 55 de la planta primera del museo. El discurso de la muestra propone estudiar la audacia y originalidad con la que el artista se acercó tanto al mundo clásico como a los temas de la tradición judeocristiana, desvelando su capacidad de integrar elementos y problemas del arte anterior y de reflexionar sobre la esencia última de la pintura. Picasso conjugó en su obra lo divino y lo humano en su sentido más amplio y profundo, e intuyó que, desde el principio de los tiempos, las expresiones artísticas habían adoptado una dimensión sagrada. Cuando mira al arte del pasado nos desvela nuevos modos de interpretar la historia y, con su clarividencia, nos sigue dando claves fundamentales al incierto mundo contemporáneo.

Pablo Picasso. *La crucifixión, París, 7 de febrero de 1930*. Óleo sobre contrachapado, 51,5 66,5 cm. Musée National Picasso-París, dación Pablo Picasso, 1979 © Sucesión Pablo Picasso, VEGAP, Madrid

El arte era para Picasso un medio de exorcizar tanto sus propios temores como los desafíos de la humanidad y él mismo se consideraba una suerte de chamán, poseedor de un poder sobrenatural con capacidad de metamorfosear el mundo visible. Con esa convicción y rodeado de todo un mundo de referencias mágicas, Picasso desempeña el papel de intercesor entre pueblos y civilizaciones, entre el arte y el espectador, a través de unos temas en la que la distinción entre lo sagrado y lo profano apenas existe.

La exposición reúne un total de 38 obras, 22 de ellas de Picasso. A las ocho que pertenecen a las colecciones Thyssen se suman varios préstamos del Musée national Picasso-Paris y de otros coleccionistas e instituciones, así como pinturas de El Greco, Rubens, Zurbarán, Van der Hamen, Delacroix, una escultura de Pedro de Mena y algunos grabados de Goya. A través de tres décadas de su producción y alrededor de tres tramas temáticas, se establece un diálogo que pone de manifiesto la singularidad y las paradojas del arte de Picasso, su personal reinterpretación de los temas y géneros de la tradición artística española y europea y el modo en que los mitos y ritos tanto paganos como cristianos se fusionan en muchas de sus creaciones, sobre todo a la hora de tratar los asuntos más universales de la vida, la muerte, el sexo, la violencia y el dolor. En Iconofagia se aborda la apropiación de determinados aspectos del pasado a través de la contemplación de las obras en los museos o de las reproducciones fotográficas que Picasso recopiló compulsivamente; Laberinto personal se centra en la narración de sus obsesiones personales mediante la reelaboración de los mitos y epopeyas clásicas, y Ritos sagrados y profanos se adentra en su acercamiento a los ritos paganos o a la herencia de lo sacramental a través de diferentes alegorías y cosmologías cristianas.

Fechas: Del 4 de octubre al 14 de enero de 2024
Lugar: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

Entrevista a Lara Ruiz

Written by: José Luis Martínez Meseguer • 29 septiembre, 2023

Lara Ruiz (Luxemburgo, 1986). Vive y trabaja en Salamanca. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca (2009). Máster en Producción Artística (arte y tecnología) por la Universidad Politécnica de Valencia (2010). Docente. Su obra se ubica en el espacio escultórico, arquitectónico, con un gran interés hacia las prácticas colaborativas.

Retrato de Lara Ruiz. Cortesía de la artista.

PAC – Te proyectas desde Salamanca (Salamanca). ¿Te hubiera gustado cambiar de lugar y hacerlo desde allí?

Lara Ruiz – En realidad no se puede decir que me proyecte desde un único lugar, creo que ello no tiene nada que ver con el estilo de vida actual. Me gusta moverme según la necesidad de los proyectos en los que me involucre, considero que el arte y la cultura tienen mucha relación con el movimiento, de alguna manera no se les puede fijar o estancar. Se podría decir que mi estado y modo de vivir es semi-nómada.

Lara Ruiz. *El alma del espacio*, 2023 (detalle). Instalación, medidas variables. Cortesía de la artista.

