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Jordi Bernadó presenta ID Project, en el MARCO de Vigo

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El museo MARCO de Vigo acoge la muestra ID Project, del artista Jordi Bernadó. En este proyecto, el artista explora la esencia de la identidad humana, aquello que nos hace supuestamente únicos.

Nada Al Ahdal – Jordi Bernadó – ID Project

ID Project reúne catorce fotografías que constituyen una aproximación al género del retrato. Grandes personalidades del mundo contemporáneo, especialmente célebres por su compromiso en distintos campos de la ciencia, las artes, la investigación y los derechos humanos, son sus protagonistas.

La singularidad de estos retratos radica en que los retratados están de espaldas a la cámara, no hay forma de saber si son esas personas, o no. Esta tensión entre celebridad y anonimato sirve de pretexto para una aguda reflexión sobre la identidad, la memoria y la importancia de pertenecer a un lugar.

Las fotografías están sujetas a dos condiciones. Primera, cada participante debe elegir el lugar donde será fotografiado. No puede ser un lugar cualquiera, sino aquel que represente su lugar en el mundo. Segunda, el artista les pide que den la espalda a la cámara. No es su rostro lo que captura, sino su ausencia. Un rostro ausente en un paisaje amado.

En palabras de Amanda Mauri, los retratados se convierten en figuras apenas identificables: una silueta en el horizonte, un punto cardinal en la vastedad que se abre ante la imagen. El paisaje se convierte en la única pista que el espectador tiene acerca de la identidad del retratado. Todos tenemos un lugar en el mundo, un lugar que amamos, que extrañamos, un lugar al que volver. Y todos tenemos nuestras razones para elegirlo. En este caso, el significado de cada lugar queda plasmado en la fotografía, pero velado. Un secreto entre el sujeto y el artista.

ID Project es un proyecto abierto pues desde que fue presentado por primera vez en el Museu Nacional d’Art de Catalunya en el verano de 2022, ha continuado expandiéndose e itinerando como propuesta expositiva, gracias a la colaboración de la Colección de Arte Banco Sabadell, propietaria de todas las obras que integran el proyecto.

Artista: Jordi Bernadó

Fechas: hasta el 26 de mayo de 2023

Lugar: MARCO, Vigo

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Fabiana Silveira: “En el proceso creativo busco crear un vínculo entre la obra y su significado”

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Hoy dedicamos el espacio Detector de Artistas a descubrir el trabajo de la artista Fabiana Silveira. Hablamos con ella sobre los conceptos que marcan su trabajo, su trayectoria y su manera de entender el arte.

“El arte es donde encuentro un espacio único para explorar la complejidad de las emociones y las ideas. No lo veo sólo como un producto estético, sino como un proceso profundamente personal de autoexpresión y descubrimiento.

Fabiana Silveira
Fabiana Silveira en su estudio, 2023

Una de las preguntas que más interesante me resulta hacer a los artistas trata sobre su manera de entender el arte, la manera en la que lo describen nos dan muchas pistas de lo que encontraremos si nos acercamos a su trabajo artístico. Al preguntar a Fabiana Silveira sobre qué es el arte para ella nos contestó:

Es una necesidad vital. Es donde encuentro un espacio único para explorar la complejidad de las emociones y las ideas. No lo veo sólo como un producto estético, sino como un proceso profundamente personal de autoexpresión y descubrimiento. Trabajar con la abstracción es una manifestación consciente de pensamientos y sentimientos, donde la ausencia de representación literal permite una interpretación más abierta y subjetiva por mi parte y por el observador.

También es un diálogo silencioso. Descubro un terreno fértil para explorar la individualidad y la universalidad de las experiencias que vivo. Así, para mí, el arte es un canal de comunicación significativo, que trasciende las limitaciones del discurso verbal y que puede tocar de alguna manera el espectador.

Fabiana Silveira. Código Natural VII, 2021. Acuarela sobre papel y collage digital. Cortesía de la artista.

¿Cómo llegaste a encontrar tu camino como artista?¿Cómo fueron tus primeros pasos?

Pasé mi infancia dibujando, pintando y creando como cualquier niña, pero sin ninguna técnica especial ni talento autodidacta para el arte. No fue hasta que empecé el curso de Artes Visuales en la universidad cuando realmente me sentí identificada y atraída por todo que estaba relacionado, con ganas de saber más y, en consecuencia, comencé a producir mis primeras obras.

Estudiar la carrera me permitió conocer diferentes técnicas, sus procesos y posibilidades en amplia perspectiva, y en aquel momento me interesaban especialmente la escultura y el diseño gráfico.

Durante la etapa universitaria, comencé a trabajar profesionalmente como diseñadora gráfica y, simultáneamente, desarrollaba mis estudios artísticos. Posteriormente, realicé un máster en Cultura y Creación, fue entonces cuando conscientemente comencé a fusionar el arte y el diseño mediante técnicas de collage digital y la manipulación fotográfica.

Al cabo de algunos años, decidí explorar otra forma de expresión artística y me sumergí en el estudio de la danza. Fui bailarina, participé en una compañía de danza y también di clases. Tras ocho años alejada de las artes visuales, en 2018 retomé mis estudios de manera independiente y empecé a experimentar con la acuarela. Naturalmente, esto dio lugar a una producción considerable, centrándome principalmente en la investigación de procesos, materiales y técnicas.

