MoMA acoge la exposición “YOKO ONO: One woman show, 1960-1971”, donde se exploran los primeros trabajos de la artista. Encontramos una selección de 125 objetos, entre trabajos sobre papel, instalaciones, performances, grabaciones de audio y películas y material de archivo.
La exposición cronológicamente termina 1971, fecha en la que Yoko Ono anunció una exposición en el Museo de Arte Moderno, una individual que tituló Museum Of Modern (F)art. Cuando los visitantes llegaban al museo no encontraban ninguna evidencia de su trabajo. Lo único que encontraban era un hombre con un cartelón doble en el que Ono había colocado una multitud de moscas y que invitaba al público a seguir el vuelo de las moscas en el Museo y en la ciudad.
Cuarenta años después de esta exposición no autorizada, tiene lugar en MoMA la primera exposición dedicada en exclusiva a la artista en el espacio, organizada por Christopher Cherix y Klaus Biesenbach junto a Francesca Wilmott.
La exposición está organizada cronológicamente y por corrientes temáticas, lo que permite visitar la exposición de diferentes maneras. Antes de entrar en la muestra, los visitantes encuentran la primera pieza de Ono: Lighting Piece (1955), una de sus instrucciones con el texto: “Enciende una cerilla y mira hasta que se apague”. Además, se puede ver el vídeo Match Piece (o No.1) (1966) que se proyecta en 16mm. Durante los días en los que permanezca abierta la exposición un actor parará la película y realizará la acción que explicaban las instrucciones de Ono.
La primera parte de la exposición se centra en sus Chambers Street Loft Series (Diciembre 1960- junio 1961). En 1960, Ono alquiló un apartamento en la calle Chambers, que usaba como estudio, pero que también estaba concebido como un lugar en el que interpretar nueva música e ideas. Durante los seis meses que vivió allí, Ono y el compositor La Monte Young presentaron numerosos eventos con artistas, músicos, bailarines y compositores. Algunas de las obras combinaban música, artes visuales y performance.
Algunas noches hubo hasta 200 asistentes, entre los que era fácil encontrar a John Cage, Marcel Duchamp, Peggy Guggenheim, Isamu Noguchi, George Maciunas, Jasper Johns y Robert Rauschenberg. En la exposición podemos ver los programas de 11 eventos que no se habían visto anteriormente así como fotografías de archivo de la calle Chambers Loft.
La siguiente sala se centra en la primera individual de Ono, que tuvo lugar en julio de 1961 en la Galería AG en el Upper East Side de Nueva York. George Maciunas invitó a Ono a hacer la exposición tras asistir a uno de los eventos en Chambers. Ono creó las pinturas en la propia galería con un rollo de lienzo al que aplicó lavados de tinta Sumi japonesa. Estas obras, que se conocieron como «pinturas de instrucción», fueron las manifestaciones físicas de las propias instrucciones de Ono.
Ella comunicó las instrucciones verbalmente o, a veces, en las tarjetas escritas a mano, solicitando a los espectadores que se involucraran personalmente con las obras con el fin de completar su creación. Con el fin de transmitir un sentido de los originales perdidos, MoMA, junto con Ono, ha llevado a cabo un amplio estudio de los materiales, las técnicas y las estrategias de visualización utilizados en sus primeras obras.
A continuación, encontramos una sala dedicada a la vuelta de Yoko Ono a Japón a principios de 1962 donde permaneció durante más de dos años. Su primer concierto y exposición en Tokio fue en el Centro de Arte Sogetsu en mayo 1962 y superó las expectativas de espectadores. Allí expuso su Touch Poem #5 con instrucciones para que los espectadores pintasen lo que quisieran. El concierto consistió en una combinación de nuevos y viejos trabajos, realizadas por Ono y un grupo de compañeros artistas y músicos. La velada se cerró con Audience Piece to La Monte, en el que los artistas formaron una línea a través del escenario, y cada uno eligió un miembro de los espectadores al que mirar, en cuanto el espectador rompía el contacto visual, el artista redirigía su atención a una nueva persona. De esta manera Ono rompió fronteras tradicionales entre artista y público. El concierto está representado en la exposición a través de fotografías de archivo.
En la sala siguiente encontramos actores realizando la performance Bag Piece (1964) que consiste en meterse en una bolsa de tela que va moviéndose por la sala. Ono realizó la performance por primera vez en Kioto, en julio de 1964, en el mismo concierto en el que se estrenó Cut Piece. También en la exposición se pueden ver ocho fotografías tomadas por George Maciunas mientras estaba realizando la performance en el Perpetual FluxFest de Nueva York en junio de 1965.
Más adelante se centra en Grapefruit (1964), un libro de artista auto-publicado que comprende instrucciones que Ono escribió entre 1953 y 1964. Ella comenzó a presentar sus instrucciones basadas en sus trabajos artísticos en Chambers. En los años siguientes, Ono creó obras que se distanciaban de sus conceptos de sus manifestaciones físicas, lo que culminó en 1964 con la obra “Grapefruit”, que funciona como una metáfora de la incorporación de las filosofías orientales y occidentales en su trabajo.