PAC – ¿Crees que tu trayectoria habría sido la misma?

Lara Ruiz – En mi generación creo que la trayectoria se ve más marcada por los contextos sociales de crisis que por la vinculación a un lugar propiamente. Gran parte de los artistas que emergimos tras el 2008 aprendimos a desenvolvernos en un contexto de sequía cultural. Fue un momento muy duro pues no se valoró invertir en nuestra generación. A cambio aprendimos a asociarnos, a ayudarnos entre artistas y no ser tan dependientes de convocatorias o instituciones. Posteriormente y en la actualidad, los que resistimos a aquel período pudimos encontrar un lugar mucho más agradecido.

PAC – ¿Qué te impulsa a dedicarte a la práctica artística?

Lara Ruiz – Me impulsan muchas cuestiones, la primera sería personal, no puedo concebir una vida sin tener esta posibilidad del ejercicio creativo. Después hay factores sociales, pues dentro del arte pervive una defensa innata al ser humano y su historia, no hay sociedad sin arte y se necesitan mutuamente para sobrevivir. Vivo en la idea de ser una figura protectora de la sociedad desde el arte.

Lara Ruiz. *Color. Casa de apuestas*, 2023. Video acción y serie de serigrafías. Medidas variables. Cortesía de la artista.

PAC – ¿Qué ansiabas?

Lara Ruiz – Si ansiaba algo seguramente ha cambiado. Precisamente ansiar no me ha llevado a ninguna parte, creo que es un estado a evitar porque no te deja ni respirar. Evito ansiar en general. Más bien mi estado sería imaginar e intentar acercarme, tantear y ver si realmente aquello corresponde con lo que creía.

PAC – ¿Lo encontraste?

Lara Ruiz – Me he encontrado con muchas soluciones, pero he integrado en buena medida la experimentación. Permitirme errar hace que el proceso sea más amplio y enriquecedor.

Lara Ruiz. CDC, *Dibujo 9*, 2017. Acuarela sobre papel reciclado. 21 x 29,7 cm Cortesía de la artista.

PAC – ¿Qué crees que puede mejorarse en el Sistema del arte?

Lara Ruiz – Creo que puede mejorar y está llamado al cambio. Personalmente desde donde me corresponde trato de reforzar la misión del artista dentro de ese sistema y abordo conversaciones internas con muchas compañeras y compañeros para valorar de dónde pueden proceder cambios y mejoras.

Lara Ruiz. *CDC, Dibujo 11*, 2017. Acuarela sobre papel reciclado. 21 x 29,7 cm Cortesía de la artista.

PAC – ¿Qué deberíamos aportar y eliminar al Sistema?

Lara Ruiz – Muchas cuestiones, la reforma podría ser muy amplia, pero para poder llevarla a cabo sería más práctico ir realizando cambios desde donde cada artista o agente cultural pueda. En general, el sistema necesita ser más sostenible para todos, en la mayoría de los casos la inestabilidad resulta ser el estilo de vida de los artistas y sin ellos no podría existir el resto.

Lara Ruiz. *Intergrafías, Sin-título 2*, 2017(vista-frontal). Serpentina de papel sobre bastidor. 162 x 130 cm 38 x 46 cm Cortesía de la artista.

PAC – Asociacionismo profesional ¿qué opinas?

Lara Ruiz – Muy necesario y práctico. Asociarse es la mejor manera de definir las causas comunes.

PAC – Háblanos un poco de tu trayectoria.

Lara Ruiz – Destacaría que lo más crucial en mi trayectoria artística es un momento, en torno a 2017, cuando tras un parón creativo decido integrar prácticas que amplían el propio lenguaje estético hacia ejercicios de carácter colaborativos. Creo que desde fuera también se percibe. Son muchos los artistas que sienten la necesidad en un momento de parar, cambiar y retomar.

Lara Ruiz. *CDC, Waves 25*, 2021. PVC esmaltado y lienzo ondulado. 113 x 92 cm Cortesía de la artista.