Fabiana Silveira. Lunares IV, 2021. Cortesía de la artista.

¿Qué temáticas están presentes en tu trabajo?

Me inspiro diariamente en la naturaleza durante mis paseos por el bosque junto a mi perro. Sin embargo, mi objetivo no es necesariamente retratarla de manera literal. Utilizo la naturaleza como referencia para explorar colores, formas y texturas, centrándome especialmente en lo que llamo de microcosmos, los pequeños mundos que intento capturar en fotografías como parte de un proyecto fotográfico personal paralelo.

Además de esta conexión con la naturaleza, mi obra aborda una amplia variedad de temas que están de alguna manera vinculados con mis experiencias personales cotidianas, inquietudes, sentimientos y emociones.

Me dedico a explorar también la forma circular, ya sea en solitario o en composición con otros círculos de diferentes tamaños. Mi interés radica en la sencillez de esta forma geométrica, así como en el simbolismo que ha tenido en diversas culturas a lo largo del tiempo.

En el proceso creativo, busco crear un vínculo entre la obra y su significado. Este diálogo íntimo, aunque no sea perceptible visualmente para el espectador, es algo que yo sé que existe. De hecho, muchas veces disfruto más del proceso que del resultado final. Esta interacción personal con lo que estoy produciendo es un proceso profundo y no necesariamente explícito para quienes observan mi obra.

Fabiana Silveira. Código Natural XLIII, 2023. Acuarela sobre papel y collage digital. Cortesía de la artista.

¿De tu trabajo qué obra o serie artística destacarías?

La serie Código Natural. Actualmente ya son más de 50 obras, que incluyen láminas y NFTs, que he venido creando desde 2021 mediante la combinación de la técnica de acuarela sobre papel y el collage digital.

Pinto utilizando una generosa cantidad de agua, explorando la concentración de los pigmentos. Me interesa el error, lo diferente. En una técnica tradicional, el uso excesivo de la acuarela se consideraría un fallo, pero para mí, representa experimentación y descubrimiento.

Después de que la pintura se seca, la transfiero al ámbito digital, donde trabajo en la composición con círculos utilizando las texturas que he pintado sobre el papel. Desde el punto de vista técnico, esta serie representa la fusión de mis dos actividades profesionales y refleja mi ejercicio diario de observación de los pequeños mundos de la naturaleza.

Caminos (Acuarela y pan de oro sobre escultura de papel) perteneciente a la serie “Finitud”. Cortesía de la artista.

¿Puedes adelantarnos algo de tus próximos proyectos?

No paro. Estoy en negociación para una exposición individual en una galería de Madrid este aún en 2024; debo concluir algunas obras nuevas en gran formato, que es algo que empecé a explorar más el año pasado; además, estoy trabajando en una nueva serie que también mezcla acuarela sobre papel y el digital (recuperando un proyecto que pinté en 2021 y que sólo ahora siento que está listo para ser visto); y muchas cosas más que están por venir este año.

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Avelino Sala, elegido para representar a España en la Bienal de Arte de Malta

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El artista Avelino Sala (Gijón, 1972) presenta, en el contexto de la Bienal de arte de Malta, y con el apoyo de AECID, “No one is an island”, un proyecto individual, site specific, para el Pabellón de España de este evento. Con el comisariado de Ángel Moya, el pabellón español se centra en la idea de isla, la identidad Europea, la capacidad de reacción de la ciudadanía y la crisis humana migratoria mediterránea.

Europa como un escudo, detalle instalación, 2024

La primera edición de maltabiennnale.art 2024 pretende examinar el Mediterráneo desde una perspectiva insular; estar rodeado de mar altera drásticamente el punto de vista y la respuesta de cada uno. A través del pensamiento insular, se hace evidente que la cuenca mediterránea tiene dos orillas: es a la vez el sur de Europa y el norte de África, un encuentro de Oriente y Occidente, una confluencia de Oriente y Occidente. Lejos de ser algo puro, la isla es siempre un principio de composición e invención. Una isla es el lugar ideal para forjar relaciones: se parte, se llega. Invita a surcar el mar circundante, a tocar otras tierras. 

El proyecto “No one is an island” en el pabellón español trabaja sobre el concepto de identidad en una dimensión múltiple y plural, donde el encuentro y el intercambio con otras culturas es su eje fundamental y donde el concepto de isla se entiende como un lugar de posibilidades. Sin exclusiones, sin límites, sin miedo, sin rechazo. La obra de Avelino Sala interroga la realidad cultural y social desde una perspectiva romántica con un punto de vista crítico, explorando continuamente el imaginario social, identificando sus puntos débiles y verificando la credibilidad de concebir e implementar alternativas.

La exposición, desarrollada en el interior de Villa Portelli en Kalkara, se configura como una sucesión de retratos críticos de la actual situación política en Europa ante la tragedia humanitaria desencadenada por la reciente crisis migratoria, la más grave después de la Segunda Guerra Mundial.

De más de 2.500 propuestas artísticas de más de 100 países y 20 pabellones nacionales, el equipo de la Bienal ha seleccionado 80 artistas internacionales para esta primera cita.

La maltabiennale.art tendrá lugar en Malta, entre el 13 de marzo y el 31 de mayo de 2024.
 