Entre 1963 y 1966, Ono vivió tanto en Tokio como Nueva York, lo que sirvió como un puente crítico dentro de la vanguardia internacional. Otras obras en esta sala ejemplifican las relaciones cercanas de Ono con otros artistas como George Maciunas y John Cage. Maciunas organizó la primera exposición individual de Ono, en 1961, y participó activamente con él en la formación de Fluxus. Ono conoció a Cage en la misma época, y aunque discrepaban en algunas de sus ideas, fueron buenos amigos, incluso Ono participó en la gira japonesa de Cage en 1962.
En la sala siguiente hay varias obras inspiradas en el cielo, entre ellos To see the sky (2015), creada para la exposición del MoMA. El cielo es un tema central y recurrente en la obra de Ono. Su fascinación se remonta a sus recuerdos de infancia de ser desplazados de Tokio durante la Segunda Guerra Mundial y fueron en busca de la seguridad en el campo. «Fue entonces cuando me enamoré del cielo», recuerda Ono. «Incluso cuando todo se caía a pedazos a mi alrededor, el cielo estaba siempre allí para mí… Nunca podré renunciar a la vida, siempre y cuando el cielo esté ahí.»
Desde principios de los 60, Ono se basó en introducir la participación del espectador para completar sus obras de arte. Tomando como punto de partida su individual en la galería Indica de Londres en 1966. En el MoMA pueden verse Add Color Painting (1961-1966) y Painting to Hammer a Nail (1961-1966) que requieren la intervención del espectador, mientras que Apple (1966) comprende una fruta solitaria, carente de la mano del artista más allá su colocación en un pedestal de plexiglás fija con una placa de bronce.
La noche antes de que abriera la exposición de la galería Indica, John Lennon fue a ver la muestra, movido por Ono y sus conceptos artísticos, él fue la primera persona en firmar el libro de visitas de la exposición, incluyendo su segundo nombre, Winston, y su domicilio. En los años siguientes, Ono trabajó en una estrecha colaboración con Lennon, produciendo películas, iniciando campañas de paz mundial, y con el lanzamiento de Plastic Ono Band.
La exposición del MoMA incluye una sala de audio dedicada a la música que Ono produce con la Plastic Ono Band. Alrededor de 1968, Ono decidió crear una banda «que no existiría… que no tenían un número determinado de miembros… que podría acomodar cualquier persona que quisiera participar con él». Aunque conceptualmente Plastic Ono Band no tenía miembros, en la práctica, tenía una formación flexible. Para una actuación en el Toronto Rock and Roll Revival, en 1969, la banda estaba formada por Ono, Lennon, Eric Clapton, Klaus Voormann, y Alan White. La banda siguió editando discos hasta mediados de la década de 1970. En 2009, Ono revivió Plastic Ono Band con su hijo, Sean Lennon.
En la última sala de la exposición encontramos la película Fly que realizó en 1971 para el proyecto Museum Of Modern (F)art. En Fly, la cámara sigue el viaje de una mosca por un cuerpo femenino desnudo. El acto de rastreo de moscas se hizo eco en Museum Of Modern (F)art (1971), en el que Ono pidió a los espectadores seguir el camino de moscas, que Ono había lanzado supuestamente en el Jardín de Esculturas del MoMA. Ono publicó fotos de la migración urbana de las moscas en el libro de artista relacionado, que también está en exhibición en la galería de fotos. Un cortometraje capturó la respuesta del público. Mientras que algunos se mostraron escépticos, otros se fueron por la ausencia de una exposición concreta, incluyendo un hombre que dice: «El mundo entero en general puede ser un espectáculo.»
Artista: Yoko Ono
Fechas: Hasta el 7 de septiembre de 2015
Lugar: The International Council of The Museum of Modern Art Exhibition Gallery, Nueva York
Créditos imágenes:
1- Yoko Ono with Standing Woman (1932) by Gaston Lachaise, The Museum of Modern Art Sculpture Garden, New York. c. 1960–61. Photograph by Minoru Niizuma. © Minoru Niizuma. Courtesy Lenono Photo Archive, New York
2- Cut Piece (1964) performed by Yoko Ono in New Works of Yoko Ono, Carnegie Recital Hall, New York, March 21, 1965. Photograph by Minoru Niizuma. © Minoru Niizuma. Courtesy Lenono Photo Archive, New York
3- Yoko Ono and John Lennon. WAR IS OVER! if you want it. 1969. Offset, 29 15/16 x 20” (76 x 50.8 cm). The Museum of Modern Art, New York. The Gilbert and Lila Silverman Fluxus Collection Gift, 2008. © Yoko Ono 2014
Etiquetas: Fluxus, MOMA, Yoko Ono Last modified: 2 agosto, 2015