PAC – Defínete mediante hashtags o etiquetas.

Lara Ruiz – #Retornabilidad #SiteSpecific #ArteColaborativo

PAC – ¿Cuáles son los temas de tu trabajo artístico?

Lara Ruiz – Temas hay muchos: el espacio, la luz, la composición, la mujer en el arte, la educación en el arte, el público activo, la acción digital, etc.

Lara Ruiz. *CDC, Waves 28*, 2021. PVC esmaltado y lienzo ondulado. 113 x 92 cm Cortesía de la artista.

PAC – ¿Algún proyecto, pendiente, que te gustaría realizar?

Lara Ruiz – Aunque estén pendientes, no están más que esperando a encontrar su lugar. Suelo ser ordenada y aboceto e inventario esos proyectos, gran parte de ellos van saliendo de un modo o de otro.

PAC – Un deseo.

Lara Ruiz – El de todos los días, seguir.

Lara Ruiz. Intergrafías, Sin título 1, 2017 (vista frontal). serpentina de papel bastidor. 162 x 130 cm. Cortesía de la artista.

Gina Arizpe inaugura la temporada expositiva de Galería Freijo con “Desecho y omisión”

Written by: Victoria Arribas Roldán • 29 septiembre, 2023

Desecho y omisión es el nuevo proyecto de la artista Gina Arizpe para la Galería Freijo. Comisariada por Ramón Mateos, y en el marco de Apertura Madrid 2023, Derecho y omisión opera como una suerte de recorrido de recorridos en el que el transitar se convierte en la trama y urdimbre de un tejido que a medida que crece ante nuestros ojos va ocultando la realidad de la que forma parte.

Derecho y omisión se articula a partir de tres piezas y la tensión que se genera entre ellas: Cuestión de tiempo, una pieza de largo recorrido, una producción performada que se presentó por primera vez en la SAPS de Ciudad de México en 2018 aunque su producción comenzó en 2014; en 2020 recibió el Premio Fundación 1800 a la mejor producción de ZonaMaco y recientemente ha sido performada en Copenhague. A lo largo de sus presentaciones se ha ido cargando de densidad, como una capa más que puede verse en su formalización: a partir de una montaña informe de algodón, unas mujeres hilan con la ayuda de una rueca hasta convertirlo en un fino hilo con el que tejen sobre un bastidor una tela imposible; a medida que avanza su trabajo van quedando ocultas por su propio hacer hasta desaparecer ante nuestros ojos.

En Nombres y coordenadas, es el trabajo de la propia artista el que va ocultando por un lado el complejo trabajo de investigación del que parte la propuesta: los nombres completos de las mujeres cuyos cuerpos han aparecido en un lugar determinado por sus coordenadas en un momento concreto; y por otro, la realidad misma que representan sus asesinatos al “tejer” con estos datos una serie de dibujos sobre papel en el que su acumulación oculta su evidencia.

Arizpe. Catalina Suárez (Lo íntimo) 200 feminicidios en España

La pieza Catalina Suárez (Lo íntimo), parte del primer feminicidio en la historia de México del que hay registro. La víctima y el victimario eran españoles (Catalina Suárez fue esposa y víctima de Hernán Cortés) y ese dato sirve a la autora para hacer una reflexión sobre el binomio feminicidio-intimidad a partir de datos y situaciones ocurridos en España en los últimos años formalizados en una serie de pinturas de medio formato y otras piezas más pequeñas que recuerdan una cierta intimidad perdida. (Extracto del texto curatorial de Ramón Mateos).

Gina Arizpe vive y trabaja en México. Su obra se centra en la búsqueda y cuestionamiento de los límites físicos y sociales a los que está sometido el cuerpo en las sociedades contemporáneas. Desde un posicionamiento socio-político su producción explora contextos sociales periféricos, a través de feminicidios y la invisibilidad de mujeres vulnerables.

Artista: Gina Arizpe
Fechas: del 13 de septiembre al 28 de octubre 2023
Lugar: Galería Freijo, Madrid