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Últimos días para visitar ET POURTANT SI…, la exposición dedicada a Claude Viallat en el Carré d’Art

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Hasta el 11 de febrero es posible visitar en el Carré d’Art, en Nimes, la exposición Et pourtant si…, un homenaje a una de las figuras más importantes de la abstracción francesa que todavía reside y trabaja en la ciudad: al artista Claude Viallat. La muestra se alargará hasta el 3 de marzo en una versión reducida dentro del mismo museo.

©Pilar Romero

A través de una amplia selección de obras realizadas por Viallat en los últimos diez años, la exposición comisariada por Matthieu Léglise invita a contemplar el universo creativo más reciente del artista, formado por una multitud de piezas de diversa naturaleza, características de su trayectoria y con las que sigue trabajando de manera incansable a sus 87 años.

El museo inauguró esta muestra monográfica el pasado mes de octubre como parte de la programación de eventos de celebración de sus 30 años de actividad, que se iniciaban con su apertura el 8 de mayo de 1993. En este contexto, el Carré d’Art le dedica la mayor parte de su espacio expositivo, desplegando grandes telas, esculturas y objetos en un recorrido que se extiende desde el vestíbulo hasta la tercera planta.

©Pilar Romero
©Pilar Romero

La exposición refleja un prolífico trabajo artístico resultado de la constante experimentación. Combinando obras pictóricas con piezas que cabalgan entre la escultura y el ensamblaje, el carácter sencillo y cuidado de su montaje concede todo el protagonismo a las piezas, creando así una atmósfera que inunda el espacio y envuelve al visitante.

Las obras pictóricas, de gran esplendor colorista, se materializan con el uso de una forma que es ya una marca de identidad, una figura que no pretende ser una representación ni un símbolo concreto, sino un elemento neutro. Con él, Viallat interviene libremente lienzos, tejidos y piezas de diferentes procedencias y tamaños, realizando juegos de composición y ritmo que intercalan vacíos y llenos, formas y contraformas.

©Pilar Romero

Sus esculturas parten también de gestos elementales. Mediante el atado, la costura, la doblez, el pegado o la perforación, Viallat transforma objetos convencionales en piezas con nuevos significados.

Esta combinación de elementos y materiales diversos crea nuevos lenguajes que son fruto del interés del artista por ahondar en la relación entre color, forma y materia. Sus obras nacen de la experimentación en torno al modo en el que un tejido toma el color y lo devuelve, a la vez que la austeridad de medios da lugar a posibilidades infinitas en una suerte de cohesión artística única.

©Pilar Romero

Con Et pourtant si… de Claude Viallat, el Carré d’Art concluye la celebración de su trigésimo aniversario, un período en el que muchas cosas han cambiado, pero en el que este museo, diseñado por Norman Foster como una gran apuesta arquitectónica, continúa avanzando inalterable en la promoción y difusión del arte contemporáneo en la región mediterránea.

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Entrevista a Héctor Vidal

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Héctor Vidal (Barcelona, 1994). Desde 2014 vive y trabaja en Zaragoza. Grado elemental (2007) y Grado medio en Música (2012) por el Conservatorio Municipal de Música de Barcelona. Bachillerato Artístico (2012) y Técnico Superior en Artes Aplicadas al Muro (2014) por la Escola Massana Centre d’Art i Diseny, Barcelona. Operador de cámara de vídeo, cine y televisión por el Centro de Producción Audiovisual Salduie, Zaragoza (2015). Técnico Superior en Ilustración por la Escuela de Arte de Zaragoza (2017). Grado en Diseño Gráfico por la Escuela Superior de Diseño de Aragón [ESDA], Zaragoza (2021). Pintura. Pintura Mural. Ilustración. Diseño gráfico. Tattoo.

Retrato de Héctor Vidal. Cortesía del artista.

PAC – Te proyectas desde Zaragoza. ¿Te hubiera gustado cambiar de lugar y hacerlo desde allí?

Héctor Vidal – Nací en Barcelona en 1994. A los veinte años me mudé con mis padres a Zaragoza. Durante la primera etapa en la ciudad catalana, realicé los estudios de Bachillerato Artístico en la Escola Massana y posteriormente un Ciclo Formativo de Artes Aplicadas al Muro. Cuando llegué a Zaragoza me apunté a un curso de Operador de Cámara de Tv y Cine, que duró un año, luego un Ciclo Formativo de Ilustración en la Escuela de Arte de Zaragoza y por último el grado de Diseño Gráfico en la Escuela Superior de Arte [ESDA]. Me hubiera gustado hacer el máster de pintura en Bilbao, o estudiar Bellas Artes en Granada, pero me surgió la posibilidad de hacerme autónomo al terminar diseño, y no me lo pensé dos veces. No descarto la opción de seguir estudiando en un futuro.

Héctor Vidal. Mural Azuara. Cortesía del artista.

PAC – ¿Crees que tu trayectoria habría sido la misma?

Héctor Vidal – No lo sé. De todas formas, me gusta y estoy cómodo con las decisiones que he ido tomando a lo largo de estos años. La cosa es no parar de hacer cosas y no estar quieto. Creo que me ha ido bien hasta el momento.

PAC – ¿Qué te impulsa a dedicarte a la práctica artística?

Héctor Vidal – Supongo que como la mayoría de personas que nos dedicamos a esto, llevamos toda la vida dibujando y nunca lo hemos dejado. El arte me ha interesado desde siempre (de pequeño tenía mucho interés en el cómic, la animación, el cine, la música…) y mis padres siempre me han apoyado. En ningún momento ha cabido la duda de realizar otros estudios que no fueran artístico, y eso me ha permitido aprender y formarme en lo que me interesa. Siempre he tenido referentes que me han servido como meta e inspiración para seguir pintando, creando o dibujando, y eso es lo que más me llena.

Héctor Vidal. Mural Tabuenca. Cortesía del artista.

PAC – ¿Qué ansiabas?

Héctor Vidal – Nunca he querido ganarme la vida de otra forma que no fuera con la práctica artística, y por el momento lo estoy consiguiendo. Eso tiene sus desventajas, pero también me ha servido para esforzarme y trabajar más, bajo mi propia exigencia.

PAC – ¿Lo encontraste?

Héctor Vidal – Si, y mucho más. Cuando empecé a pintar grafiti, con trece o catorce años, no pensaba que podría llegar a cobrar por pintar un mural en una fachada de cincuenta metros cuadrados. He conocido a muchas personas gracias a mi trabajo, que a día de hoy son mis mejores amigos. He colaborado con entidades y clientes que siguen confiando en mi trabajo.

Héctor Vidal. Yellow Family. Cortesía del artista.

PAC – ¿Qué crees que puede mejorarse en el Sistema del arte?

Héctor Vidal – Creo que en la educación sobre todo. En las enseñanzas básicas (educación primaria y secundaria) se da muy poco valor al arte. Parece que la carrera artística no sea profesional, que no se pueda vivir de ello o sea poco importante. Hay que impulsar y apoyar a los más jóvenes que tengan interés artístico, llevarles a museos, enseñarles referencias…

También creo que debe ser más accesible para todo el mundo y que sea menos elitista. Debe haber más facilidad para exponer, para presentarse a concursos, más subvenciones, accesibilidad a museos…

© Héctor Vidal. Cortesía del artista.

PAC – ¿Qué deberíamos aportar y eliminar al Sistema?

Héctor Vidal – Deberíamos conseguir empoderarnos y ser los protagonistas de este mundillo. Creo que hay una comunidad “no artística” que está detrás de todo esto moviendo los hilos y nos está envenenando. También pienso que se nos debería tomar más en serio a la hora de cerrar un contrato, pagar una factura, negociar unas condiciones y valorar nuestro trabajo.

PAC – Asociacionismo profesional ¿qué opinas?

Héctor Vidal – Creo que es una buena forma de conseguir llegar a muchos sitios a los que no llegamos de forma individual. Compartir opiniones, gestionar proyectos y poner en conjunto una serie de cuestiones legales como asociación, da pie a que se nos tome más en serio.

Héctor Vidal. Traje de pocas luces. Cortesía del artista.

PAC – Háblanos un poco de tu trayectoria.

Héctor Vidal – De pequeño me encantaba dibujar, de hecho no atendía mucho en clase porque siempre estaba dibujando en las libretas, en la agenda, en la mesa o en el propio libro de la asignatura. Mi padre es músico y siempre se ha valorado mucho la creatividad en mi casa. Me apuntaron a clases de solfeo y saxo cuando tenía cinco años, y más tarde cursé Grado Medio de violín en el Conservatorio Municipal de Música de Barcelona. Cuando empecé a pintar grafiti, surgió el boom del street art y el muralismo, con artistas como Aryz, GR170, Enric Sant, Etam Cru… Entonces me empezó a interesar ese submundo, considerando el grafiti y el uso del espray como herramienta artística. Por aquella época me hicieron los primeros encargos de murales en bares y tiendas. Mientras tanto yo estaba cursando el Grado Formativo de Artes Aplicadas al Muro en la Escola Massana, donde nos enseñaban técnicas artísticas sobre el muro como pintura al fresco, vidrieras, mosaico, esgrafiados, pintura al óleo, acuarela, performance… Yo iba pintando cuadros, experimentando con técnicas y estilos. Nunca he buscado ni me ha preocupado tener un estilo propio, me gusta variar en cada proyecto en el que me sumerjo y adaptarme a él, dejando de lado el estilo. Una vez en Zaragoza me tomé más en serio eso de dedicarme a esto profesionalmente, y dediqué mucho tiempo a investigar y buscar información sobre la ilustración, el diseño y la pintura. Me presenté a todos los concursos que podía, fui a muchísimas exposiciones y dibujaba a todas horas. Por aquel entonces ya iba teniendo más encargos, tanto de ilustración como de muralismo. Aquí en Zaragoza parece que todo sea más accesible y enseguida conoces a personas como tú, por lo que podía llegar más fácilmente a tener encargos de empresas o estudios de diseño que son grandes referentes en el sector. En el último curso del Grado de Diseño me di de alta como autónomo. Ya tenía varios clientes fijos y bastante trabajo, entonces no dudé. Hasta hoy he colaborado (gracias al diseño, la ilustración y la pintura) con estudios de diseño de Zaragoza, Teruel y Barcelona, con editoriales, empresas de todo tipo, ayuntamientos y particulares.

© Héctor Vidal. Fotografía cortesía del artista.

PAC – Defínete mediante hashtags o etiquetas.

Héctor Vidal – #Trabajo #Experimentar #Conocer #Investigar #Crear

PAC – ¿Cuáles son los temas de tu trabajo artístico?

Héctor Vidal – Últimamente estoy trabajando en una serie pictórica tomando como inspiración fotografías vernáculas que me encuentro en internet, álbumes de foto antiguos, en la galería del móvil o mercadillos. Me llaman mucho la atención escenas cotidianas de los años ochenta/noventa, ya que son crudas, muy esporádicas. Actualmente todas las fotos que tomamos con el móvil son forzadas, siempre miramos a cámara, y si no nos gustan repetimos la foto. Antes solo hacías una foto (para aprovechar el carrete) y muchas veces salía mal, movida o quemada.

En los murales que hago, sigo esta línea, intentando representar motivos cogidos del pueblo (escenas cotidianas y costumbristas del mismo), aunque cuando es un encargo cerrado a veces toca pintar los temas que el cliente me da.

En cuanto a la ilustración, me adapto siempre al proyecto. Normalmente siempre que me encargan una ilustración es porque va a acompañar un texto o va relacionada con un concepto, entonces me gusta darle la vuelta, intentando ser poco literal y repetitivo.

© Héctor Vidal. Fotografía cortesía del artista.

PAC – ¿Algún proyecto, pendiente, que te gustaría realizar?

Héctor Vidal – Cuando me voy a dormir mi cabeza es cuando más despierta está. Tengo un grupo de WhatsApp en el que estoy yo solo y voy apuntando todas las ideas que voy teniendo para futuros proyectos. Entre ellas aparecen ideas para ilustraciones de prensa, performance, video arte, música, escultura, instalaciones, pintura… Soy bastante inquieto, y siempre me encuentro con algo nuevo que me llama la atención o me inspira para hacer algo. Mientras tanto sigo trabajando en los proyectos que me encargan y pintando la serie de cuadros, a ver si consigo exponer en alguna galería.

PAC – Un deseo.

Héctor Vidal – Siendo egoísta, me encantaría poder vivir de esto siempre y poder llegar a muchas personas.

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Amanda de la Garza, nueva subdirectora artística del Museo Reina Sofia

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El pasado 24 de noviembre daba comienzo el proceso selectivo, tras la publicación en la página web del Museo de la convocatoria, del puesto de subdirector o subdirectora artística del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Un procedimiento que ha garantizado la publicidad y concurrencia atendiendo a los principios de mérito y capacidad y a criterios de idoneidad.

Retrato de Amanda de la Garza. Fotografía de Nirvana Paz.

En la convocatoria se establecía que “El subdirector o subdirectora artística del MNCARS será la persona encargada de llevar a término el programa de exposiciones, los programas públicos, las presentaciones y líneas de crecimiento de la Colección, los proyectos de restauración, la supervisión del registro y el trabajo de la Biblioteca y archivos, así como los aparatos de investigación necesarios para su desarrollo. En este sentido, se trata de un puesto de confianza que estará en estrecho contacto con la Dirección”.

Además, se anunciaba la creación de una comisión de valoración, que ha examinado y evaluado las solicitudes y la documentación aportada por los 52 candidatos que se han presentado a la convocatoria. La comisión ha estado presidida por el subdirector Gerente del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Julián González Cid, e integrada por dos personas más en condición de vocales: un representante del Real Patronato, Guadalupe Herranz Escudero, secretaria del Real Patronato y un representante de la Subdirección de Gerencia, Sara Horganero Gómez, subdirectora Adjunta a Gerencia. La comisión de valoración, tras la evaluación de las solicitudes presentadas, emitió un informe en el que se concretó el resultado de la misma y una prelación de las solicitudes. A la vista de los méritos acreditados, y visto el informe de la comisión de valoración, el director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía junto a la comisión de valoración ha realizado entrevistas personales a los candidatos/as que han sido preseleccionados para comprobar su idoneidad para el puesto y tener un mejor conocimiento de sus méritos y su capacidad.

Tras la finalización del proceso, el director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Manuel Segade (en aplicación del artículo 9.2.ñ del Estatuto del MNCARS), propuso ayer a la Comisión Permanente del Real Patronato el nombramiento de Amanda de la Garza (Monclova, México, 1981) como nueva subdirectora artística del Museo Reina Sofía.

Perfil de Amanda de la Garza

Curadora e historiadora del arte. Desde 2020 es directora general de Artes Visuales y del Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) de la UNAM, una de las instituciones más importantes en su campo de América Latina.

Formada en Estudios curatoriales, Historia del Arte, Antropología y Sociología, entre 2012 a 2019 ha sido como curadora adjunta en el MUAC. Ha comisariado y coordinado más de 30 exposiciones de arte moderno y contemporáneo, así como exposiciones de archivo y revisiones de reconocidos artistas, de entre los que destacan: Harun Farocki, Hito Steyerl, Vicente Rojo, Jeremy Deller, Isaac Julien, Jonas Mekas, José Dávila y Chantal Peñalosa para museos en México y en el extranjero.

Fue co-curadora de la XVII Bienal de Fotografía del Centro de la Imagen y de Lecturas de un territorio fracturado, primera revisión de la colección de arte contemporáneo del Museo Amparo en Puebla. Ha publicado numerosos ensayos, entrevistas y reseñas en catálogos, libros y revistas especializadas. Ha sido galardonada con el Premio Curadores Emergentes, la Bienal Fronteras y varias becas de investigación en México y el extranjero. Actualmente, es integrante de las juntas directivas del CIMAM (International Committee for museums and Collections of Modern Art), de ICOM México y es miembro de AAMD (Association Art Museum Directors).

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Cando eu vin. Sergio Femar

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Es ley de creación combinar la facultad de descubrir con la de la investigación más rigurosa, actitud que ha permitido a los artistas vivir alternativamente en lo indefinible y en lo que puede oscilar incesantemente entre el instinto y la razón, entre la naturaleza y el artificio. Sergio Femar es considerado pintor, pintor de los que buscan la disciplina a través de sus propios códigos, pero entendedor de que lo que denominamos disciplinas son simplemente campos específicos dentro de un fragmento de la realidad y que, por ello, sus posibilidades de manifestación plástica son diversas. Será la pintura, pues, el medio que le ofrece la posibilidad de aprehender lo que ve, de atrapar la intuición. Sus obras se muestran como un dispositivo para la visualidad, donde el grado de abstracción implica y reitera el propia materia: retales recuperados, a veces tintados, maderas encontradas, ajadas a priori por el humano o sacadas en bruto del bosque, se le presentan como la «forma correcta» en un momento preciso, el momento en el que las vio. Son formas que cuestionan y se mezclan con las tradiciones académicas, como un órdago a las reglas de composición, color y proporción, pero que nacen despreocupadas, como caprichos que responden a los deseos del espacio y el tiempo, igual que los lienzos de Matisse o Gauguin.

© Sergio Femar

A través de estos ensamblajes explora la expansión de un vocabulario que ya no solo está arraigado en las corrientes pictóricas que ha asimilado, sino también en aquellas que destacan la autonomía del objeto y la naturaleza física del soporte. Un soporte con el que convive, lucha y al que somete a través de la calidad táctil de su pintura y de un expendido manejo compositivo de las formas. Es por ello esencial entender las obras Femar en tres dimensiones como parte intrínseca de la disciplina pictórica de la que emergen, pues en su esencia no solo se encuentra la configuración de su lenguaje, sino también su propia evolución. Las maderas y las telas están concebidas como respuestas espaciales que gravitan entre la rigidez geométrica y la expansión natural de los bosques, atendiendo a los procesos dinámicos de movimiento, crecimiento y cambio.

© Sergio Femar

Recuerdan, en parte, a los famosos paintants de Fabian Marcaccio que, en los noventa, defendía un tipo de pintura concebida como actividad, cuya formalización práctica se realiza a través de instalaciones o respuestas complejas en la intersección de campos como la escultura, el textil o lo instalativo. Se trata de construir una narrativa en sintonía con el espacio, de observar y descubrir el entorno en primer lugar, antes de inventar. Un proceso de inclusión en lugar de exclusión, de presentación en vez de representación. Pues dentro de la vastedad de su producción, le preocupa la construcción de una unidad de sentido entre los colores y también entre las formas, para fusionar estos dos dominios de la pintura en uno solo.

Esta doble relación entre «informar» y «dar forma a algo» es central en su enfoque artístico, tomando en el último año un proceso mucho más consciente, con una meditación previa, potenciada especialmente cuando está de regreso en su Galicia natal. A pesar de haber pasado varios años en diferentes capitales europeas, la exposición actual se ha gestado completamente desde su taller gallego, lo que ha conllevado un cambio notable en los volúmenes y su cromatismo. Todos los negros y colores oscuros que parecen ahora dominar sus últimas grandes piezas nos remiten a una espiritualidad norteña, aquella que es oculta y sincera, que se lleva dentro; el negro, que no es oscuridad, sino reflexión, humedad y profundidad. Es como la naturaleza que engendra y devora continuamente sus propias creaciones, piezas que van mutando en su taller, fusionándose y desagregándose, «canibalismo en el estudio», entre los propios fragmentos que, durante días, meses e incluso años, aguardan al encuentro del fulgor último de su forma.

© Sergio Femar

Sergio Femar vuelve a España con un trabajo enérgico, idiosincrásico y con un abanico de polaridades que se vertebran entre el realismo del soporte y una intuitiva emoción abstracta. Lo que hace que su trabajo parezca sencillo, aunque implique una jerarquía escópica que debe ser descubierta poco a poco. Después de todo, no es un paisaje, sino una reafirmación de la pintura, es tomar un fragmento de realidad, como hacen los fotógrafos y, desde ahí, concebir el mundo.

Óscar Manrique


Fechas: Hasta el 25 de febrero de 2024
Lugar: Galería Ginsberg Tzu, Madrid

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Retrospectiva de Susana Solano en Barcelona

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Anónimos de Susana Solano comprende cuatro décadas de trayectoria artística y presenta, en Espais Volart, esculturas de gran formato, algunas inéditas, además de fotografías y obras sobre papel. Comisariada por Enrique Juncosa, esta muestra es significativa por el hecho de ser la segunda retrospectiva de la artista que se realiza en Barcelona después de la del MACBA en 1999. El título que da nombre a la exposición, Anónimos, remite al conjunto de obras más recientes y de pequeño formato que cierran la muestra.

Susana Solano. Lalibela n11, 1996 © Borja Ballbe

Susana Solano (Barcelona, 1946) logró un gran reconocimiento internacional ya en las décadas de los años ochenta y noventa, con la participación en muestras como, por ejemplo, la Documenta de Kassel y las Bienales de Venecia y São Paulo, así como también tuvo importantes exposiciones individuales en museos de Londres, San Francisco, Washington, Madrid, Berlín o Viena. Solano forma parte de una brillante generación de profesionales de la escultura que cuenta con Richard Deacon, Juan Muñoz, Martin Puryear, Anish Kapoor, Tony Cragg, Cristina Iglesias, Robert Grosvenor o Franz Erhard Walter.

Susana Solano. El puente, 1986 © Borja Ballbe

Las obras de Susana Solano se caracterizan por una simplicidad geométrica y una apariencia sólida y pesada, en las que utiliza habitualmente el hierro, el acero y las mallas metálicas evocando, así, “una estética postindustrial que vehicula poderosas situaciones emocionales”, en palabras del comisario. Y continúa, “las referencias a cosas y objetos que conocemos, cuando es el caso, no responden a un afán representacional, sino que sirven para explorar, al igual que toda su obra en conjunto, memorias y emociones provocadas por paisajes y espacios arquitectónicos, pasando de templos y viviendas a sencillas construcciones de uso técnico o elementos y construcciones industriales”.

Susana Solano. Senza uccelli, 1987 © Borja Ballbe

Las esculturas de Solano no tienen un sentido cerrado, si bien pueden evocar aspectos de la arquitectura industrial tales como contenedores, jaulas y celdas. No hay nada que represente a los seres humanos, aunque su presencia está implícita o insinuada, como en la escala que presentan las obras. En palabras de Marta Llorente, “el arte de Susana Solano es difícil porque la respuesta que nos ofrece es la que cada mirada podrá encontrar, y éste ejercicio exige tiempo y pasión, capacidad de espera, suficiente ingenuidad, una especie de pureza del espíritu. […] Vale la pena que nos quedemos y permitamos que surja allí el campo extenso de asociaciones, porque ésta es la libertad que el artista nos ha dado”.

Susana Solano. Circulo casus belli III, 1997 © Borja Ballbe

Así pues, Solano descarta los ideales de pureza del minimalismo – el arte no debe tener un significado y lo que realmente tiene importancia son sus características físicas- pero de una manera ambigua y compleja. Y nunca habla del significado de su obra aunque siempre tiene alguno. Enrique Juncosa comenta que “sus obras exploran diferentes cuestiones entre las que se encuentran la soledad, el silencio, la angustia, el trauma, el confinamiento, el equilibrio y la simetría, el descanso o el juego, por decirlo algunos. También aparece, a veces, un cierto sentido de el humor contenido, tanto en algunos títulos, como en sus referencias.” Cabe remarcar que Solano decide los títulos a posteriori y no se refieren a elementos que podrían contar.

Anónimos, pues, reúne una cincuentena de obras que permiten realizar un recorrido por la trayectoria artística de Susana Solano a través de esculturas de gran formato, algunas bien conocidas y otras inéditas, fotografías, alguna obra sobre papel y esculturas de pequeño formato.


Fechas: Del 2 de febrero al 14 de julio de 2024
Lugar: Espais Volart, Barcelona

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LA CUARTA PARED. Belén Mazuecos

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La Cuarta Pared es el título de la muestra de Belén Mazuecos que se presenta en el Instituto de América-Centro Damián Bayón. La exposición se inscribe en el marco del proyecto “Apuntes para una etnografía del mundo del arte” que la artista está desarrollando desde 2016. Éste configura una suerte de alegoría o metáfora visual de lo que acontece en el ámbito artístico, haciendo referencia a las grandes dificultades para acceder —o adaptarse— a un sistema y mercados opacos; un “ecosistema extremadamente frágil”.

El objetivo principal de este proyecto de investigación artística es reconstruir una etnografía visual del mundo del arte, a través de distintas anotaciones que registren y cuestionen la realidad poliédrica del campo artístico, sus actores más influyentes, las tramas y relaciones sociales que lo atraviesan y sus diversas problemáticas. De esta forma, “Apuntes para una etnografía del mundo del arte” ha ido evolucionando, ramificándose en diferentes líneas discursivas o subtemas que han generado, a su vez, varias exposiciones previas a ésta con diversas narrativas o hilos argumentales.

La primera parte del proyecto se centró en la idiosincrasia del propio ámbito artístico como objeto de estudio, indagando en las características específicas del contexto y prestando especial atención a los mediadores como sus protagonistas más relevantes. Los resultados fueron presentados en la exposición individual “Genius loci. Apuntes para una etnografía del mundo del arte”, comisariada por Bernardo Palomo en las salas de exposiciones Pescadería Vieja (Jerez, Cádiz) y Rivadavia (Cádiz) (2017, 2018).

La segunda, se mostró en 2019 en la exposición individual “The naked king. Notes for an ethnography of the art world”, comisariada por Ana García López en el Krakowskie Forum Kultury (Cracovia), desplazando el foco hacia la asimetría de la información entre los distintos agentes del medio, la crisis de legitimidad del arte contemporáneo y la distancia que lo separa de la sociedad. “El rey desnudo” sugiere una evocadora y ajustada metáfora de lo que acontece en el mundo del arte, tomando prestado el título del relato homónimo de Andersen y la moraleja que de él se desprende: la complejidad del arte genera una crisis de legitimidad o, en el mejor de los casos, la asunción de un consenso en términos de gusto que emana de las instancias legitimadoras que el espectador no siempre comparte, pero que no se atreve a cuestionar para no demostrar incompetencia.

La tercera parte del proyecto, comisariada por Francisco Carpio, se exhibió en 2023 en el Museo Gregorio Prieto (Valdepeñas, Ciudad Real), bajo el título “El paño invisible”19 y puso el acento en el objeto artístico, indagando en su naturaleza y en la identificación del artista con la propia obra de arte.

La presente exposición en Santa Fe (Granada) supone un cuarto capítulo del proyecto (la cuarta pared), una cuarta perspectiva que profundiza en la carrera de fondo del artista y en los procesos de selección natural en un ecosistema artístico en proceso de cambio.

El título de esta exposición, “La cuarta pared”, comisariada por Alicia Ventura, pretende tomar distancia y analizar globalmente todo el proyecto, asumiendo el punto de vista del espectador, desde la asepsia que garantiza ese muro inmaterial que lo separa del espacio escénico, adoptando un término que describe, precisamente, la pared imaginaria que está al frente del escenario de un teatro, en una serie de televisión, en una película de cine o en un videojuego y a través de la cual la audiencia contempla la actuación de los personajes.

Las 23 obras que integran esta exposición (entre las que se cuentan 2 trípticos y un políptico de 5 piezas) presentan los fragmentos inconexos de un mapa que revela lo desconocido, en un intento de cartografiar la particular fauna, flora, topografía e hidrografía del mundo del arte…también pueden leerse como los párrafos de texto discontinuos del periplo que describe un camino, en este caso —las etapas en la carrera artística—, detallando sus ventajas, obstáculos y peligros. Pertenecer al mundo del arte es saltar continuamente al vacío (sin red o con ella, como en el famoso fotomontaje de Yves Klein), emprender un viaje sin rumbo cierto en un estado de ingravidez permanente, manteniéndose en caída libre con una hoja de ruta incompleta, tratando de acotar un universo fascinante, insondable, complejo y desconocido… guiándose solo por trampantojos de estrellas que parecen lucir con más fulgor que nunca, sobre un cielo pintado, cuando se las observa.

Extractos del texto “La escena del arte que se esconde tras la cuarta pared” de Belén Mazuecos en el catálogo de la exposición La cuarta pared.


Fechas: Del 17 de enero al 10 de marzo de 2024
Lugar: Instituto de América – Centro Damián Bayón, Granada

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Alba Abellán, María Marchirant y Lara Ordóñez en VANGAR

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La galería Vangar presenta la exposición de las artistas Alba Abellán, María Marchirant y Lara Ordóñez. En la muestra, que tiene por título Llet Llum Mel, las tres artistas valencianas han trabajado por primera vez conjuntamente, para crear nuevas piezas en las que confluyen los procesos de trabajo de cada una de ellas. Una investigación artística que gira en torno a los conceptos de identidad, tanto propia como colectiva, herencia cultural, memoria, territorio y tradición, y su manera de perdurar a través de expresiones, objetos, lugares, materiales y
procesos.

"Llum Mel" Alba Abellán, María Marchirant y Lara Ordóñez
“Llum Mel” Alba Abellán, María Marchirant y Lara Ordóñez

“Somos sólo una partícula más del tapiz,” – argumenta María Sánchez, escritora y autora del texto crítico de la muestra – “con nosotras llevamos saberes y gestos que aún, quizás, no hemos considerado porque simplemente no hemos prestado la suficiente atención que la ceremonia necesita. Un apero trae, consigo, una palabra. Unas manos que tejen, guardan con ellas, una manera única de ver el territorio. Un oficio es herencia, supone un imaginario que puede transformarse en otros que alumbren un mañana que hoy sentimos incierto y tembloroso. La tierra es urdimbre, y las artistas María Marchirant, Lara Ordoñez y Alba Abellán hilvanan de manera extraordinaria en esta galería, con sus trabajos, una conversación con todo aquello que nos rodea y nos sostiene.”

"Llum Mel" Alba Abellán, María Marchirant y Lara Ordóñez
“Llum Mel” Alba Abellán, María Marchirant y Lara Ordóñez

“Cada una de ellas, con su obra, es un sendero que transita búsquedas y procesos propios, trae también memoria y reivindica la belleza de lo espontáneo con su hacer. En este encuentro habla la luz, el color y la textura, pero toman también la palabra las fibras vegetales, y el hilo, la lana y el cordel. La obra se enraíza al valenciano, la lengua madre de las tres creadoras: a través de la llet, el llum y la mel, se nos revela un diálogo fresco entorno a las costumbres, la identidad, y la herencia. A través de materiales naturales tradiciones valencianos, se abre un nuevo marco en que la práctica artística contemporánea da importancia al proceso de creación más allá del resultado.”

Artistas: Alba Abellán, María Marchirant y Lara Ordóñez
Fechas: Del 2 de febrero al 11 de mayo 2024
Lugar: Galería Vangar, Valencia

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